No es inusual ver en pantalla grande las consecuencias de la política neoliberal de la ex-primer ministro británica Margaret Thatcher. El cine social británico ha tenido a bien criticar dicha época, ya sea desde una perspectiva cómico-dramática (Full Monty, Billy Elliot,...) o más dura (por ejemplo el cine de Ken Loach, auténtico "enemigo" de Thatcher"). De nuevo en esta ocasión se opta por el camino más cómico como el la manera de poder ser más accesible dejando el dramatismo como telón de fondo que se revelará en ocasiones especiales.

El inicio de la trama se sitúa en verano de 1984. un grupo de activistas gays liderados por Mark Ahston, un joven especialmente comprometido con las causas sociales más allá de las inherentes a su colectivo, decide junto a un pequeño grupo montar una pequeña asociación, LGAM (Lesbianas y Gais Apoyan a los Mineros, Lesbian and Gays Support Miners en inglés) para recaudar fondos, alimentos y ropa para las familias mineras a causa de la huelga convocada por el principal sindicato minero. Ashton veía en las reinvindicaciones laborales y la actitud de las autoridades un reflejo de sus peticiones y la represión a la que eran sometidos. Pero negativas a recibir dinero de parte de un grupo de gays los llevaría a una decisión, escoger un pequeño pueblo galés (donde la minería era más potente y la huelga más encarnizada) y viajar allí para entregar directamente su ayuda.

Pride tiene grandes méritos en su concepción y en su finalización, ya que sin seguir a pies juntillas la realidad (se entremezclan personajes reales con inventados en un intento de contextualizar y tomar cierto apoyo del espectador más sensibilizado), nos propone recordar un episodio injustamente olvidado apoyado en un principio tristemente igual de olvidado: la unión hace la fuerza. Un principio que ha sido erradicado en su mayor parte gracias a la labor de ciertos poderes fácticos provocando la fragmentación de los grupos pro-derechos civiles o sociales e imposibilitando los acuerdos en los puntos de convergencia dando lugar al puro egoísmo. Esto se puede ver sobre todo en el personaje interpretado por Lisa Palfrey, desde un principio reacia a aceptar la ayuda de los activistas homosexuales por sus prejuicios hacia ellos que la impiden ver más allá de toda lógica. La película, siguiendo este mismo camino tiene momentos muy lúcidos, como la marcha del orgullo gay en la qué a pesar de la esperanza depositada en ella y que antes de ser diluida en prácticamente una parodia de si misma tuvo, como nos recuerdan los textos explicativos de final de la cinta, algunos efectos positivos. Quizás, y nunca sabremos el fallecimiento de Ashton pocos años después influyó el devenir de los acontecimientos.

Probablemente lo mejor del la cinta es la conexión y química entre los personajes es sencillamente fantástica. Tanto por intérpretes consagrados como Bill Nighy, Paddy Considine, Imelda Stauton o Dominic West (cabezas de cartel pese al protagonismo más o menos coral) como por otros de nueva hornada como el estadounidense Ben Scheltzer, el catalizador de toda la trama y un personaje que la historia no debería borrar. A pesar de la importancia de su personaje, el espectador en gran parte ve la acción bajo la perspectiva de Joe "Bromley", uno de los pocos personajes ficticios y único del grupo que vive su homosexualidad aún reprimida mientras vive en casa de sus padres.Sería injusto no citar al resto del reparto pero también sería muy largo hacerlo uno por uno así resumiendo me quedaré con Jessica Guning, interpretando a la posterior política Siân James y quizás el personaje más positivo de todos, así como con Andrew Scott, pareja del personaje de Dominic West capaz de ofrecer una evolución digna de uno de los personajes más secundarios.

Y para rematar me quedo, sin ningún lugar a dudas, con el mejor momento de la cinta, el espectacular baile que se marca Jonathan Blake, extraordinariamente interpretado por el infravalorado Dominic West, que en manos de otro se hubiera convertido en una escena absurda y que aquí tiene todo el sentido que se debe exigir.

No esperaba gran cosa de esta Blood, el último vampiro, la verdad, pero me he encontrado con una de las peores películas vistas en tiempo. ¿Se puede salvar algo de ella?. Diría yo que no.

Refrito de tantas producciones asiáticas, cuenta con unas interpretaciones de tercera, efectos digitales horribles, una dirección penosa y un guión más plano que una tabla de parchís. Además de unos fallos de raccord constantes y vergonzosos.

Y no, claro que no vamos a pedir un recital a una película de vampiros y artes marciales, pero al menos que entretenga, por favor.

La película, no decidida a tirar por ningún camino; ni la situación actual del país ni las circunstancias que rodearon la guerra en la que estuvo inmerso, todo ello tocado de forma tangencial cuando al director le parece sin atender a los tempos narrativos de la trama, ni por el espectáculo propiamente dicho, convierte a la película en vodevil absurdo, con situaciones grotescas que no sirven ni como metáforas ni como escenas impactantes, aunque lo sean, por otro lado. Si lo qué deseaba el director era no dejar indiferente a fe qué lo ha conseguido, a base de hilvanar una trama aburrida y carente de interés y llenarla de desnudos, escenas insertadas de penetraciones y felaciones entre otras lindezas, incluida una felación de uno de los miembros del grupo a ¡un caballo!. Quizá es eso lo que esperaba el director con la película, provocar. Desde luego a mi me ha provocado... sopor.

En el año 2005 el cineasta franco-georgiano Géla Babluani sorprendió con 13 Tzameti, una película pequeña e interesante con claras reminiscencias del polar francés, tanto por su fotografía en blanco y negro, como por su desarrollo, decorados y su atemporalidad. Cinco años después nos ha llegado el remake americanizado y, curiosamente, aunque no es el primer caso en que pasa esto, realizado por el mismo Babluani.

Esta nueva versión, a pesar de contar en el reparto con un buen número de intérpretes conocidos como Jason Statham, Mickey Rourke, David Zayas (los tres vistos en Los Mercenarios), Ray Winstone, el ya octogenario Ben Gazzara, 50 Cent y algunos intérpretes de la gran serie Oz (también incluido en este grupo Zayas), no aporta nada nuevo bajo el sol. Es más, quizás minimiza los logros de la original, aportando innecesarios datos de los personajes (¿para aportar más identificación con el espectador?), mayor número de personajes, una sub-trama policial prescindible de todas y una fotografía en color que abandona ese tono agobiante y malsano que ofrecía la precedente, dando más lugar a la opulencia visual.

En fin, este nuevo remake nos vuelve a dejar un mal sabor de boca. Para uno interesante que aparece hay un puñado de mediocres en su lugar.

Kosmos comienza con un hombre rescatando a un niño de las aguas en presencia de la hermana del pequeño, lo que le granjeará la amistad del padre y del pueblo por ese hecho. Pero su atracción por la joven y otros asuntos le provocarán problemas en el pueblo.

Más o menos podríamos resumir así el argumento principal en esta historia sobre este señor que se dedica a sanar a los enfermos con sus poderes que incluyen el reptar por los árboles. Eso cuando no se dedica a pegar gritos de grulla agonizante con la joven muchacha o juegan a morderse como si fueran dos perros y volar por la habitación. Kosmos es una película que si tiene algún sentido yo no se lo sé encontrar, con profusión de personajes que salen y entran, algunos aportando algo y otros no (la mayoría). En fin, un plomazo de tomo y lomo que a mi me ha aburrido con ese final alargado hasta la extenuación.