El cine indie norteamericano, siempre se las ha arreglado bastante bien para mostrar esa soledad del individuo, en un país inmenso y profundamente masificado, es un argumento coherente, que suele quedar bien asociado con las formas de aislamiento social del individuo.

El actor Brian Landis Folkins, que además ejerce como productor, encuentra un regalo en el papel del inadaptado David, un soltero solitario y retraído, hastiado de cuidar a su anciana madre, que un día descubre una cinta vhs que puede convertir sus deseos en realidad, es justo cuando comienza su particular relación con Andy, el presentador del video, un estupendo Will Weathon, recurrente actor secundario que sonará bastante a los trekkies.

Ambientada a principios de los 90, que comienzan poco a poco a ser los nuevos 80, como nueva década predilecta en la que situar las historias, 'Rent-A-Pal' es un film modesto, rodado en apenas un único espacio doméstico, que se beneficia de la cada vez más tensa relación entre sus protagonistas, con un envoltorio fantástico muy reconocible, que sin ser absolutamente original, funciona por su acertado trabajo técnico.

Opera prima como director de Jon Stevenson, a partir de su propio guión original, en un trabajo muy detallista, que se las arregla para crear su propio universo, y al que solo hay que reprochar el ser demasiado explicativo, en aspectos del comportamiento sobradamente conocidos por todos, y que alargan un metraje a las casi dos horas, cuando era suficiente el estándar de 90 minutos, para desarrollar su argumento.

Finalmente, estamos a ante uno de esos prometedores debuts tras la cámara, que si bien acusa sus defectos, eleva otra serie de virtudes a favor de Stevenson, como el crescendo que acompaña al film, o su obsesiva crueldad, factores suficientes para retener este nombre y estar pendiente de futuros proyectos.


<Películas del 30 Fancine: Festival de Cine Fantástico Universidad de Málaga>

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En el universo trillado del cine de nazis, que prácticamente ocupa un espacio propio dentro del género bélico y dramático, empiezan a hacer falta nuevas visiones, que adapten la historias a terrenos más imaginativos, que alejen en parte ese fantasma de los repetitivo.

Rodada básicamente en un único escenario, una orfanato abandonado en mitad del bosque, este modesto film polaco aprovecha bien los factores a su juego, convirtiendo a los voraces perros de los oficiales nazis, en una nueva amenaza con la que deben lidiar un grupo de niños judíos en los días posteriores a la liberación de los campos de exterminio.

El director polaco Adrian Panek, convierte la necesidad en el factor fundamental de una obra, que transita con un ritmo adecuado, mostrándose siempre indiferente al sufrimiento de sus jóvenes protagonistas, algunos de muy corta edad, lo cual confiere un convincente peso dramático, al ya de por si rocoso caparazón del film.

Precisamente, cabe destacar el trabajo de los actores, implicados en una serie de perfiles, que requieren un esfuerzo extra por parte de Panek, y que recuerda aquello que decía Hitchcock, sobre nunca trabajar con animales o niños, algo que el realizador ignora en ambos casos, saliendo parcialmente victorioso en tan compleja tarea.

En los apartados técnicos, su brillante trabajo de sonido, ayuda desde un tono bastante estruendoso, a intensificar esa mencionada amenaza en contaste asedio, algo que consigue mantener la tensión en casi todo su metraje, pese a que va de más a menos en contundencia, y presenta unas conclusiones bastante menos acordes a lo esperado en este tipo de producción.

Finalmente, el cine polaco presenta con 'Werewolf', una serie de credenciales que le pueden permitir participar con otra clase de producto, que no sea únicamente ese tipo de trabajo político y social del que suele hacer gala, no se trata de una cinta memorable, pero al menos es consciente de sus limitaciones, y sabe potenciar con relativa habilidad sus mejores elementos, algo de por si ya resulta suficiente para recomendar su visionado.


(Películas del 29 Fancine: Festival de Cine Fantástico Universidad de Málaga)

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Pocos realizadores existen en el cine contemporáneo, que puedan presumir de presentar un curriculum a la altura del talento del que el norteamericano Wes Anderson hace gala, como extraño rara avis de una industria que en un principio debería serle ajena, pero que por suerte, ha sabido reconocer su peculiar e indiscutible genialidad.

Con el prestigioso premio a mejor director en el pasado Festival de Berlín bajo el brazo, Anderson retoma una de sus pasiones fílmicas, ya expresada en 2010 con el estreno de 'Fantastic Mr. Fox', para presentar su nuevo trabajo, segunda incursión en el género de animación, que abraza, al igual que entonces, el deseado estilo Stop Motion como motor de una historia, que vuelve a tener al reino animal como fuente principal de inspiración.

Precisamente, y como primera buena noticia, el realizador ha sabido pulir los defectos de forma que presentaba Mr. Fox, desde la minuciosidad de la puesta en escena, enriquecida aquí gracias al paraíso marciano y decadente de un Japón distópico, con esa Isla de Perros que da nombre al título, como perfecto colofón de una apuesta que indudablemente, y pese a los habituales desvaríos marca de la casa, se configura mucho más compacta en el aspecto argumental.

A la altura de sus mejores obras, el film vuelve a encontrar ese envidiable equilibrio entre el pleno entusiasmo y la más profunda melancolía intelectual, dibujando una poderosa y convincente fábula sobre la igualdad, otra de las constantes en el cine de Anderson, y contemplando lo marginal como perfecta base, sobre la que construir un adecuado mensaje de sensibilización sobre el momento político, social y ecológico que nos ha tocado vivir, donde muchas de las especies autóctonas del planeta tierra se encuentran en grave peligro de extinción.

A todo ello hay que añadir, que la aventura que ofrecen sus cánidos protagonistas se disfruta de manera acompasada, mientras el deslumbrante aspecto visual se erige por encima de cualquier consideración técnica, explotando la influencia declarada hacia el cine del maestro Akira Kurosawa, presente en muchos de los planos y decisiones que Anderson, sin abandonar nunca su perfección simétrica, tiene a bien evocar, con la evidente complicidad de su habitual club de chicos listos, que entre otros, transita desde Roman Coppola y Jason Schwartzman, sus guionistas de confianza, pasando por el doblaje de Bill Murray o Edward Norton, actores que han trabajado previamente a sus órdenes, y llegando finalmente a la cuidada banda sonora, con su segundo Oscar aún caliente, del francés Alexandre Desplat.

Finalmente, 'Isla de Perros' añade otro brillante capítulo a la filmografía de un realizador diferente y sumamente original, sirve para enriquecer su incombustible imaginario, y se postula como un rotundo triunfo estético, consiguiendo aquello a lo que suele aspirar toda obra de ficción, que apenas se puedan poner reproches a su particular universo de fantasía.



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Queda bastante claro, que los peregrinos ingleses tampoco tuvieron mucha imaginación, a la hora de ponerle nombre a los territorios conquistados en Norteamérica, como demuestra este Manchester al que hace referencia el título, localidad costera, cuyo modesto y sencillo universo parece girar al compás de su particular puerto deportivo.

Aprovechando el paisaje invernal helado de dicho entorno geográfico, el realizador Kenneth Lonergan construye, a partir de su propio guión original, un poderoso y desgarrador relato, que contempla la culpa como principal motor argumental, sin dejar demasiado espacio para la redención, lo cual es muy de agradecer, y acerca al film a poderosas cotas de realidad y compromiso cinéfilo.

El regreso de Lee Chandler a casa, para hacerse cargo de los problemas derivados, tras la muerte no tan repentina de su hermano, vuele a desenterrar los fantasmas de un pasado muy turbio, que aún amenazan la estabilidad de todo aquel que intente empatizar con una figura tan emocionalmente dañada.

Como punta de lanza del film, y dando vida a su protagonista, se encuentra Casey Affleck, en un papel escrito a su medida, que es ejecutado a la perfección por el actor, dotando de la máxima convicción esos dolorosos silencios y las miradas perdidas, en un esfuerzo verdaderamente digno de todo reconocimiento.

A un nivel igualmente notable, acompañan en pantalla al bueno de los hermanos Affleck, la actriz Michelle Williams, algo perdida tras su excelente secundario en "Brokeback Mountain" (2005), del que recupera en parte, las mejores sensaciones, y la sorpresa del joven Lucas Hedges, que interpreta uno de los vértices emocionales de la obra, con enorme convicción.

Finalmente, y con la seguridad de estar ante el que, posiblemente, sea el mejor drama de todos los fabricados en la temporada de premios, solo hay que avisar de un metraje algo extenso, y de cierta complicación inicial con los Flashback, insertados de manera poco acompasada, factores que tampoco deben empañar los logros de un trabajo sobrado de calidad, que de forma bastante segura, satisfará a todos aquellos que contemplan a este género, como el más honesto de todos los que componen el peculiar planeta cine.




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James Cameron es un director al que curiosamente se le niega el Olimpo de Hollywood, el estar a la altura de otros realizadores de supuesta mayor enjundia, quizá porque cae gordo a una gran parte de académicos y críticos, es lo que tiene la opulencia, en su cine no hay medias tintas, todo funciona a lo grande.

Según los expertos, lo que convierte a un director en autor, es dar coherencia a su filmografía, que sus películas tengan un nexo de unión, bien, precisamente aqui tenemos a un artista obsesionado con un tema, el ser humano superado por la tecnología que el mismo ha creado, esto es así en Terminator y en Titanic, incluso en Avatar, aunque ciertamente, en esta última, el mensaje tiene menor intensidad y originalidad.

Terminator es una gozada, no entrare en la polémica de cual de las dos es mejor film, mi simpatía de todos modos esta con esta, la original, porque todo es más artesanal y tiene ese encanto que siempre mencionamos en las películas de los 80, la secuela, Terminator 2, sin duda supone un hito en la historia del cine a nivel técnico, solo comparable al trabajo del maestro Harryhaussen en la década de los 60.

Justamente, en el apartado técnico hay que detenerse, Stan Winston, que en paz descanse, realiza un soberbio trabajo en los F/X y el maquillaje, que cobra un valor significativo por la escasez de medios, Cameron andaba aún lejos de ser el rey midas de principios de los 90 y todo resulta más laborioso y por tanto mucho más mágico.
Se asentaban así las revolucionarias bases de lo que la continuacíon, rodada 7 años después, supondría en este apartado, con Winston de nuevo a los mandos como es evidente, y su incuestionable repercusión posterior en el mundo del cine de entretenimiento.

A Schwarzenegger hay que dedicarle otro párrafo, lo merece, es el papel de su vida, su actuación robótica le va como anillo al dedo al personaje, apenas articula unas palabras en todo el metraje, todas resultan recordables, el "Volveré" que pronuncia antes de la masacre en comisaría forma parte de la leyenda, incluso las frases que se mencionan sobre la amenaza que supone como máquina asesina, son un icono en el género de acción/ciencia ficción, la mejor, la que pronuncia Reese, - Michael Biehn - para convencer a Sarah Connor - Linda Hamilton - de lo que se les viene encima, "El Terminator está ahí fuera, no se puede razonar con el, es un exterminador, No siente lástima, ni remordimiento, ni miedo y no se detendrá ante nada, jamás, hasta que estés muerta".

Obra de culto, su secuela la ha postergado injustamente a un segundo plano, para los cinéfilos no es así, merece ocupar su lugar de privilegio al igual que su brillante realizador.