La Joya, en Extremadura transcurre 1912, en tierras latifundistas de explotadores y explotados, ricachones caprichosos y pobres analfabetos, un caldo de cultivo donde el cinéfilo más que director Giménez Rico nos presenta un fresco social sobradamente conocido y tratado en tantas novelas (Los santos inocentes, Pascual Duarte) sobre la España Negra, atrasada, socialmente injusta y caciquil, pero en esta ocasión durante la época de La Restauración, como ocurría con el hecho real de “El crimen de Cuenca”. Adaptación de la novela homónima de Felipe Trigo, escritor olvidado y poco relevante en nuestra literatura. Se trata de una reconstrucción histórica que pretende ilustrarnos sobre algo afortunadamente anacrónico con respecto a nuestra sociedad de 1988, pero importante para comprender la dinámica histórica española del siglo XX.

Pero “Jarrapellejos” nos es más que una reconstrucción histórica que no va más allá de los tradicionales tópicos de la figura del cacique, espléndidamente encarnada por Antonio Ferrandis que intenta hacerlo creíble. Agraviado por la ambigüedad con que se nos presenta, resulta excesivamente esquemático en general sus personajes: además del cacique que acaba siendo el más listo de la función, tenemos a un joven burgués con inquietudes pero claudicante, joven dama calculadora y amoral, campesinos buenísimos y tontos, maestro intelectual de ideología socialista, tan ingenuo como bienintencionado, guarda jurado sicario del poder, señoritos ociosos y violadores, curas obsesos, jueces estúpidos, alcaldes consentidos y los poderes fácticos al servicio del poderoso que mangonea a su antojo.

Personajes planos y poco consistentes, de aduladores y serviles lacayos a Pedro Luis Jarrapellejos y su estirpe, dentro de un lenguaje previsible y academicista en una narración poco desarrollada y abrupta. Un espectáculo cinematográfico que sólo lo salva su buena fotografía, su ambientación, los actores y la fisicidad del paisaje. Un producto testimonial que no aporta nada nuevo a lo que la mayoría de espectadores ya sabíamos antes de ver esta película que se puede ver y apreciar en su contexto tras 40 años de dictadura y por la reivindicación de injustos tiempos pretéritos que ni seducen ni emocionan. Al menos, esa es la impresión que me sugiere esta película que denuncia la miseria moral, la represión sexual y la mezquindad del poderoso, filmada con la mejor voluntad por Giménez Rico, pero que no es de sus mejores trabajos.

Cuando nos enamoramos actuamos de forma ilógica, seguramente porque parte de ese amor que antes dedicábamos a nosotros mismos de forma narcisista se lo entregamos a la persona amada, quedando a sus expensas. Esa falta de amor narcisista esperamos recuperarlo con el amor que el ser querido siente hacia nosotros. De ahí parten muchos de los problemas amorosos que surgen entre el amante y el amado, resultando peligroso si este amor no es correspondido. Si tenemos en cuenta que el amor de una persona, a veces puede estar ya comprometido, estamos ante un amor triangular que no encuentra satisfacción posible. De ahí que el enamoramiento pase a una obsesión difícil de controlar.

Fredy (Terence Stamp) vigila los movimientos de Miranda (Samantha Eggar), una chica por la que se siente fascinado. Sabe que tiene novio pero lejos de hacerle desistir, acrecienta más su interés por la bella pelirroja. Fredy es un taciturno y reprimido empleado de banca, coleccionista de mariposas, es objeto de burla por parte de sus compañeros y su tía Marta con la que vive. Su timidez y exclusión social le llevan a plantear una venganza cuando gana un premio económico en las quinielas. Ser rico le hace sentirse poderoso pensando que el dinero lo compra todo y no quiere resistirse a ningún deseo, ni siquiera a los que están prohibidos, como no se siente capaz de conquistarla, pretende capturar a la chica como a una de su colección de mariposas. Más tarde se comporta con ella como un niño bueno y complaciente, esperando que su conducta sirva al enamoramiento de ella en correspondencia de su amor.

“El coleccionista” es una película minimalista, una obra de cámara, moderna para su época, un “tour de force” que nos plantea el maestro William Wyler en su madurez creativa, con dos actores poco conocidos entonces, pero de gran frescura y talento ambos. Con muy pocos elementos, el cineasta logra extraer toda la tensión, el terror, el suspense, el erotismo y el acoso de un perturbado en una extraña relación de poder y dependencia. Película notable y poco valorada en su momento, creo que crece en prestigio con el tiempo. Una mirada perversa y morbosa sobre el amor obsesivo, de una bella “mariposa atrapada” sobre cartulina negra. Una historia excitante y morbosa que suscita muchas expectativas a la hora de adaptar la novela de John Fowles, por ejemplo, me pregunto ¿Cómo la hubiera filmado: Buñuel, Berlanga o Hitchcock, tres cineastas mucho más originales en su universo personal, más atrevidos y arriesgados que el clásico Wyler, a la hora de su puesta en escena?
Gracias por la atención prestada, si alguien tiene el interés de leerla.

La parodia, el sarcasmo, la crítica mordaz, tiene su gracia en el ingenio y la habilidad de mostrarla con sibilina astucia. El problema es que entre lo grotesco o esperpéntico y lo patético o ridículo hay una linea muy fina que la brocha gorda y desmedida lo emborrona transformando el humor vitriólico en una patochada para espectadores poco avezados que parece que no se han enterado a estas alturas de la sociedad del siglo XXI que sufrimos. Esta cinta cree descubrirnos con ese humor tan poco sutil, tan primario o más bien chabacano que estamos rodeados de políticos idiotas, programas de televisión basura e informativos que deforman la realidad al amparo de un sueldo bien remunerado. No hablemos ya, de capitalismo voraz, de imperialismo patológico, descerebrados científicos, emprendedores avaros, presentadoras ninfómanas, redes sociales donde todo iluminado anda sentando cátedra con ocurrencias absurdas que compiten entre ellos por ver quién ofrece la aberración más estúpida, mientras cientos y miles de cretinos le siguen el juego con la boca abierta intentando digerir la trola más absurda.

Soy de los convencidos en que el talento de los guionistas se ha trasladado a las series televisivas, brillantes muchas de ellas en detrimento del cine actual, algo infantilizado que navega a la deriva de sagas de superhéroes y pirotecnia digitalizada, ruidosa y sincopada, aunque no siempre las plataformas aciertan, como es el caso de esta peli que pese a su vitola de gran producción, a su catálogo de actores de primer nivel, ninguno de ellos está a la altura de su prestigio, todos desaprovechados lamentablemente. Porque el argumento es ridículo y prosaico, sin malicia ni una pizca de ácido satírico con qué empatizar, porque el film adolece de brillantez para abordar la reflexión con aguda pericia, y sobre todo no valora la inteligencia del espectador, menospreciando su capacidad de análisis de nuestra sociedad que nos abruma con tanta zafiedad.

Me parece que la gente no es lo exigente que debiera y se deja embaucar con productos poco brillantes donde todo es previsible y tosco, de una simpleza bochornosa que te obliga a sufrir estoicamente dos horas de tedio y sopor, sin gracia ni algo que se le parezca. Huérfana de un mínimo sentido tragicómico, en consonancia con lo que aborda, creo que la inspiración brilla por su ausencia, todo huele a desgana, apatía, desidia por lo que nos quieren recrear, lo siento por los que crean que es un gran hallazgo creativo, pero me parece un fiasco, por no recurrir a algo más fuerte, que no aportará gran prestigio a la comedia satírica. Parece ingeniosa pero le falta talento, lástima de mis dos horas padecidas para tener que escribir esta reseña que siendo sincera no pretende más que expresar un punto de vista personal de un amante de la comedia en todas sus facetas, pero desde el oficio de entretener y divertir, tomándolo muy en serio y respetando la pericia del espectador. Un espanto de presunta comedia satírica.

Estando tan hastiado de ver películas sobre la Guerra Civil tras la muerte del dictador, la mayoría de ellas con el mismo mensaje oportunista y maniqueo entre buenos y malos, desde la progresía dogmática y sectaria, cayendo frecuentemente en la romántica visión ideológica que reivindicaba a los perdedores, causa una grata sorpresa descubrir una película tan interesante y acertada como “Soldados”. Su alambicada pero fluida a la vez, estructura narrativa de saltos en el tiempo, impregnada de amargura y desesperanza, su pesimismo existencial, su grisura vital, es mostrada sin énfasis ni toma partido explícito por ningún bando. Se trata de reflejar un conflicto bélico entre hermanos en el que todos pierden, porque una guerra civil es la peor tragedia para un pueblo (ver spoiler).

La prostitución como mercadeo humano y esperanza de supervivencia para los pobres y desfavorecidos, hambrientos, vejados y humillados. La banalidad de la vida humana, arrebatada de forma abrupta y arbitraria. Basada en la novela de Max Aub, “Las buenas intenciones”, escritor y guionista de grandes films, habitualmente más citado que leído, la película de Alfonso Ungría es un retrato desgarrador y emotivo de un tiempo concreto, reflejado en unos personajes cercanos y creíbles gracias a un excelente casting que lidera la argentina exiliada Marilina Ross con su físico vulnerable y su rictus candoroso.

Un emotivo drama coral, cuya cantidad de personajes se ven afectados por las circunstancias de una determinada situación política, económica y social. Un naturalismo poético que se percibe desde la tragedia humana en medio de tanta violencia física y moral. Su fotografía soberbia, su ambientación admirable, su puesta en escena arrebatadora, su pulso narrativo cautivador, que con todo mérito la sitúo en mi opinión, entre las mejores películas jamás filmadas sobre nuestra desgraciada contienda nacional. Aplaudida en el Festival de Venecia de aquel año 1977, tuvo la desgracia de exhibirse en pleno apogeo del estreno de multitud de films extranjeros prohibidos por la censura, algunos con más popularidad y morbo sexual o político que calidad cinematográfica, los títulos a los que me refiero están en la mente de todos. Sólo se la valoró adecuadamente en el Festival de Cartagena de Indias, este film logró los premios destinados al mejor director (Ungría) y al mejor actor (Ovidi Montllor). Gran película que merece ser reivindicada, hasta ahora huérfana de reseñas en esta web, una pena que pase al olvido.

Durante la década de los noventa el cine de Hollywood pasaba por una grave crisis de ideas, su decadencia artística era evidente, y sus guionistas, base fundamental de una película estaban inmersos en reivindicaciones laborales, justas de cualquier modo, por el poco aprecio que los ejecutivos les prestaban, no sólo económicamente sino a nivel artístico de reconocimiento. Todo ello, hizo que los magnates en busca de éxitos comerciales, recurrieran a viejas series de televisión desconocidas por el joven público o recordadas con cariño por los más veteranos. Los ejecutivos encontraron una inagotable cantera de series de gran éxito que paulatinamente fueron adaptadas a la gran pantalla, no hace falta apuntar los títulos porque están en la mente de todos los aficionados al cine, unas con más acierto que otras. Con “El fugitivo” lograron una superproducción de altísimo presupuesto, un thriller cargado de tensión que intentaba ser una síntesis de lo que había sido la serie, pero naturalmente, actualizando el argumento a los tiempos de su filmación. Dirigida torpemente por un Andew Davis, cineasta de acción musculosa y gratuita: (Alerta máxima, Por encima de la ley, etc.).

“El fugitivo” como serie, la recuerdo vagamente por mi corta edad entonces, pero sí que nunca olvidaré aquellas veladas que con mi familia, que aún no disfrutaba de la caja mágica, eramos invitados a casa de mi anciana vecina que por su mejor poder económico, ya disfrutaba del invento catódico. Ella vivía sola y a la vez que nosotros disfrutábamos de muchas series y programas atractivos, ella se sentía acompañada mientras echaba alguna cabezadita, eso sí, una vez terminada la sesión nos comentaba lo bonita que había sido la película... ??? La serie que siempre fue una angustiosa y permanente huida sin descanso, causó gran aceptación entre el público, su protagonista erraba de estado en estado, de ciudad en ciudad, mientras se nos mostraba una radiografía de la idiosincrasia de la sociedad norteamericana, de sus virtudes y miserias, a lo largo de 120 episodios. Declarado injustamente culpable del asesinato de su esposa, perseguido incesantemente por el teniente Gerard, nuestro falso culpable Richard Kimble, a su vez, intentaba encontrar a un posible testigo manco que podría ayudarle a probar su inocencia.

Esta versión para el cine es mucho más esquemática, espectacular e intensa que la serie, a veces aparatosa y otras algo ilógica. No cabe duda que su reparto es de lujo, por unos actores que entonces eran estrellas mediáticas, sobre todo Harrison Ford, que interpreta a un doctor Kimble un tanto aséptico que no termina de funcionar, sin la profundidad psicológica que le otorgaba el taciturno David Janssen, en cambio Tommy Lee Jones, sí que le da al agente federal que le persigue un carácter de obsesión por cazar al evadido, que paulatinamente va entendiendo las vicisitudes de su perseguido, a medida que va interrogando a los miembros de la trama urdida, todo ello más por el actor que por el talento del director que me parece un trabajo poco brillante para los enormes medios con que contó. Lo mejor es el montaje trepidante y su diseño de producción, ambientada en la ciudad de Chicago de la que se saca un buen partido. Destacar la aparición de Julianne Moore, entonces desconocida y la aparatosidad de algunas escenas que justifican su potencial económico. La película es amena y en mi opinión se le podía haber sacado más partido en el tema de caracteres de sus personajes, pues algunos son muy esquemáticos y planos. Película que cumple con su cometido, entretener sin más.