Co-producción entre Inglaterra e Italia basada en un relato corto de Daphne Du Maurier y dirigida por Nicolas Roeg, en la que es su película más destacada dentro de una filmografía que pasa desapercibida. Amenaza en la Sombra está protagonizada Donald Sutherland y Julie Christie, una pareja que en pleno 1973 se encontraba en un buen momento artístico. La película supone también el debut en el cine del músico Pino Donaggio, colaborador habitual de los primeros largometrajes de Brian De Palma (en una banda sonora que por alabada que está no me ha parecido nada memorable).

Un matrimonio (Sutherland y Christie) pierden a su hija en un accidente en un lago. Un tiempo después la misma pareja vive en Venecia por motivos laborales. Un día, comiendo en un restaurante, la mujer conoce a una pareja de señoras, una de ellas ciega y vidente que dice poder ver a su hija muerta, le avisa que el futuro de su esposo corre serio peligro si se queda en Venecia, donde se están cometiendo una serie de asesinatos.

Película que se mueve dentro del cine de suspense, el drama y el thriller psicológico, considerada de culto resulta en realidad una película aburrida, monótona, que solo despierta de su letargo cuando sucede algún suceso puntual que hace que el espectador le ponga un poco de interés a una historia que no lleva a ninguna parte, en la que si se ciñen a lo que es guión difícilmente hubieran tenido más de 40 minutos de metraje, culpa de la labor de Roeg, que en su interés por resultar artie (en lugar de artesanal) se pasa la película alargando planos y escenas (el folleteo de la pareja, las idas y venidas de algunos personajes) llevándonos a un desenlace previsible, tramposo, que además resulta confuso con tanto personaje buscándose el uno al otro por las calles de Venecia.

Lamentable film que tiene su mejor baza en la ambientación que dan los pasajes de Venecia, algún personaje enfermizo (las dos señoras, la imagen del asesino) y la buena labor de sus estrellas principales. Poco para una película sin duda sobrevalorada. Ya lo decía su título original, "Don't Look Now", traducido: no mires ahora, debería haber hecho caso y no haber mirado ni ahora ni nunca.

Como cada año, el cine español ha mostrado un rendimiento bastante lamentable en cuanto a taquilla, pero por suerte siempre hay alguna película que maquilla el resultado global. Sin nuevo Torrente, este año el pastel se lo han repartido Lo Imposible de J.A. Bayona (la más taquillera del cine español en su historia), Tengo Ganas de Ti y la cinta de animación en 3D para todos los públicos, Las Aventuras de Tadeo Jones. Esta última supone el debut en largometraje de un personaje que ganó notoriedad tras un par de Goyas conseguidos por dos cortometrajes realizados por el creador del personaje, Enrique Gato.

Como el cortometraje es un negocio que rara vez da beneficios y si los da, depende de los premios recibidos, se optó porque la nueva aventura del personaje fuese un largometraje. Así ha llegado Las Aventuras de Tadeo Jones, una producción que cuenta con producción y ayuda económica de casi cada medio del país: Telefónica, Telecinco, AXN, TV3, Canal +, Mediaset, El Toro Pictures, Intereconomía...

Me imagino al director de Tadeo Jones tratando de crear al personaje allá por 2001, y ante un bloqueo mental pensar 'si no puedo crear nada original mejor cojo algo que ya exista y lo copio'. De esa manera cogió el personaje de Indiana Jones y lo parodió en la figura del cateto personaje de Tadeo, albañil que sueña con ser arqueólogo y que vive aventuras alrededor del mundo. En esta ocasión su misión le lleva a Perú a tratar de encontrar un tesoro inca codiciado por muchos.

No es una decisión popular decir sin miramientos que una película como Tadeo Jones es una auténtica bazofia, y no lo es porque alguien siempre lo justificará diciendo que es una película destinada a niños pequeños, no para mí. Puede que yo no esté entre el target potencial de Tadeo Jones pero de lo que no cabe la menor duda es de que los niños merecen un respeto y por lo tanto, un producto más cuidado y digno que este vulgar Tadeo Jones.

Con una historia que hemos visto miles de veces -la cual no es el problema del largometraje-, vemos la peor galería de personajes vista en una película de animación, de diseño pobre, repetitivo, con una ausencia de valores en la personalidad de cada uno- la frívola chica de la película (aspecto de golfa incluido), el mangante acompañante peruano al que Jose Mota pone voz y cansinas gracietas, el loro mudo que se comunica con carteles de malhablado y desafortunado vocabulario-, ni siquiera Tadeo y su perro tonto, los más bienintencionados, tienen una caracterización aceptable, mucho menos interés suficiente para hora y media de película.

La animación no supone esa revolución que ven muchos y aunque así lo fuese, está acompañada de situaciones trilladas y nada novedosas, adornadas por un fallido sentido del humor que recurre a tópicos españoles de dudoso gusto (los toros), escatología, menciones a personajes famosos que no vienen a cuento (Ricky Martin) y publicidad encubierta a empresas de por aquí (Iberia, Seur).

Publicidad tampoco le falta a la cantidad de canciones que integran el metraje de la película aunque ni vengan a cuento, ni pegue con lo que se ve en pantalla. Una banda sonora que incluye artistas (si es que lo son) como One Direction, The Monomes y una colaboración de Juan Magan y Belinda que por aquí lo ha petado, y que me he librado de escuchar porque suena en unos créditos finales que no me he atrevido a soportar.

Las Aventuras de Tadeo Jones consigue ser solo un poco mejor que el Hercules y el Aladino que venden en el bazar chino de debajo de casa, y lo es porque por lo menos me hizo reír al ver en el inicio de los créditos la frase 'Intereconomía presenta'.

Nueva película surgida de un personaje del mundo del comic, en este caso uno que ni he leído ni conozco, Yo, Frankenstein (2014). Kevin Grevioux es su autor, y en su traslación a la pantalla ejerce de guionista, productor y actor secundario, tareas todas ellas en las que repite tras haberlas realizado en la saga Underworld. Dirige Stuart Beattie -también guionista- en su segunda producción tras las cámaras después de estrenar años atrás un pseudo-remake de Amanecer Rojo, Mañana, Cuando la Guerra Empiece (2010)

El reparto, para poner caras: Aaron Eckhart, Jay Courtney (el hijo de John McClane en La Jungla: Un Buen Día para Morir), Miranda Otto, Yvonne Strahovski (Asesinos de Élite), Bill Nighy (repitiendo papel similar al de Underworld) y el citado creador del comic, Kevin Grevioux. Qué escribió exactamente éste: la batalla entre gárgolas (el Bien) y demonios (el Mal) y como el monstruo de Frankenstein (Eckhart) -bautizado como Adam- interviene para desnivelar la balanza a favor de los primeros.

Si en los dos primeros párrafos se me ha escapado citar un par de veces a Underworld no es casualidad. Comparten artífices, medios y posiblemente las mismas intenciones. La trama es la misma cambiando vampiros y lobos por gárgolas y demonios, oscuros paisajes digitales góticos que lo envuelven todo, muchos (cutre) efectos especiales y la única pretensión de entretener. Como suelen dejarse poco dinero en ellas, no cuesta recuperar la inversión y obtener rápidos beneficios que aseguren una secuela para seguir sacándose unas perras.

Con Yo, Frankenstein deberían irse olvidando, batacazo en taquilla, y crítica y público poniéndola a parir. Es normal, la película no es buena, lo que no evita que en un par de frases pueda resumir porque Yo, Frankenstein no me parece tan detestable. Es corta (80 minutos), no le falta ritmo, alguna coreografía sorprende y que, si bien se acaba de ver sin agrado, tampoco molesta nunca. Queda como un intento fallido de ser otra Underworld -saga que tampoco es nada del otro mundo-.

Lo (realmente) malo: cada actor que aparece en imagen, algunos últimamente acostumbrados a cagarla -Eckhart, Courtney-, otros nunca lo habían hecho tan mal -Nighy-. No les ayuda mucho unos personajes bastante indefinidos y un guión que simplemente los deja vagando en pantalla a la espera de la siguiente escena de tortazos.

Un 4,3 en IMDB y un 3,7 en Filmaffinity no eran buenos presagios para The Apparition, la última película hasta la fecha de Dark Castle Entertainment, la compañía especialista en films de terror de bajo presupuesto. House on Haunted Hill, Trece Fantasmas, Ghost Ship, Gothika, La Casa de Cera... la filmografía de la compañía tampoco auguraba algo mucho mejor. Dirige el desconocido Todd Lincoln y protagonizan Ashley Greene (Alice Cullen en Crepúsculo), Sebastian Stan (Capitán América) y Tom Felton (Draco Malfoy en la saga Harry Potter).

Una pareja (Greene & Stan) llegan a vivir a una nueva urbanización encontrando en su nuevo hogar la actividad paranormal de turno que sabemos que va a poner en peligro sus vidas. El tercero en discordia, Tom Felton, interpreta a un especialista en este tipo de casos que les echa una mano.

The Apparition, que por suerte no va a estrenarse en España, es una estafa en toda regla. No solo por cobrarle al respetable por verla, más incluso porque se han dejado en esto 17 millones de dólares de presupuesto que no se ven por ningún lado, unos números bastante altos para los parámetros del cine de terror actual (últimos éxitos como Insidious, Sinister y Paranormal Activity's no pasan de 3).

Enésima revisión del cine de casas y/o miembros de una familia que están encantados y/o poseídos. Esta poca novedosa premisa alcanza el cénit de la mediocridad en The Apparition, una película en la que no pasa absolutamente nada en sus poco más de setenta minutos. Moho en la pared, perchas que se rompen, el perro del vecino que se muere, un cactus que se marchita, un par de capítulos paranormales algo insípidos que no asustaran ni a los más pequeños de la casa...

Una película que se mueve entre los tópicos del subgénero sin interés real por crear nada nuevo ni asustar. Solo salvar la escena final (SPOILER).

Penúltima película dirigida para cine de un John Frankenheimer que cuatro años después fallecería a la edad de 72 años. Ronin se mueve dentro del cine de acción e intriga, géneros que dominó a la perfección como lo demuestran French Connection 2, Domingo Negro y El Mensajero del Miedo entre muchas otras. En Ronin lleva a la pantalla un guión de J.D. Zeik y de un David Mamet que retiró su nombre de los créditos por desavenencias creativas. En él se dan cita una serie de personajes interpretados por Robert De Niro, Jean Reno, Natasha McElhone, Stellan Skarsgard, Jonatahan Pryce, Sean Bean y Skipp Sudduth.

París. Una mujer irlandesa (McElhone) contrata a un equipo de cinco mercenarios (De Niro, Reno, Skarsgard, Bean, Sudduth) para que roben un maletín. Entre traiciones, tiroteos, engaños y muertes el preciado objeto irá pasando por diferentes manos mientras la pareja formada por Sam (De Niro), ex-agente de la CIA, y el francés Vincent (Reno), se encuentra tras su búsqueda.

Qué flojo el guión de Ronin, pese a que en él hace acto de presencia un recurso narrativo tan interesante como es el MacGuffin, un elemento sobre el que gira toda la trama sin tener mayor relevancia en ella, en este caso el MacGuffin es el dichoso maletín que todo el mundo quiere y del que nos quedamos sin saber que hay en su interior. En realidad porque no interesa saber qué hay dentro, lo que interesa saber es lo que está dispuesto a hacer por conseguirlo todo aquel que lo busca.

Todo este guión queda como mera excusa para ver una sucesión de incontables y espectaculares tiroteos y persecuciones, rodadas con nervio, maestría y una concepción clásica del cine por un John Frankenheimer dando lecciones de cómo realizar esta clase de escenas, firmadas por él mismo, sin director de segunda unidad. No debería sorprender pues Frankenheimer tenía experiencia como piloto de carreras.

La película además, se aprovecha del buen pulso narrativo del cineasta, en especial su primera hora de metraje, llevada con buen ritmo, a lo que ayuda tanto la presencia de un excelente reparto (De Niro y Reno se llevan la palma) como de la dirección artística y los preciosos parajes que ofrece París, Niza y diversas ciudades francesas. Son los puntos fuertes de una Ronin que tiene un pequeño bajón de ritmo durante su parte final, cuando el guión nos lleva a un desenlace en una pista de patinaje artístico, algo falto de emoción, con un giro final brusco que no solo no aporta nada a la trama, sino que echa por tierra el título de la misma película y la leyenda de los 47 Ronin (explicado entre medio del largometraje).

Acaba Ronin y uno se acaba preguntando qué es lo que había dentro del maletín, para seguidamente preguntarse qué hubiera sido de Ronin con un guión más elaborado que hubiera acompañado mejor las buenas imágenes que ofrece la película de Frankenheimer. Una lástima.