Barry Jenkins nos habla en esta película sobre el desarrollo personal. La importancia de que seamos nosotros mismos quienes decidamos en qué nos convertimos, en lugar de dejar a los demás imponernos una identidad. Especialmente en una sociedad en la que el rechazo al diferente está tan extendido.

Para ello, la historia toca multitud de temas de profunda importancia en nuestra sociedad. La crianza en un hogar desestructurado, los barrios marginales, el efecto de las drogas en la sociedad, la homofobia o el acoso escolar. Todos ellos temas polémicos y que están a la orden del día.

“Moonlight” tiene un buen comienzo. Presentando al pequeño Chiron y contándonos su historia con gran acierto. Sin embargo, a lo largo de su desarrollo vemos como la cinta va perdiendo fuerza. Su segunda parte, sobre la adolescencia, aún mantiene un nivel aceptable. Pero la última parte, la que debería aprovechar el desarrollo del personaje para golpearnos con fuerza, lo único que logra es dejarnos fríos.

El problema está en que, pese a que su mensaje es entendible y acertado, la historia que nos lo transmite resulta demasiado artificial. Como si su trama obedeciese más a un intento de acumular diversas críticas sociales, que a ofrecer un desarrollo natural y fluido. Esto provoca una falta de realismo que termina por hacernos desconectar a nivel emocional.

No podemos decir que “Moonlight” se trate de una mala película. Pero no hay duda de que pretende mucho más de lo que logra realmente. Lo cual, unido al hecho de ir de más a menos, nos deja un regusto final de buenas intenciones estropeadas por una historia no tan bien llevada.

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La película nos presente a dos personas corrientes. Las describe de forma detallada sin contar apenas nada. Los gestos, los silencios, las miradas entre ellos hablan por sí solas. Es uno de los grandes aciertos de la película, presentaros a los protagonistas tal como fueron realmente. No son héroes, no son líderes, apenas saben de leyes y ni siquiera son conscientes de los cambios que están sucediendo en el país. Lo único que queda claro, es que se quieren. Y no de una forma idelizada como acostumbra a presentarnos el cine. Se quieren de una forma natura y bonita. Con respeto, admiración y sacrificio. Y

Es en las excelentes actuaciones del dúo protagonista donde reside la verdadera conexión de los personajes. Mostrándonos a una pareja que no comprende el daño que puede hacer su amor a los demás. Viendo como su sueño de formar una familia se ve truncado por leyes sin sentido.

Lo que debemos preguntarnos es si con la historia de los Loving puede hacerse una película de más de dos horas. A pesar de tratar un tema relevante e histórico, la simpleza de la trama; puede provocar que desconectes de forma involuntaria en algún puto durante el visionado.

Por lo tanto estamos ante un produzco interesante, donde los personajes destacan por encima de lo demás . Pero lo que hace de ella una virtud, también se convierte en un defecto. Dando lugar a un producto poco dinámico, destinado a un público más reducido, el cual sea capaz de apreciar cada detalle de la película.

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Clasicismo y belleza se juntan en esta película, donde se transmite más con miradas y gestos que con las propias palabras. El director combina a la perfección las tomas en blanco y negro, con otras en color; usando su destreza fotográfica como un solido apoyo para la trama, en lugar de como mero adorno estético.Un estilo este, por otra parte, ya conocido en François Ozon, acostumbrado a utilizar estos recursos en las cintas que dirige.

Por otro lado, las actuaciones también resultan muy reseñables. Tanto Pierre Niney, que tras su papel en el biopic de Yves san Laurent vuelve a demostrar que es un gran actor. Como Paula Beer, menos conocida, pero igualmente desenvuelta en un papel complicado.

Nos encontramos ante una película que no se conforma con ser técnicamente impecable, o con tener un gran apartado estético. Sino que busca un sentido a esta excelente realización, y la aprovecha para reforzar el mensaje. Dando como resultado una obra bella, pero sólida.

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Seamos sinceros. Si has llegado hasta aquí, y te has visto las 5 anteriores entregas, ya sabes perfectamente ante lo que estamos. Esta película continúa en gran medida la línea general de la saga. No es mejor ni peor que las anteriores. Tampoco innova, ni pretende hacerlo. Simplemente ofrece exactamente lo que todos esperábamos: más de lo mismo.

“Resident Evil: El capítulo final” tiene la acción como máximo objetivo. Desde el primer minuto al último, sentimos como todos los aspectos de la producción están orientados hacia la espectacularidad. El desarrollo no obedece a ningún tipo de lógica, simplemente ocurre aquello que puede dar lugar a las escenas más llamativas.

La trama brilla por su ausencia. La acción rara vez se detiene para dejar lugar a la historia, y cuando lo hace casi preferiríamos que hubieran seguido los tiros, debido a lo absurdo de sus planteamientos. Lo bueno es que parece que los propios guionistas han sido conscientes de ello, y al menos nos han ahorrado el mal trago de ver como intentan meter con calzador algún tipo de enseñanza moral o filosófica entre tanta carnicería.

“Resident Evil” es una película sincera. Sabe perfectamente por qué vas a verla, y se dispone a dártelo sin ningún tipo de pretensión ni de razonamiento. No quiere hacernos pensar, pues sabe que, si pensamos, nada de lo que propone tiene el más mínimo sentido. Simplemente pretende que desconectemos nuestros cerebros durante unos minutos, y disfrutemos ante el desfile de monstruos por nuestra pantalla.

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Hong Sang-soo dirige esta historia con un estilo muy particular. Componiendo una película a base de largas escenas de conversaciones entre personas, en las que mantiene el plano fijo en casi todo momento. Un estilo lento y monótono, que puede hacer la película demasiado pesada en algunos momentos. Pero que contribuye a crear en el espectador una sensación de estar espiando a los protagonistas, algo muy adecuado para el tema de la película. Y que logra dotarla de un estilo marcadamente humanista.

Y es que, tratándose de una película sobre la vida en pareja y los chismorreos, resulta muy efectivo el situarnos como si fuésemos un vecino más. Pendiente de los cotilleos, y más preocupados por enterarnos de lo que sucede con la pareja, que por lo mal que lo puedan estar pasando.

Una reflexión sobre como dejamos que las opiniones de los demás influyan en nuestras vidas. Y hasta qué punto podemos acabar perjudicándonos por no saber ignorar el “qué dirán”. Al fin y al cabo, nuestra vida es solo nuestra. Y por tanto, debemos actuar pensando en lo que nosotros creamos que es mejor, no en lo que crean los demás.

Eso es lo que consigue reflejar Hong Sang-soo con su película. Al hacer que en primer lugar seamos uno más de los que juzgan a la pareja. Y posteriormente, acabemos dándonos cuenta de que nada de lo que habíamos pensado tiene importancia, pues son ellos los encargados de valorar su relación. Nos muestra de primera mano la capacidad que tenemos de prejuzgar, y lo absurdo que son en la mayoría de casos estos prejuicios.

‘Lo tuyo y tú’ es una película difícil de digerir, debido a su estilo lento y pesado. Pero con un carácter tan real y humano, que hará que el espectador que logre adaptarse a su estilo, acabe sacando una valiosa experiencia de su visionado. Seguro que aburrirá a muchos, pero al fin y al cabo, ¿qué más da lo que digan?

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