Como bien se indica al principio del metraje, Agatha se basa en el hecho real de la desaparición de la escritora de novelas de misterio Agatha Christie, durante algo mas de una semana, sin que se llegaran a esclarecer los hechos en modo alguno. La versión oficial fue la de una amnesia temporal, si bien, hubo varias teorías al respecto. Esta película se basa en algunas de ellas.

No soy fan de Agatha Christie, aunque si consumidor habitual de sus novelas y de los productos derivados de ellas y desde esa perspectiva considero que quien pretenda ver algo similar a Poirot o a Miss Marple aquí, quedará profundamente decepcionado, me temo. Siendo una película en la que sus personajes principales mienten y ocultan la verdad, no hay una intriga detectivesca que absorba nuestra atención.

Vanessa Redgrave no da ni por asomo la imagen que tenemos que Agatha Christie, y problablemente la película hubiera sido igual de interesante o mas si se hubiera recurrido a los hechos y no a los personajes. Pero Redgrave está fantástica, mostrándose vulnerable y frágil, pero con una intensa determinación, al igual que sucedía en María, reina de Escocia.

E igualmente que en esa película, Timothy Dalton también cumple su rol de marido que lleva a la desgracia a la heroína del fime. Eso si, maravillosamente caracterizado. La película recrea de manera mas que notable la época, tanto por la magnífica dirección artística, como por la maravillosa fotografía de Vittorio Storaro, tanto en interiores como en exteriores, muy importante en la recreación visual del ambiente y la luz de las islas británicas.

Dustin Hoffman, como acostumbra, está impresionante. Si bien cuenta con el handicap de que la diferencia de altura con Redgrave no está tan bien disimulada como la de Al Pacino y Diane Keaton en El padrino.

Sin ser una película sobresaliente, la cuidada producción y varios aciertos narrativos la convierten por lo menos en notable, si bien por momentos parece que el ritmo decrece y se presta mas atención a detalles aparentemente poco interesantes y se pasa por alto algunos otros que podrían tener mas miga. Aun así tanto a nivel visual como narrativo, contiene algunos aciertos que serían dignos de de destacar. Tiene mas miga de lo que parece a simple vista.

Una vez superados los momentos de inicial perplejidad por encontrarte súbitamente en medio de las revueltas provocadas por el conflicto entre Ucrania y Rusia, te sumerges de pronto en una especie de loa de lo que debería ser una especie de conductor de la historia, pero que termina convirtiéndose en su protagonista. Teóricamente la cinta quiere abordar el tema de cómo y por qué se produjo la catástrofe de Chernobyl, pero en lugar de eso se pierde en confusas entrevistas que no terminan de aclarar trama alguna y una serie de planos en lugares devastados para mayor gloria y loor de su protagonista.

Es un debate duro el de desdeñar una obra directamente sólo porque no coincidas con su ideología. Personalmente, creo que hay que intentar evaluar méritos y errores mas allá de lo que se critique o ensalce. El problema en este y otros casos es cuando crece la sospecha de que es el principal argumento de la obra. Si, como decíamos, el visionado comienza con las revueltas por la ocupación rusa, el intentar llevar las pesquisas una y otra vez a responsabilizar a Moscú de la tragedia nuclear y terminar otra vez en el mismo punto en el que se empezó, despierta sospechas. Muchas sospechas.

Decía Holmes que unos de los grandes problemas que se encuentra el investigador es la tendencia a ordenar los hechos de tal forma que corroboren la teoría ideada a priori, en lugar de ser las evidencias las que se encarguen de recrear lo sucedido. Como en una serie de intriga de baja calidad, esta es la impresión que me queda de la teoría conspirativa expuesta en el documental.

Si unimos a la descarada apología, el constante egocentrismo predominante en la cinta, personalmente no puedo darle una valoración en absoluto positiva. Es decir, un documental, a la postre, depende de su credibilidad, y este hace tan evidente y constante estos dos defectos, que a ratos te induce a pensar si no es una comedia que no estás entendiendo. Mi consternación ante el premio recibido en Sundance.

Cualquier miércoles es una comedia entretenida, sencilla y eficaz, pero que se queda en tierra de nadie. Visual y estéticamente está encuadrada en los 60, pero rezuma usos y costumbres bastante anteriores, muy propios de comedias de la década anterior. A nadie ha de extrañar ni sorprender que confiese que se basa en el clásico esquema en el que una chica joven e insegura acaba en brazos de un hombre mayor y casado a causa del pánico que le produce estar sola, hasta que un aparece un hombre mas apropiado que la rescata de esa situación errónea, para por fin proporcionarle un hogar lleno de hijos. Lo dicho, no es una película revolucionaria en ese aspecto.

Tres años después se estrenaría Flor de cactus, con un argumento de partida similar aunque un desarrollo bastante diferente. Ambas entretenidas y recomendables, desde luego.

A los veinte minutos de película tenemos a Jane Fonda hecha ya una moderna Doris Day (incluso repitiendo algunos tics infantiles y llorones que tenían muchos de los personajes que interpretó en la década anterior). Es curioso porque para cuando aparece Dean Jones (un actor que se asocia con Disney tanto o mas que el ratón Mickey), no pude por menos que acordarme de Fred McMurray.

La película no niega su origen teatral, como denota los pocos cambios de escenario. Casi toda la acción se desarrolla en el interior de un bullicioso apartamento. Va creciendo poco a poco de manera previsible pero divertida. En ese aspecto la película no tiene mucho reproche, es un divertimento eficaz al que contribuye un reparto muy dotado. Quizá en un argumento un tanto reaccionario destaca un tratamiento del sexo mas explícito en cuanto a lo verbal de lo que se podía encontrar en las antecesoras dentro de este estilo.

Curiosamente, no es el personaje de Jane Fonda, que interpreta a la amante de un hombre mayor y adinerado, la que encarna el papel de mujer independiente, como le correspondería por edad y época, si no mas bien la esposa del ejecutivo, una mujer mayor y de la que no se nos da a entender que tenga oficio alguno, si no mas bien, que se dedica a gastar el dinero de su marido. Curiosamente, en ausencia de la figura masculina, parece mas perdida la jovencita que ha crecido en otro ambiente y que, al menos al comienzo de la película, tenía trabajo propio, que la señora de mediana edad que parece depender de su marido.

El marido es un personaje que transmite en ocasiones rechazo y en otras hasta cierto cariño por la gracia que tiene, aunque esta gracia venga a través de un carácter nada amable y si soberbio, altivo, grosero y prepotente. Pero como te hace reír (y mas cuando no le salen las cosas como quiere) terminas cogiéndole cierta gracia. Con el personaje de Dean Jones sucede que viene condicionado por el mejor estilo clásico. No está especialmente desarrollado, pero cae simpático por el carisma de su intérprete (¿A quién no le cae bien Dean Jones? Por favor, que es el conductor de Herbie). Cabría achacarle en algunos momentos una cierta infantilidad, bastante de la cual viene dada por el carácter del personaje de Jane Fonda, aunque también aporta bastante el pique entre ambos protagonistas masculinos. En cualquier caso, sin llegar al nivel de otras grandes comedias de la época o con esas otras con las que comparte algunas características, y adentrándose en la lucha de géneros (aunque situándose en un estadio de lo mas inicial), es una comedia que sin llegar a ser brillante, sí resulta entretenida, divertida y muy agradecida de ver, con varios puntos que pueden gustar.

Sangre inquieta (al menos así se ha traducido para la sexagésima edición de la SEMINCI) es una película realmente variopinta y curiosa de analizar. Para empezar, no tiene un argumento especialmente difícil de prever y sin embargo da la impresión de que tarda considerablemente en desarrollar lo que parece obvio que va a suceder. También considero justo que la película se fundamenta sobre todo en dar un sentido dramático a los hechos terriblemente exagerado. Pero curiosamente, lo que cabría plantearse como un problema termina siendo uno de los puntos mas atractivos de la película.

Levoton veri tiene un discurso muy cercano al cine de Hollywood de esa época, por lo que no debiera resultar chocante a los ojos de quienes fuera de Finlandia contemplamos la cinta. Incluso, según avanza su desarrollo, parece que estemos viendo una genuina muestra del cine negro de la época. Sin querer desmerecer ni mucho menos a Regina Linnanheimo, que se merienda casi la película ella sola, uno se pregunta si este proyecto no hubiera sido uno de los grandes clásicos de Bette Davies en caso de que hubiera caído por la costa oeste de norteamérica.

Por momentos muy desigual, realmente es el proceso que sufre el personaje que da vida (y de qué forma) Regina Linnanheimo el que termina llevando el peso de la película y centrando toda la atención del espectador, precisamente por lo hiperbólico de sus reacciones, sus gestos y sus sentimientos. Es por eso que para cuando llega al clímax de su caída a los infiernos, es cuando la película se torna realmente fabulosa y deja una sensación tan buena en el espectador, pese a la exposición de los acontecimientos tan dubitativa que hemos visto previamente.

Además de incluir, como ya he mencionado antes, detalles muy propios del cine negro americano y también de las películas de intriga de ese mismo periodo del cine clásico americano, tiene momentos muy interesantes en su narrativa propia, como por ejemplo la repetición de algunos planos con un sentido totalmente diferente, lo cual veo como un gran acierto de Teuvo Tulio. También tiene detalles casi sobrenaturales y fantasmagóricos, que parecen un tanto propio de la idiosincrasia finlandesa (sin ser, ni mucho menos, ni un medio entendido en el tema), tales como ese momento en el que la protagonista se sirve de unas cartas como modo de adivinación.

Hay que hacer especial hincapié en la maravillosa labor de Regina Linnanheimo. Cuando la película se apoya totalmente en ella y en sus inquietantes maneras gana mucho y adquiere matices realmente formidables, propios de un clásico que perdure en el tiempo. Ese personaje femenino en otra cinematografía mas global hubiera sido comentado durante mucho tiempo.

Uno tiende a esperar mucho de una película de Carole Lombard, más cuando se trata de una comedia. Pese a sus reticencias iniciales en aquel debut en el género junto a Howard Hawks y John Barrymore, Lombard demostró ser una actriz más que dotada para papeles humorísticos. Es, directamente, arrolladora. Amar en ayunas es correcta y da pie a que Lombard se explaye y muestre muchas de sus virtudes, pero no llega a mucho mas. Cumple magníficamente el papel de ser graciosa y entretenida, pero no llega mucho más allá. ¿Por qué? Bueno, quizá la trama resulta un poco inverosímil en el aspecto de que los hechos se precipitan sin que el espectador termine de entender los cambios que se producen en los personajes, salvo si entendemos que todo se justifica con una personalidad voluble y caprichosa.

Este es, quizá, otro de los puntos que hacen que la película no termine de "congeniar", y en esto entiendo que soy totalmente subjetivo. No es precisamente poco acostumbrado en el cine de la época que sus películas traten sobre gente de la alta sociedad, lo cual es un magnífico recurso para justificar que puedan dedicar tanto tiempo a perseguirse por toda la ciudad sin tener que atender otras ocupaciones. Pero en el caso de la película que nos atañe, el potencial económico de los personajes va unido a una actitud caprichosa a la que se une una impunidad que, creo, separa un poco a los personajes de su público. En general, pocos personajes resultan simpáticos del todo en esta película, salvo quizá el de Carole Lombard.

Estas son, quizá, las pegas mas importantes de la película, que por lo demás, tiene un ritmo excelente y no carece de diálogos ingeniosos, casi siempre en boca de la amada de Clark Grable (con el que, por cierto, tuvo una relación bastante parecida en algunos aspectos a lo que se puede ver en este filme). La duración (poco más de una hora) hace que tenga muy pocos altibajos o ninguno y está en la línea de la poca "trascendencia" de la producción. Un rato divertido que se agradece, que al fin y al cabo, es de lo que se trata.