Francis (Owen Wilson), comienza la película con un discurso a Peter y Jack (Adrien Brody y Jason Schwartzman respectivamente), en el que les indica que se preparen para un viaje donde vivirán muchas aventuras, donde no se espera ninguno de ellos lo que va a pasar y donde se encontrarán con multitud de gente inimaginable a la vez que a ellos mismos. Pero, en el fondo, es el espectador al que se le avisa de prepararse para una experiencia única, que no todos los días viven en una película y que, seguro, no le dejará indiferente.
Wes Anderson nos narra esta historia, y en ella vemos su gran talento de narrador, pero también su arte para crear unos personajes divertidos, sofisticados y, en cierta medida, surrealistas. Se mueve por el límite de la calidad con mayúsculas y el total y absoluto absurdo, pero él acierta totalmente y acaba cayendo en la primera.
En la película, los personajes realizan su propio (y pintoresco) viaje espiritual por tierras indias. Para ello hay varias escenas de meditación e introspección en los personajes. Para el espectador medio pueden llegar a ser algo pesadas. Aun así, no hay que olvidar que el film trata de eso, de unas personas que se quieren conocer a sí mismos y, con gran ayuda de la variada música, lo clava.
El viaje espiritual de estos tres locos hermanos es eso, un viaje donde se encontrarán muchas cosas y muchas sorpresas, pero al final lo que importa es que ellos son los protagonistas absolutos de la película, una película acogedora, atrevida y muy, muy loca.
Anderson no te puede dejar nunca indiferente, con un estilo vanguardista, moderno, rompedor y muy personal nos cuenta todas las historias que se le pasan por la cabeza: pintorescas, atrevidas, delirantes… y lo mismo decir de los personajes, siempre de lo más extravagantes, pero con un fondo y una razón.
“Viaje a Darjeeling” no es una excepción. Desde el minuto uno sabes que estás viendo una película del joven director: su característica fotografía de tonos amarillos, decorados surrealistas pero de lo más fascinante, vestuario atípico pero que funciona de perlas, Bill Murray y un reparto que sube a¡la película a niveles inimaginables.
La historia se basa en la India, donde ni siquiera sus característica arquitectura se libra del peculiar sello artístico de Anderson, el cual se adapta a la perfección a todos los paisajes indios, dando a la película un toque diferente y muy inspirador.
Con la música hay más de lo mismo, acompañando a la película en cierto toque “Hollywood” pero con la peculiaridad espiritual de Bollywood. El film tiene varios momentos de introspección en los personajes y la banda sonora ayuda muchísimo al resultado final, pues consigue llevarte a lo más profundo de ti y, en parte, realizar el mismo viaje espiritual que Francis, Peter y Jake.

Una mujer tunecina huye ilegalmente a Francia escapando de su hermano yihadista. Primero consigue refugio en casa de un amigo también de Túnez, pero más tarde conoce a Leila, una mujer que le ofrece trabajo y habitación. Desde esta premisa, la directora y guionista Ala Eddine Slim construye una historia sobre una mujer concreta que bien podría ser sobre la mujer, en general, durante las migraciones ilegales. Para ello cuenta con dos protagonistas femeninas que apartarán diferencias para llenarle, la una a la otra, sus vacíos vitales.

Quizá este propósito quede diluido por la falta de interés que suscita el personaje de Leila, unido a su poca comprensión al comienzo de la cinta, y lo nada sorprendentes que resultan los giros en el guión. La directora, con sus ansias de crear un relato universal sobre la mujer, se olvida del espectador, que no se sentirá identificado en muchas situaciones con sus protagonistas.

La película trata temas como la vida burguesa o los triángulos amorosos, pero nunca es capaz de sorprender con ninguno de ellos. Sin duda, la visión que se da del conflicto de clases o de la mujer árabe en Occidente no tiene nada de novedosa ni interesante. Una pena que esto sea así en una película que tenía gran potencial para ser grande. Un ejemplo más de que la intención no es lo que cuenta.

Cuatro parejas reales viven en cuatro ciudades de Europa: Sevilla, Tesalónica, Tallín y Dublín. Este documental aborda las consecuencias que la crisis de 2008 tuvo sobre la juventud europea y las formas de sobrellevarla que cada pareja fue descubriendo. En el formato de la película no se conocen los límites entre la realidad y la ficción, los personajes nunca miran a las cámaras, viven su día a día como si éstas no existiesen, incluso tienen relaciones sexuales como si no importase que los están grabando. Esto es todo un reto para el espectador, que dudará constantemente sobre si lo que está viendo es una ficción muy real, o una realidad ficcionada, lo cual enriquece mucho el visionado. También es justo decir que, aunque las intenciones de su director son evidentes e interesantes, quizá descubrir el día a día de cuatro parejas europeas no se antoja tan apasionante. Todo lo relacionado con sus conversaciones sobre el futuro y su forma de encarar la crisis justifican la realización del documental, pero quizá no sus discusiones sobre sexo o sobre temas más banales. Como ejercicio de descubrimiento in situ de una generación que, sabemos, vive desorientada desde el comienzo de la crisis, este documental merece por lo menos nuestro interés. El retrato que se hace de ella es tan real, como alentador, como desalentador a partes iguales. ¿El futuro? Ya llegará.

¿Es el amor verdadero capaz de perdonar un antiguo amor ya olvidado? ¿Es el cine capaz de relatar el horror y el dolor de una mujer por los celos que siente hacia su marido? La primera pregunta solo la podréis responder al terminar la película, pero a la segunda ya os adelanto la respuesta: sí, y Andrew Haigh no lo demuestra en esta delicia llamada 45 años.

Tras casi 45 años de casados, y en medio de los preparativos de su celebración, llega a una carta a la casa de Kate. En ella pone que el cuerpo del primer amor de su marido ha sido encontrado. A partir de este momento, las emociones que sentirá al imaginarse a su marido amando a otra persona la destrozarán por dentro.

Este es el principal hilo de la película. Sin duda, es un film redondo tanto en su puesta en escena, como en su impecable dirección y actuaciones. Si hay algo que hay que destacar por encima de todo es a la espléndida Charlotte Rampling. La actriz inglesa es capaz de llenar de sentido a la película. Sus miradas, sus gestos y, sobre todo, sus silencios relatan la historia de una mujer rota totalmente por dentro. Sin duda, solo por ese último plano que cierra la película, su actuación se merece todos los premios habidos y por haber. La película, con respeto al resto del equipo, es ella. Sin embargo, el personaje de Rampling no se entiende sin el de Courtenay, su marido. Sin duda, él también esta fantástico, pero la presencia de Rampling eclipsa su actuación. Ambos consiguieron sendos premios a mejor actuación en la Berlinale. Sin embargo, tanto en la pasada Seminci como en los Premios del Cine Europeo fue Rampling la (indiscutible) ganadora.

Si hay otra persona esencial para entender la enorme calidad de la película, esta es Andrew Haigh, su director. Al igual que Rampling, la sencillez es la clave de su éxito. Con pocos planos, ritmo pausado y muchos silencios, el realizador británico es capaz de contar poco a poco una historia que le duela tanto al espectador como a la protagonista. Hay quien ha dicho que 45 años es una “operación a corazón abierto”, tiene toda la razón. Las emociones agridulces, la melancolía y los celos fluyen por el celuloide de manera natural, pero dolorosa.

45 años no es una película para todos los públicos. Sin duda, su ritmo muy mesurado va a disgustar a muchos espectadores. Aun así, si a alguien le pasa algo así, yo le recomendaría que tuviera paciencia, que encuentre el sentido detrás de las imágenes y, sobre todo, que empatice con el personaje de Charlotte Rampling. En el momento en el que le pillas sus intenciones, la película se convierte en una experiencia dura, pero, a la vez, apasionante.
No dudéis en ir a ver 45 años, teniendo en cuenta que se estrena a la vez que la nueva Star Wars, seguramente no tenga mucha visibilidad. Lejos de las explosiones y las naves espaciales del filme americano, en el silencio y reflexión de 45 años encontraréis algo que Hollywood nunca dará: sentimientos verdaderos.

Manoel de Oliveira se "destapa" en este docu-entrevista contándonos sus inquietudes y sus sentimientos sobre diferentes aspectos de la vida, todos unidos por las causa que le llevaron a hacer 'El extraño caso de Angélica'.
El documental es un poco lento, pero quizá es por la voluntad del director de arecerse a una película del entrevistado. Las reflexiones de Oliveira son bastante profundas, y a sus mayores fans les encantará este corto donde seguro que encuentran datos muy interesantes sobre él, pero no referidos a su vida, como un documental suele mostrar, sino a su filosofía.
Hay algo que hay que objetar a este filme, y es la chica que se oye de fondo traduciendo a Manoel de Oliveira para Luis Miñarro, para el espectador puede resultar un poco molesto.