Serie, en la que la ficción y la realidad del propio protagonista están separadas por una línea muy fina, y que realiza una paródica aproximación a la figura de Jorge Sanz, un actor que hace no tanto tiempo era de las jóvenes promesas, que intervino en célebres proyectos como Belle Epoque, Amantes, o El año de las luces, que fue pareja de baile de Maribel Verdú, Victoria Abril, o Penélope Cruz, y que a día de hoy está completamente olvidado, condenado al ostracismo, con una carrera que va de mal en peor desde hace demasiados años y que por momentos parece tocar fondo.

Estos son a grandes rasgos, los argumentos que David Trueba, y el propio Jorge Sanz ponen sobre la mesa. Pero esto mismo es a la vez una de sus fuertes debilidades, es decir, que si el protagonista no te cae bien, o no te interesa, pasarás olímpicamente de todo esto.

Me parece que que cuenta con atinos, como la banda sonora, que te hace cómplice de la penosa situación que vive Jorge, su representante Amadeo (Eduardo Antuña), que pese a que me carga con lo del queso, acaba cayendo bien, y cuaja bien su tarea de despistado y poco avispado representante de Jorge.

La incursión en el inicio de los capítulos, de secuencias de películas que fueron claves en la carrera de Jorge, donde lo vemos joven y atractivo, ayuda a dotar a su situación actual, de un mayor patetismo.

La mordacidad, con la que se hace referencia a su pasado, sus papeles recientes, sus fracasos y su recorrido de las luces de los focos a las sombras, es sin duda lo mejor de la serie; (un ejemplo es que durante toda ella se alude continuamente a que el mejor papel de Jorge fue en Valentina; curioso porque si el mejor trabajo de tu vida lo haces a los 10 años, dice mucho de la calidad y dotes que has demostrado el resto de tu carrera).

La aparición de rostros famosos y que tienen de algún modo, un pasado común con Jorge es otro tanto a favor. En seis episodios vemos desfilar por la pantalla a: Antonio Resines, Carlos Larrañaga, Juan Diego Botto, Ana Risueño, Santiago Segura, y Juan Manuel de Prada (cuya intervención me pareció graciosísima, como posible biógrafo de Jorge)

Lo que no me gusta tanto, es que la dinámica de la serie, acaba volviéndose un tanto repetitiva, y que la trama tenga tan en cuenta a la "familia" de Jorge, es algo que me desagrada.

Serie que intenta rescatar a Jorge Sanz, pero que se antoja un quehacer francamente arduo, porque como el propio guión recalca, Jorge Sanz trae a la memoria a: años ochenta, guerra civil, mugre... sumado a su escasa dicción, su discutible talento como intérprete, sus mermadas condiciones físicas, (que si un día le hicieron un galán, a día de hoy son casi inexistentes), y que los años pasan, los papeles llegan con más dificultad, menor importancia y menos líneas. En resumen, el futuro pinta poco halagador para el bueno de Jorge.

Esta no es ni más mi menos que la clásica película sobre fraternidades universitarias americanas, gamberra y divertida. En este caso hay que valorar que Animal House fue una de las pioneras dentro de esta temática. Landis se suelta la melena y se deja llevar por el salvajismo y la desfachatez como él mejor sabe hacer, confirmando que sus obras alocadas son las más sobresalientes.
Siendo justos, la cinta es más bien normalilla, con un montón de personajes sin gracia y con una parte final que se podía haber aprovechado mucho más. Siendo igual de justos, hay escenas que pertenecen ya a nuestra memoria y que han sido versionadas hasta la saciedad.
Dentro del reparto están los jovencísimos Kevin Bacon y Tom Hulce, la cómica intervención de Donald Sutherland y poco más.
Pero me he reservado mis últimas líneas para el party animal John Belushi, la verdadera clave que hace que esta obra sea hoy recordada; todos sus minutos en pantalla son de auténtico lujo y regala los grandes puntos de la peli. Su discurso, el autoservicio, la fiesta toga, el dormitorio femenino... todo es simplemente fabuloso porque este hombre era enorme en todos los sentidos.

Desmadre a lo Belushi.

Joe Buck es un ingenuo tejano que decide empezar desde cero, abandonando su miserable trabajo, su ciudad y lanzándose a cumplir su sueño: ser un vividor en Nueva York. Por desgracia Joe no tardará mucho en comprobar que la vida no es ni tan fácil ni tan bonita como pensaba y se verá obligado a atravesar toda clase de penurias para sobrevivir. En su duro camino le acompañará Ratso, un timador de poca monta, enfermo y tan tirado como él.

Película sombría y que te da de bruces con una realidad descorazonadora y pesimista. Que la vida no es de color de rosa es bien sabido por casi todos, que en el cine tiende a dulcificarse es por regla general una constante; pero Midnight Cowboy es uno de los claros ejemplos de que la vida puede suponer un verdadero tormento y que ir de listo por el mundo nunca favoreció a nadie.
Joe llega a Nueva York (la tierra de la oportunidad, donde cualquiera puede ser lo que quiera con sólo proponérselo) por la puerta grande y a comerse el mundo y todo ello queda reflejado en las imágenes iniciales de la urbe, donde se aprecia el glamour y estilo de sus habitantes; pero también se van intercalando algunas escenas que dejan al tejano perplejo y en las que se empieza a intuir que no es oro todo lo que reluce. Según avanzan los minutos, todo va adquiriendo un cariz más gris y más frío y la gran ciudad se va haciendo cómplice de la deprimente situación de los protagonistas. Es junto con Taxi Driver una de las más descarnadas fotografías neoyorquinas realizadas y esa honestidad se vuelve una de sus grandes claves. Otra clave es la amistad de los dos protagonistas, es precioso ver como cuanto más hundidos están, más se quieren y se necesitan mutuamente; enternece ese cariño que muestra el uno por el otro y que los une hasta el final.

Pelotazo de John Schlesinger que con escasos proyectos a sus espaldas se atreve con un osado proyecto en el que deja en evidencia la cínica y superficial sociedad americana, sociedad a la que él no pertenecía. Completa un trabajo lleno de desparpajo y con el que arrasó. Comentar que ni la calificación X pudo frenar el resonante éxito de la película.

El guión de Waldo Salt es extraordinario y no hace falta mencionar la inmortal canción de Harry Nilsson ni la melancólica partitura de John Barry porque son esenciales y llenas de sentimiento.

Los actores están tremendos, desde el prácticamente desconocido John Voight, su figura de perdedor solitario que recorre las calles con su radio y un estrafalario traje de cowboy es ya reconocible por el mundo entero, pasando por el asombroso Dustin Hoffman que pasó de ser seducido por Anne Bancroft a clavar su papel de tullido tuberculoso al que la suerte hace tiempo que le dió la espalda. Sylvia Miles está fantástica en su breve aparición como "clienta" de Joe.

Gran obra que es franca, sincera, dura y desoladora a partes iguales.




Sigue en el Spoiler.

Ennis y Jack son dos muchachos que coinciden un verano como cuidadores de ganado en Brokeback Mountain. Entre ellos surge rápidamente una amistad y algo más. Cuando su trabajo acaba cada uno regresa a su vida, pero nada volverá a ser igual.

Este trabajo de Ang Lee obtuvo un éxito atronador de taquilla, crítica y galardones; pero analizándolo detenidamente un tiempo después se observa que virtudes y defectos están casi a la par.

Las virtudes:
1) La estupenda y preciosa fotografía
2) La dirección de Ang Lee
3) La buena labor interpretativa

Los defectos:
1) Lo mal llevada que está la historia de amor
2) La BSO acaba resultando pobre y repetitiva, (hay algún tema muy destacado)
3) El guión y la historia tienen fases flojas que provocan que decaiga el interés

La selección de actores me parece el gran punto fuerte, los cuatro protagonistas son muy jóvenes, guapos y con algún éxito comercial a sus espaldas; pero aquí prueban que son mucho más que todo eso.
-Heath Ledger abandona su habitual rol de chico atractivo y carismático para realizar la difícil tarea de dar vida a Ennis, un hombre inexpresivo, introvertido y poco afectivo, pero que cuando refleja sus sentimientos te cala muy hondo.
-Jake Gyllenhaal es Jack, un joven sin mucha suerte que anhela un modo de vivir que le permita ser feliz.
-Michelle Williams es Alma, la abnegada y pisoteada esposa de Ennis, que en su rostro muestra la decepción y el desconsuelo.
-Anne Hathaway encarna a Lureen, la mujer rica y cariñosa de Jack, que no tarda en observar que su matrimonio no va bien y que su marido no le ama.

Lo que más valioso del filme son tres o cuatro momentos de una enorme tensión emocional y su magnífica fotografía.

Revisión de la investigación sobre el crimen de la presidente John Kennedy realizada por el fiscal del estado de Louisiana, Jim Garrison.

Una de las más sensacionales construcciones que ha dado la industria del cine, eso es lo que transmite JFK, una profunda inmersión en uno de los grandes enigmas de la historia, concentrando todas las conspiraciones en torno a Kennedy y las pesquisas de este obstinado fiscal y su grupo de ayudantes.

Oliver Stone se ha convertido por meritos propios en el principal cronista de la historia más reciente americana y mundial, aunque no todas sus obras son tan auténticas ni enredadas como JFK. Desgraciadamente su carrera está llena de altibajos y de proyectos imprecisos y poco convincentes.
Esta junto con Platoon es su obra más redonda, una gigantesca reconstrucción de uno de los sucesos más controvertidos y polémicos del siglo XX, con buen ritmo y con una impecable fotografía en la que los flashbacks en blanco y negro están muy logrados. Otro de sus puntos más fuertes es su guión, elaborado con sumo cuidado por el propio Stone y Zachary Sklar.

Para redondear tan ambiciosa empresa, se apuesta por un reparto plagado de rostros familiares y conocidos y que rebosa talento. Me convencen especialmente Gary Oldman, tan camaleónico como de costumbre y un estirado Tommy Lee Jones.

En un año 1991 plagado de grandes largometrajes, El Silencio de los Corderos fue la que arrasó en todos los sentidos, pero JFK mereció mucho más. Obra mayúscula en todos los sentidos.