Danny Boyle camina por el mundo del cine a medio camino entre grabar videoclips y filmar un arte considerado. El tipo tiene grandes ideas, es atrevido, por momentos logra lucirse técnicamente y hasta puede contarnos una gran historia, pero tiene una gran dificultad para lograr transmitir emociones con todo este conjunto de fuerzas de las que dispone para lograrlo.

Sus virtudes y defectos se reflejan con mucha más claridad en una cinta de supervivencia, como si alguien te mostrara las fotografías de sus últimas vacaciones donde te puedes hacer una idea de cómo lo estaba pasando pero sin poder ponerte en el pellejo de sus sensaciones. De esta manera, la película te muestra una historia angustiosa que no te hace sentir angustia, donde la soledad, el miedo, la desesperación, e incluso el hambre y la sed que puede padecer su protagonista, no llegan a rozarte la piel ni por la tangente.

No será porque James Franco no lo intentara, pero queda realmente lejos de poder lograr que compartas con él su sufrimiento, tal y como sentiste la rendición de Tom Hanks en “Náufrago” (Robert Zemeckis, 2000) o la claustrofobia de Ryan Reynols en “Buried” (Rodrigo Cortés, 2010), por poner dos ejemplo entre los muchos que te hicieron inhalar alientos de incertidumbre en este tipo de género.

George Lucas llegó a temer que esta película consiguiera alcanzar un éxito más rotundo que La guerra de las galaxias, y, pese a que su apuesta distaba mucho de la realidad, no es menos cierto que el tono humanístico de un hombre normal haciendo algo extraordinario, otorga un poder cinematográfico incuestionable a una cinta con la que Spielberg se estrenaba en el espacio exterior, años antes de probar suerte con el simpático ET o que otras producciones como Alien se metieran de lleno a conquistar el género.

Es posible que con el paso del tiempo se hayan realizado muchas más películas de alienígenas, aunque pocas de abduciones. “Encuentros en la tercera fase” es mucho más: es Pinocho, es un mexicano silbando en una curva de la carretera, es un niño perdido, son luces que se apagan y formas que transmiten a través de la espuma de afeitar, un puré de patata, montañas de barro o plastilina y melodías de xilófono, que enriquecen los matices de un film que tiene cosas de “Poltergeist” y sirve de inspiración para el sistema comunicativo de “La llegada”.

La impresionante puesta en escena nos conmueve bajo unos efectos especiales rodados con el encanto aventurero que Spielberg ya desarrollaba en los años 70, al ritmo de una ligera y ágil banda sonora bajo la batuta de John Williams. Los paisajes asiáticos y la curiosidad por el valor de lo desconocido recuerdan a los encuadres del legendario Indiana Jones, mientras que la cinta aún tiene tiempo para mostrar el oscurantismo institucional con las cuestiones tabú y el daño que provocan los falsos testimonios al respecto. Solo un excesivo metraje final puede empañar una película que sin ser una obra maestra, no lleva a engaño aunque logre que te cuestiones si Einstein no era uno de ellos.

No sabemos el día que Woody Allen despertó y decidió abandonar el tono poético y artístico de sus obras, que caracterizaron la década de los 70 con producciones como: “Annie Hall” (1977) o Manhattan (1979), dando un toque argumental distintivo durante los 80, como apreciamos en: “Hanna y sus hermanas” (1986), “Cuando Harry encontró a Sally” (1989), entre otras muchas cintas que sólo parecieron recuperar parte de su esplendor cuando “Match Point” (2005) o “Blue Jasmine” (2013) en menor medida, asomaron por el nuevo siglo bajo su firma, antes de dar paso a una serie de producciones anuales rodadas en modo piloto automático con las misma decepción que si el mejor chef se pusiera a cocinarte patatas fritas cada día.

El viejo zorro que cultivó los caldos más cuidados, embasa ahora líquido en tetra brick de rápida salida al mercado ideal para el consumo low cost. De este modo, con “Scoop”, nos encontramos de nuevo ante una película que se le puede ocurrir a cualquiera pero que no cualquiera puede rodar con maestría. No cabe duda de que es un largometraje que guarda similares características con muchos otros, salvo que, bajo la batuta del maestro, logra destacar en calidad técnica, esta vez ayudado por un gran reparto – del que sigue sacando gran provecho -, donde los diálogos fluyen con rigor bajo la antigua esencia, gracias a Dios. El tono humorístico construye una cinta bastante digestiva, contando con un argumento sólido aunque falto de aristas que por momentos puede llegar a rozar por la tangente el telefilm. Por ello nos lamentamos – por mucho que comprendamos -, de la magia perdida en el contenido de sus obras, pues como dijo Robert de Niro en “Una historia del Bronx” (1993), no hay nada peor que el talento desaprovechado.

“Muerte de un ciclista” es una película revolucionaria, tanto en el contexto temporal por el que se presenta en España, como en la calidad cinematográfica que impone sobre producciones landistas de más baja alcurnia a todos los niveles. Del mismo modo que Amenábar recuperó los aspectos positivos que Hollywood podía aportar al cine patrio, Bardem en esta cinta logra atraer la más pura esencia técnica y narrativa que Hitchcock o el cine negro americano lograban desarrollar en décadas predecesoras.

Si bien resultan sorprendentes los trabajos de dirección, fotografía o la plasticidad artística de conmovedores encuadres – donde abundan los picados y contrapicados de la intriga anglosajona-, no son menos desdeñables las vicisitudes de un argumento que consigue mezclar la intriga y el suspense más contemporáneos con el reflejo social de una España dividida en dos mundos, con marcados estratos sociales que fueron impuestos tras la guerra. De este modo, bajo los caminos paralelos de las diferentes clases instauradas durante la dictadura, Bardem nos narra la historia de Juan y Lucía, protegidos del sistema social que se ven envueltos en un turbio asunto delictivo. Como si Woody Allen hubiese mamado de este largometraje para rodar el grueso de “Match Point” (2005), nuestros protagonistas – en el que destaca la interpretación de Lucía Bosé bajo primeros planos-, tratarán de buscar una solución hasta encontrar una paz que cada uno resuelve a su modo, desconociendo en todo momento que el destino también jugará sus propias cartas.

Es curioso como el primer romántico del expresionismo alemán, y si usted me apura, del cine, haya sido el primer cineasta en adaptar a la gran pantalla un exponente del romanticismo como la gran obra de Goethe. Era fácil suponer que de la mano de Murnau se podía desarrollar una historia de carácter existencialista, donde los más profundos deseos del ser humano tienen cabida. Si no me creen, pregúntenselo a “Amanecer" (1927), con la fuerza del amor por bandera.

Con Fausto, encontramos una obra de atmósfera espiritual imponente. Si bien el posterior largometraje de “Metrópolis” (Fritz Lang, 1927), tenía un aire más humanista, aquí el componente religioso no se olvida de catalogar las buenas y malas acciones personales, la antítesis entre el bien y el mal, el cielo y la tierra, en un sentido divino abstracto pero omnipresente que incluso se atreve a criticar el deseo hacia la eterna juventud, dotando a la cinta de todas las especias que alimentan el propio movimiento expresionista alemán.

Murnau confía en la bondad humana, cree en el amor pero también en la culpa, el castigo, el perdón, y en todas aquellas acciones que generan consecuencias tanto a Fausto como al resto de los mortales. Quizá, sea la película con mayor complejidad argumental de cuantas el director llegó a rodar, pero sin duda, es la más dotada de técnica, decorados y vestuarios, además de una banda sonora a golpe de piano que combina a la perfección con las imponentes imágenes que nos muestra. Déjense llevar por la tentación y echen un vistazo a “Fausto”, antes de que el diablo se disfrace para distraeros hacia palomitas de peor gusto y mejor digestión.