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La ingente cantidad de películas producidas a lo largo del siglo y cuarto de vida del cine, la existencia de grandes cineastas que han creado un buen número de obras maestras y la propia estructura de esta guía llevan inevitablemente a que hayan quedado fuera de su corpus principal muchas películas importantes de la historia del cine, algunas de las cuales se reseñan en este apéndice, sin pretender con ello ninguna exhaustividad.
Nota del Equipo FilmAffinity: La gran mayoría de películas del presente apéndice pertenecen al siglo XX, pero dado que la historia del cine mantiene una constante evolución, se incluyen aquí también películas recientes (no incluidas en el libro, cuya últimas fichas son del año 2019).
Como explican los editores en el capítulo de "La era digital. El siglo XXI" es necesario advertir que, dada la falta de perspectiva, puede haber cambios en las películas relevantes seleccionadas. Sólo el tiempo determinará las que realmente se pueden calificar como "esenciales".
La Guía FilmAffinity
La historia del cine en sus principales etapas y movimientos
Apéndice. Otras películas importantes (1931-2020)
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Otras películas europeas importantes
nota: Ordenadas cronológicamente
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Leni Riefenstahl era una actriz y directora de películas de alpinismo (Bergfilme) fascinada por la figura de Hitler. El triunfo de la voluntad, filmación del congreso de 1934 del Partido Nazi en Núremberg, es la segunda de las tres obras de propaganda que rodó, y la que sentó las bases de la moderna comunicación política. La exaltación del líder mesiánico y la comunión de las masas son subrayadas por un tratamiento visual y sonoro de tal perfección, fuerza y belleza que cautiva. Clave en el viejo debate entre ética y estética, descubrirse fascinado por el horror que muestra es su mejor enseñanza. DA -
Título original: A Matter of Life and Death (Stairway to Heaven)Dirección: Michael Powell, Emeric Pressburger
Michael Powell y Emeric Pressburger (“The Archers”, por el nombre de su productora), que firmaron juntos como codirectores 15 películas entre 1942 y 1957 y colaboraron en otras cuantas, han llegado a ser reconocidos con el tiempo como dos de los cineastas más influyentes de la historia del cine británico. Uno de sus mayores éxitos fue esta película fantástica y romántica ambientada al final de la Segunda Guerra Mundial, con su famosa “escalera al cielo” y su mezcla de color y blanco y negro, que hoy día está considerada como un clásico del cine fantástico. MV -
El tercer hombre, que habitualmente encabeza casi todas las listas de “las mejores películas de la historia del cine británico”, es una de esas raras obras que consiguen transmitir que todo encaja a la perfección y que todos los que participan en ella dan lo mejor de sí mismos: el guion de Graham Greene, la dirección de Carol Reed, la fotografía de Robert Krasker, la música de Anton Karas y las interpretaciones de Joseph Cotten, Alida Valli y Orson Welles, quien se permitió crear con su deleznable y amoral Harry Lime un personaje verdaderamente memorable. MV -
Título original: Bienvenido, Mr. MarshallDirección: Luis García Berlanga
Lo que debía ser un musical folclórico a mayor gloria de Lolita Sevilla acabó convertido, gracias a la habilidad para las escenas corales de Luis García Berlanga y al estupendo guion de este, Miguel Mihura y Juan Antonio Bardem (que en origen también iba a codirigir la película), en una divertidísima sátira del aislamiento franquista, los estereotipos regionales y nacionales y los sueños delirantes de una España paupérrima. Obra cumbre de la cultura española, se beneficia de unas actuaciones memorables, entre las que destacan las de unos inmensos José Isbert y Manolo Morán. DA -
El salario del miedo es la cumbre de la interesante carrera del quizá hoy un tanto olvidado Henri-Georges Clouzot, especialista en el género de intriga. A partir de una premisa hitchcockiana –unos hombres deben transportar un camión cargado de nitroglicerina por una accidentada ruta de Sudamérica–, el director construye no solo una obra maestra del suspense, sino, sobre todo, y en contraposición al humor y al desenfado del genio inglés, un implacable relato de corte existencial, e incluso nihilista, muy de su tiempo. DA -
Dirección: Juan Antonio Bardem
“El cine español es políticamente ineficaz, socialmente falso, intelectualmente ínfimo, estéticamente nulo e industrialmente raquítico”, sentenció en las Conversaciones de Salamanca de 1955 Juan Antonio Bardem, que acababa de obtener el premio de la FIPRESCI en el Festival de Cannes por esta película, muy ajena al desolador panorama que él resumía de ese modo lapidario y muy influida por Crónica de un amor (1950), de Michelangelo Antonioni, con la que comparte su aproximación a un realismo social crítico a partir de un melodrama policiaco. MV -
Este documental de 32 minutos de duración es probablemente el que mayor impacto ha tenido en su momento en la historia del cine, pues por primera vez desde el final de la Segunda Guerra Mundial la gente pudo ver las atroces imágenes de los campos de concentración y de exterminio nazis con toda su crudeza. Esta extraordinaria película no es solo un documento imprescindible, es una verdadera obra de arte en la que todos los medios expresivos del cine se ponen al servicio de una sobrecogedora reflexión moral sobre una de las mayores tragedias de la humanidad. MV -
Título original: Det sjunde inseglet (The Seventh Seal)Dirección: Ingmar Bergman
Esta hipnótica alegoría sobre la inevitabilidad de la muerte, la predestinación y el silencio de Dios, temas recurrentes del cineasta sueco, no solo es una de sus obras más emblemáticas, sino también una de las que mejor explican el concepto de “cine de autor”. Contra todo pronóstico, el recurso a la metáfora del ajedrez y la ambientación en la Edad Media no solo no intelectualizan temas de tan compleja naturaleza, sino que contribuyen a humanizarlos y acercarlos al espectador. Solo los sabios saben hacer del cuento la vía más bella, directa y sin concesiones a la verdad. DA -
Dirección: Robert Bresson
Como en casi toda la obra de Robert Bresson, en esta película el estilo es tanto o más importante que la historia, aquí libremente inspirada en Crimen y castigo de Fiódor Dostoievski. Pickpocket es un relato existencialista sobre la soledad, el deseo, la obsesión y la redención en el que lo que no se dice es casi más relevante que lo que se dice y que transcurre como una sucesión de gestos, miradas, objetos, ruidos y silencios hasta llegar a un final con el que todo lo anterior, como en otras obras señeras como Los muertos de James Joyce, cobra otro sentido. MV -
René Clément fue un cineasta muy apreciado por la sociedad francesa de su tiempo, pero no tanto por la crítica (François Truffaut lo llamó “un virtuoso impersonal”). Su mayor éxito lo obtuvo con Juegos prohibidos (1952), pero su mejor película quizá sea A pleno sol, una excelente adaptación de El talento de Mr. Ripley de Patricia Highsmith que lanzó al estrellato a Alain Delon. Es un thriller rodado con mano maestra y un gran cuidado por los detalles que transmite muy bien el turbio clima y la ambigüedad de la novela, aunque cambia su final por otro más “moralizante”. MV -
Primera parte de la “Trilogía de la incomunicación”, a la que seguirán La noche (1961) y El eclipse (1962), es una obra clave de Michelangelo Antonioni y, por ende, del cine moderno. La misteriosa desaparición de una joven le sirve al cineasta para trazar una desesperanzada semblanza, a medio camino entre lo existencial y lo poético, de una generación desorientada y de las dificultades inherentes a toda relación humana; pero ninguna sinopsis puede hacer justicia a la transparente complejidad y la perfecta fusión de paisaje, acción –escasa– y diálogo de esta obra de arte. DA -
Dirección: Federico Fellini
Con esta película, que obtuvo la Palma de Oro en el Festival de Cannes de 1960, Federico Fellini alcanzó un clamoroso éxito internacional que lo consagró como uno de los grandes autores del cine mundial. Un periodista desencantado persigue a celebridades en busca de noticias, lo que lo obliga a frecuentar las fiestas nocturnas de las élites romanas. Fellini exhibe aquí el disparatado, abigarrado y potente estilo visual de sus famosas escenas corales. LE -
La última película de Jacques Becker, estrenada poco después de su muerte a los 53 años, es para muchos una verdadera obra maestra. Narra una historia carcelaria como otras muchas, la preparación de una evasión, pero su excepcional puesta en escena (sin música alguna) consigue crear una atmósfera hipnótica centrada en los actores (no profesionales) y en lo que estos hacen, con un exquisito cuidado por los detalles, que acaba convirtiéndose en una memorable alegoría del comportamiento humano, las diferencias de clase, la amistad, la lealtad y la traición. MV -
Dirección: Luis García Berlanga
Menos conocida que Bienvenido, Míster Marshall (1953) y El verdugo (1963), esta obra maestra de Luis García Berlanga y el guionista Rafael Azcona es quizá la que retrata de una manera más completa, ácida, lúcida y desesperanzada las miserias de la España nacionalcatólica. Sus aspiraciones desarrollistas se encarnan en la figura de un infeliz que ha comprado un motocarro a plazos, al que las fuerzas vivas de la España eterna, la que sienta a un pobre –o a una cómica– a su mesa por Navidad, hacen la vida imposible. Los fabulosos planos secuencia de Berlanga sacan lo mejor de un reparto colosal. DA -
David Lean, uno de los directores más importantes de la historia del cine británico, firmó en los años 40 algunas de las obras fundamentales de este, como Breve encuentro (1945), Cadenas rotas (1946) u Oliver Twist (1948); a partir de El puente sobre el río Kwai (1957) se centró en las grandes superproducciones, de las que Lawrence de Arabia fue la más aclamada y ganó siete premios Óscar. Esta épica y espectacular película conseguía transmitir tan bien el agobio del desierto que en el intermedio los bares de los cines servían más bebidas que en el resto de la temporada. MV -
Dirección: Juan Antonio Bardem
Ocho años después de Calle Mayor Juan Antonio Bardem volvió a la vida de la España profunda con esta película que traza de nuevo un retrato crítico de la mediocridad provinciana y recrea, con ciertos toques azorinianos, la pesantez de ese “nunca pasa nada” del título mediante la historia de una vedette francesa de revista que sufre un ataque de apendicitis y ha de permanecer un tiempo en una pequeña ciudad para ser operada. Una excelente película, aunque en su momento fuera malévolamente llamada por sus detractores Calle Menor. LE -
Dirección: Carl Theodor Dreyer
La última película de Carl Theodor Dreyer, uno de los grandes nombres de la historia del cine, es un conmovedor y muy bello discurso acerca del amor. Trata de una mujer apasionada que hace de su experiencia sentimental el eje central de su vida. Casada con un importante abogado más preocupado por sus éxitos profesionales y políticos que por su vida matrimonial, se enamora de un joven músico que quiere disfrutar de sus primeros éxitos. Dreyer construye una despojada puesta en escena teatral que retrata la dolorida conciencia de su protagonista. LE -
La fascinación de Orson Welles por Shakespeare es solo comparable a la que sentía por el Quijote, pero si las decenas de horas que rodó sobre este no llegaron a culminar en una película acabada, sí logró completar tres adaptaciones shakespeareanas: Macbeth (1948), Otelo (1951) y esta sobre el personaje de Falstaff, a partir de distintas obras, que rodó en España. Aunque se resiente de un presupuesto escaso y de un rodaje caótico, esta película brillante y barroca sobre la traición de una amistad es una de las obras mayores de Welles, y la mejor para él mismo. MV -
Completamente ajeno a las preocupaciones gauchistes del momento en Francia, Robert Bresson filmó esta fábula de resonancias cristológicas y metafísicas sobre la vida de un asno desde su nacimiento, rodeado de niños, juegos y alegría, hasta su vida adulta, sometida a los trabajos y penalidades propios de su condición. Es también una de las muestras más límpidas del estilo de este director, caracterizado por su puesta en escena de aire teatral y la interpretación desdramatizada y recitativa de los actores. LE -
El cineasta británico Peter Watkins ha trabajado casi siempre en el campo del género documental, o en sus márgenes, en países muy diversos. El juego de la guerra es un falso documental sobre un ataque nuclear al Reino Unido y sus terribles consecuencias. Fue realizado para la BBC, que acabó rechazando su emisión (hasta 1985), y pasó a ser proyectado en filmotecas y festivales. Su tremenda dureza y la enorme sensación de autenticidad que transmite hacen de él un hito del cine de docudrama, si bien ganó el Óscar al mejor largo documental. MV -
Dirección: Ingmar Bergman
En los años 60 la obra del genio sueco fue adensándose e internándose en territorios cada vez más complejos. Persona es el punto culminante de esta etapa. Paradigma de la “obra abierta” que Umberto Eco teorizara por la misma época, este crudo y difícil, pero también fascinante retrato de la relación entre una actriz que ha perdido el habla y su enfermera se presta ya desde su prólogo, que combina imágenes sobre cine, sexo, religión y muerte, a todo tipo de interpretaciones en torno a la identidad, el vampirismo, la maternidad, la enfermedad o el lesbianismo. DA -
Título original: C’era una volta il West (Once Upon a Time in the West)Dirección: Sergio Leone
Tras su llamada "Trilogía del dólar", el gran apóstol del spaghetti western pasó a dirigir esta coproducción de Italia con EE. UU. que fue rodada en el Monument Valley de John Ford, entre otros lugares, y en la que el mayor villano es el “buen americano” por antonomasia, Henry Fonda. Sergio Leone obtenía así de algún modo el reconocimiento estadounidense a su trabajo de deconstrucción de los códigos del wéstern para crear una nueva “representación” del género, a su búsqueda de una nueva forma cinematográfica más relevante que la propia historia narrada. MV -
Título original: Aguirre der Zorn Gottes (Aguirre, the Wrath of God)Dirección: Werner Herzog
La excelente novela de Ramón J. Sender La aventura equinoccial de Lope de Aguirre inspiró a Werner Herzog esta deslumbrante película, quizá la mejor que se haya hecho sobre la Conquista de América, en la que Aguirre está visto como una especie de Macbeth inmerso en un medio natural exuberante que va enloqueciendo progresivamente al embarcarse en una insensata empresa. Al parecer, el atrabiliario actor Klaus Kinski, que comenzó aquí una larga y tormentosa relación con Herzog, acabó el rodaje tan trastornado como el propio Lope de Aguirre. MV -
Bernardo Bertolucci era ya un cineasta reconocido internacionalmente cuando dirigió El último tango en París, que suscitó un desmesurado escándalo por su explícito contenido sexual, lo que ha empañado su percepción como una de las grandes películas de su tiempo sobre la angustia, la soledad, el dolor y el desamor. La desoladora historia que narra hurga en la herida de una crisis emocional que un Marlon Brando a la vez brutal y vulnerable transmite con una intensidad tan doliente como los cuadros de Francis Bacon de los títulos de crédito. MV -
Dirección: Federico Fellini
Amarcord (“A m’arcòrd”) es “Yo me acuerdo” en el dialecto emiliano-romañolo de Rímini, la ciudad natal de Federico Fellini, donde supuestamente transcurre esta película sobre la vida de sus habitantes durante uno de los años de la década de 1930. Fellini, con una mirada más irónica que nostálgica, alcanza la cumbre de su arte en esta fascinante sucesión de viñetas sobre la vida y la muerte, la adolescencia, las ilusiones, el fascismo y el ethos italiano; el universo felliniano ya no volvería a ser tan humano, tan complejo y tan divertido como en Amarcord. MV -
Dirección: Stanley Kubrick
La película más suntuosa de Stanley Kubrick, que él veía como “un documental sobre el siglo XVIII”, narra la ascensión y caída de un arribista en un mundo en trance de desaparición, y es una de sus obras más bellas, que da fe de su legendario perfeccionismo: varios años de preparación, rodaje y montaje con un extremo cuidado en la elección de las localizaciones, siempre reales, del vestuario y de los detalles, y una soberbia utilización de la música y de la iluminación, casi siempre sin luz artificial, incluso en los interiores iluminados por velas. MV -
Después de mofarse del ciclo artúrico en Los caballeros de la mesa cuadrada y sus locos seguidores (1975), los Monty Python volvieron a la carga con la vida y milagros de un hombre que nace el mismo día que Jesucristo y cuya historia discurre paralela a la del Mesías bíblico. Irreverente pero también tierna, La vida de Brian traslada el nonsense distintivo del grupo inglés a la Galilea del siglo I, burlándose por igual de la intolerancia gramatical, la retórica de los milagros y los sectarismos políticos. AE -
Más dramática que las tragicomedias de aire felliniano que predominan en su filmografía, Una jornada particular es, no obstante, una de las más bellas obras de Ettore Scola. El encuentro, el mismo día de 1938 en que Hitler visita Roma, entre un ama de casa solitaria y un homosexual perseguido tiene toda la intensidad y emotividad de una buena obra teatral, en gran medida gracias a las interpretaciones de Sophia Loren y, sobre todo, de Marcello Mastroianni, verdadero coloso cuya carrera vertebra prácticamente medio siglo de cine europeo. DA -
Título original: Die Ehe der Maria BraunDirección: Rainer Werner Fassbinder
Esta es la primera de tres películas de Rainer Werner Fassbinder sobre mujeres –la seguirían Lola (1981) y La ansiedad de Veronika Voss (1982)– que remiten alegóricamente a la historia de la República Federal Alemana (su “Trilogía alemana”, ha sido llamada). Fassbinder, con una lúcida y despiadada conciencia política, social y moral de su tiempo, siguió aquí desarrollando su magistral síntesis del melodrama hollywoodiense que cuenta historias llenas de dolor y pasión y el distanciamiento brechtiano que no manipula sentimentalmente al espectador. MV -
La obra que lanzó la carrera internacional del director ruso Nikita Mijalkov es un nostálgico y envolvente viaje a los recuerdos a través de flashbacks que narran una gran –aunque quizá no totalmente real– historia de amor. Basada libremente en varios cuentos de Anton Chejov y coescrita por la gran Suso Cecchi d’Amico, la película combina la humanidad, el humor y la sutileza del cuentista ruso con el desparpajo, el hedonismo y la imaginación visual de Fellini, como confirma el protagonismo del siempre soberbio Marcello Mastroianni. DA -
En la carrera de Bertrand Tavernier destacan, junto a interesantes policiacos, dos estupendas películas sobre la Primera Guerra Mundial: Capitán Conan (1996) y esta. La historia de un comandante obsesionado por su tarea, realizar el censo de combatientes desaparecidos y escoger los restos de uno de ellos para el monumento al soldado desconocido, da lugar a una dura, amarga y moralmente impecable reflexión sobre la guerra, pero especialmente sobre la frivolidad y la ingratitud humanas. Destaca la interpretación de Philippe Noiret, actor fetiche de Tavernier. DA
Otras películas estadounidenses importantes
nota: Ordenadas cronológicamente
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Aunque en su carrera predominaron las películas románticas y los dramas (El orgullo de los Yanquis, 1942), hoy se recuerda a Sam Wood sobre todo por las dos celebradas obras en las que dirigió a los hermanos Marx: Un día en las carreras (1937) y esta. Primera película del ya trío tras el abandono de Zeppo y su fichaje por la MGM, resulta más estructurada que sus trabajos previos en la Paramount y marcó la pauta para todos los posteriores. Escenas como la del camarote abarrotado o la lectura del contrato forman ya parte (contratante) de la cultura popular. DA -
Título original: The Lives of a Bengal LancerDirección: Henry Hathaway
Henry Hathaway fue uno de los muchos directores del Hollywood clásico con importantes aportaciones en varios géneros, entre ellos el film noir, el cine de intriga y, sobre todo, el wéstern (Valor de ley, 1969). También el de aventuras, como demuestra esta producción de la Paramount del subgénero colonial –muy en boga en los años 30 y hoy políticamente incorrecto– que transcurre en la India británica y combina drama y acción con gran habilidad narrativa. Fue nominada a siete premios Óscar y consolidó a Gary Cooper como estrella y héroe popular. DA -
Título original: The Shop Around the CornerDirección: Ernst Lubitsch
Ernst Lubitsch compró los derechos para el cine de la obra de teatro de 1937 La perfumería, del húngaro Miklós László, y con un presupuesto moderado la convirtió en 28 días de rodaje en una película que acabó siendo su preferida de entre las suyas. El bazar de las sorpresas es una cumbre de la comedia romántica en la que todo fluye de modo ligero y amable: una ingeniosa trama, unos estupendos diálogos, un grupo de actores en estado de gracia y una extraordinaria dirección “invisible” que conduce la historia con mano maestra y enorme cariño. MV -
Recordado sobre todo por sus musicales, como Melodías de Broadway 1955 (1953), Vincente Minnelli dirigió también excelentes comedias y dramas. Entre los últimos destaca esta producción de la MGM, un descarnado retrato del mundo del cine, y más concretamente de la figura del productor sin escrúpulos, rodado precisamente cuando el modelo del Hollywood clásico entraba en crisis. En un conjunto impecable destaca su complejo guion, construido sobre flashbacks, su fastuoso reparto, secundarios incluidos, y la brillante puesta en escena y trabajo de cámara de Minnelli. DA -
Con esta obra magistral la carrera del “mago del suspense” entra en su fase culminante, en la que la trama pierde progresivamente importancia en aras de la creación de situaciones de puro suspense por medios exclusivamente visuales. El voyeurismo de un fotógrafo en silla de ruedas se equipara así metafílmicamente al placer escópico del espectador cinematográfico, fascinados ambos por un misterio del que poseen un conocimiento limitado y en el que solo pueden intervenir por figura interpuesta: la clásica rubia hitchcockiana, a un tiempo gélida y ardiente. DA -
Título original: Seven Men from Now (7 Men from Now)Dirección: Budd Boetticher
Budd Boetticher fue un cineasta bastante singular (baste decir que llegó al cine a través del toreo) que casi siempre trabajó dentro de la serie B y que desarrolló un estilo discreto, conciso y eficaz con el que creó obras maestras sencillas y bellas sin pretenderlo, como dijo un crítico. Tras la pista de los asesinos fue el primero de los siete depurados wésterns de serie B que Boetticher rodó con el estoico actor Randolph Scott (y en este con un magnífico Lee Marvin como villano) narrando historias similares acerca de un hombre que busca a los asesinos de su mujer. MV -
Para Agatha Christie esta fue sin duda la mejor adaptación al cine de una de sus obras, y para Helmuth Karasek, biógrafo de Billy Wilder, “una de las mejores películas de Alfred Hitchcock”. Boutades aparte, esta espléndida y absorbente película adaptó magistralmente la trama original sin tratar de ocultar su origen teatral e introduciendo dos factores que aumentaron su valor: la extraordinaria actuación del sin par Charles Laughton y el personaje de su enfermera, interpretado por “la novia de Frankestein” y esposa de Laughton, Elsa Lanchester. MV -
Este relato en torno al clásico “falso culpable” de Alfred Hitchcock es, junto a Los pájaros (1963), su obra más radical. A partir de un Macguffin transparente y desentendiéndose completamente del principio de verosimilitud, el maestro crea situaciones de un suspense tan puro y una fuerza visual tan magnética que son ya icónicas, como el intento de asesinato en avioneta o la bajada final del monte Rushmore. Otra secuencia magistral, rodada en una casa inspirada por Frank Lloyd Wright, es la versión gráfica de la definición de “suspense” que el cineasta daría a François Truffaut unos años después. DA -
La afilada mente de Billy Wilder ideó su obra maestra a partir de un personaje secundario del magnífico drama romántico Breve encuentro (David Lean, 1945). La agridulce historia de un apocado oficinista que presta su apartamento como picadero a sus jefes para ascender hasta que se enamora de una ascensorista, le sirve para hacer un incisivo y divertidísimo análisis de los anhelos y las miserias humanas, gracias al magistral guion del propio Wilder y su segundo colaborador habitual, I. A. L. Diamond, y a las conmovedoras interpretaciones de Jack Lemmon y Shirley MacLaine. DA -
El cine de Alfred Hitchcock es un género en sí mismo, pero al cineasta inglés le daría tiempo además a renovar el de terror con una obra maestra tan original que es casi imposible resumir sus logros: subvierte todas las convenciones al asesinar a la protagonista mediada la película, lo hace en una violenta escena magistralmente coreografíada por Saul Bass, construye el arquetipo del asesino perturbado mediante un retorcido psicologismo freudiano, dialoga con la solitaria pintura de Edward Hopper e incluso introduce un curioso guiño subliminal. Pura modernidad. DA -
Robert Rossen fue un comunista militante entre 1937 y 1945, pero en 1953, para poder salir de la “lista negra”, acabó delatando a decenas de otros comunistas y excomunistas en su segunda declaración ante el Comité de Actividades Antiamericanas, tras lo cual abandonó EE. UU. durante algunos años. A su regreso produjo y dirigió esta excelente y hoy clásica obra de la que dijo: “Mi protagonista, Fast Eddie, quiere llegar a ser un gran jugador profesional de billar, pero la película de lo que trata es de los obstáculos que encuentra al intentar realizarse como ser humano”. MV -
La novela de Harper Lee Matar a un ruiseñor se convirtió en un éxito sin precedentes nada más ser publicada, en 1960, y con el tiempo en un clásico que todos los estadounidenses conocen y todos los niños leen en las escuelas; su protagonista, el abogado Atticus Finch, es uno de los héroes más queridos de esa cultura. La película adapta fielmente la novela, y como ella defiende la justicia, la igualdad, la dignidad y la tolerancia, y es sentimental, biempensante, didáctica… y magnífica. Incluso la interpretación de Gregory Peck mereció un Óscar, el único que ganó. MV -
Elia Kazan fue, como Robert Rossen (y otros cuantos), un excomunista delator durante el macartismo, lo que ha eclipsado su reconocimiento como el gran cineasta que fue al confundir la persona con su obra. América, América narra la épica historia de un muchacho de la minoría griega de Anatolia (en la vida real un tío de Kazan) obstinado en la persecución de un sueño: emigrar a EE. UU. Pocas películas han tratado un tema así con la ambición, la intensidad y la lucidez de esta larga, compleja y conmovedora obra, la favorita de Kazan de entre las suyas. MV -
Esta adaptación del musical homónimo de Broadway, basado a su vez en la obra de teatro Pigmalión de George Bernard Shaw sobre el conocido mito griego, es una de las cumbres del género. Las pegadizas canciones de Frederick Loewe y Alan Jay Lerner, la fluida dirección de George Cukor y la química entre Rex Harrison y Audrey Hepburn –a la que Jack Warner se empeñó en dar el papel que Julie Andrews bordaba en Broadway, pese a que tendría que ser doblada– conforman uno de los más gratos cantos del cisne del Hollywood tardío. DA -
Tras el éxito de Drugstore Cowboy (1989), Gus Van Sant volvía a retratar las vidas de unos personajes marginales –aquí, dos chaperos que pasan y consumen drogas– sin reprobación ni condescendencia. Obra clave en su momento en la consolidación tanto del cine independiente estadounidense como del llamado New Queer Cinema, no ha perdido frescura con el paso del tiempo, en buena medida gracias a las espontáneas interpretaciones de Keanu Reeves, cuya carrera lanzaría, y sobre todo de River Phoenix, que moriría de sobredosis dos años más tarde. DA -
El caso de este drama carcelario es singular: hay algo en él que lo hace distinto a otros similares y que cautiva a sus admiradores de tal modo que más de un cuarto de siglo después de su estreno (que no fue muy exitoso) ocupa las primeras posiciones en muchas listas de las películas preferidas por el público, en especial en Internet. Por lo demás, es una película muy bien hecha sobre la amistad entre dos hombres y la necesidad de no perder la esperanza, y trata con un gran cariño a sus personajes, que interpretan los magníficos Tim Robbins y Morgan Freeman. MV -
Esta película finisecular, que plantea un interrogante sobre el futuro de las relaciones establecidas entre individuo y sociedad en la cultura occidental, fue muy controvertida en su momento porque para muchos era descaradamente efectista y soterradamente fascista, mientras que una generación joven enseguida la encumbró a un lugar de culto que aún conserva. Lo cierto es que su efectismo no deja de ser deliberado y que su “masculinidad tóxica” y su “mensaje” político acaban siendo superados por su poderoso lenguaje visual y su distanciadora ironía. MV -
Título original: As I Was Moving Ahead Occasionally I Saw Brief Glimpses of BeautyDirección: Jonas Mekas
Jonas Mekas, nacido en Lituania, pasó 69 de los 96 años de su vida en EE. UU., filmando sin cesar todo lo que encontraba a su alrededor (comenzó con una cámara Bolex de 16 mm y acabó inmerso en el mundo digital). El gran patriarca del cine de vanguardia estadounidense fundó revistas y archivos cinematográficos, colaboró con movimientos artísticos como Fluxus y escribió poesía en su lengua materna. Esta larga, singular y melancólica recopilación de material doméstico filmado a lo largo de 30 años viene a ser un epítome de su extensa e inimitable obra. MV -
En uno de los experimentos más interesantes del cine estadounidense contemporáneo, Richard Linklater narra la evolución de la pareja formada por los también guionistas Julie Delpy y Ethan Hawke a través de tres obras rodadas con nueve años de diferencia entre sí. Lo que empieza como una cautivadora revisión del “chico conoce chica” se vuelve un amargo y bergmaniano reconocimiento del desgaste, con una parada intermedia en el deslumbrante misterio del amor. Linklater dio un tratamiento temporal similar a la celebrada Boyhood (2014). DA
Otras películas importantes de otros países
nota: Ordenadas cronológicamente
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Antes de que a mediados de la década de 1950 comenzara a encontrar una voz propia, el cine latinoamericano abundaba en grandes melodramas, rancheras, chanchadas y otros productos más bien folclóricos sin demasiado interés, aunque también vieron la luz algunas obras muy notables, como Limite, la única película que consiguió terminar el cineasta y escritor brasileño Mário Peixoto; una obra singular, bellísima y casi abstracta que lleva “confusa la historia y clara la pena” como los cantos de los niños de Antonio Machado. MV -
Dirección: Humberto Mauro
En su libro de 1963 Revisión crítica del cine brasileño Glauber Rocha afirmaba que Limite (1931) podía considerarse un mito, porque casi nadie había podido verla (él tampoco), por lo que la referencia para el comienzo de un “verdadero” cine brasileño era Ganga Bruta, a la que consideraba una de las veinte películas más importantes de todos los tiempos. Es un melodrama que narra una historia bastante convencional de triángulo amoroso, pero con una tremenda fuerza expresiva, una elevada carga erótica y un sorprendente trasfondo freudiano e incluso surrealista. MV -
Dentro del trío de cineastas japoneses clásicos, entre el “occidentalizado” Akira Kurosawa y el “genuino” Yasujiro Ozu se encuentra la fascinante figura de Kenji Mizoguchi. En esta conmovedora historia ambientada en el mundo del teatro japonés de finales del siglo XIX se aprecia a la perfección su interés por los personajes femeninos, su talento para el melodrama y, sobre todo, su capacidad para embridarlo en una puesta en escena de una elegancia y sutileza sin parangón, que renuncia a los primeros planos en favor de largos planos secuencia a base de travellings. DA -
Dirección: Emilio Fernández
Emilio Indio Fernández fue durante décadas la figura preeminente del cine mexicano, como actor y como director (había comenzado como extra en el cine mudo estadounidense, cuando posó para el diseño de la estatuilla del Óscar); siempre fue un patriota y un defensor de los indígenas de su país, y forjó la imagen internacional de México en el cine. La perla, que adapta un relato de John Steinbeck, es un poderoso drama rural que ganó importantes premios y en 2002 fue seleccionada para su preservación en la Biblioteca del Congreso de EE. UU. MV -
Con Primavera tardía comienza el brillante periodo final de Yasujiro Ozu, en el que su personal estilo –puntos de vista bajos, tomas fijas puntuando las secuencias, planos frontales sustituyendo al plano-contraplano– se depura al máximo. Como en otras obras de esta etapa, aborda las relaciones paternofiliales y los matrimonios concertados, temas tras los que late la tensión entre tradición y modernidad –un asunto aquí delicado, pues se estrena durante la ocupación estadounidense– y la aceptación resignada del destino en cada una de las etapas de la vida que, como aquí, dan título a las películas. DA -
El cineasta escocés Norman McLaren se estableció en Canadá a los 27 años y allí trabajó para el National Film Board el resto de su vida. A lo largo de 50 años exploró incansablemente las posibilidades del cine no narrativo, experimentando de muchas maneras con la imagen y el sonido; por ejemplo, raspando la película o dibujando directamente sobre ella. Aunque la mayoría de sus obras son “abstractas”, la más famosa es Vecinos, un corto de animación stop-motion con un potente mensaje pacifista que ganó el Óscar al mejor corto documental. MV -
El título de esta obra maestra de Akira Kurosawa dice claramente de qué trata: de la vida, y por tanto de la muerte, ni más ni menos. Vivir, una película construida en dos partes (la vida / la muerte), como otras de Kurosawa, y protagonizada por quien rodó con él otras 22, el gran Takashi Shimura, viene a ser, en palabras del historiador Donald Richie (una figura clave para el conocimiento del cine japonés en Occidente), un ricercare, como el tema musical de su banda sonora, una nueva búsqueda para un redescubrimiento del sentido de la vida. MV -
En la copiosa y ecléctica filmografía de Kon Ichikawa destaca esta singular película bélica que tuvo una gran repercusión en Occidente a partir de ser premiada en el Festival de Venecia. El arpa birmana elude totalmente las razones de la guerra y casi totalmente la brutalidad de sus combates para centrarse en la experiencia personal de un soldado perdido que queda traumatizado por el horror de los miles de cadáveres abandonados que va encontrando. Irreal, y bellísima, la película defiende una actitud humanista y mística próxima al budismo zen. MV -
Dirección: Roberto Gavaldón
La primera película mexicana nominada al Óscar a la mejor en lengua extranjera narra una historia fantástica inspirada en un cuento de los hermanos Grimm y ambientada en el Virreinato de la Nueva España del siglo XVIII. Un campesino paupérrimo y hambriento que solo desea comerse un pavo es tentado por el Diablo, Dios y la Muerte y acaba frente a la Inquisición. Macario, a la vez poética y popular, recoge la peculiar relación de los mexicanos con la muerte y puede considerarse parte de lo que después sería llamado realismo mágico latinoamericano. MV -
Esta soberbia película (de título original “Cielo e infierno”), dividida en dos partes muy distintas, es a la vez un thriller, un drama social y un cuento moral que alude a la desigualdad de clases y a la topografía de la ciudad en que transcurre,Yokohama. La primera parte narra un secuestro y el dilema moral que implica, con una puesta en escena minuciosamente coreografiada en interiores; una secuencia de seis minutos en un tren, que es una cima del cine de acción, da paso a la segunda parte, que se centra de modo documental en la búsqueda del secuestrador. MV -
Dirección: Luis Alcoriza
Luis Alcoriza, nacido en Badajoz, fue uno de los muchos exiliados de la Guerra Civil que acabó estableciéndose en México. Conocido sobre todo por su trabajo como guionista de Luis Buñuel, fue autor de una extensa obra propia, algo olvidada, como guionista y director. En ella destaca Tiburoneros, una notable película situada entre el realismo documental y el costumbrismo mexicanista que en realidad se centra en las opciones vitales de un hombre de ciudad que se encuentra a sí mismo siendo pescador de tiburones en un pueblo costero. MV -
Mikio Naruse fue un gran cineasta que realizó más de 90 películas a lo largo de cuatro décadas, pero nunca llegó a ser tan apreciado en Occidente como sus compatriotas Akira Kurosawa, Kenji Mizoguchi o Yasujiro Ozu; quizá porque sus personajes no suelen tener nada de extraordinarios, aunque sus relatos frecuentemente lo sean. Tormento, como otras obras de Naruse, narra la historia de un amor desdichado con los códigos del melodrama y con absoluta sencillez narrativa, lo que no impide una sutileza y una complejidad psicológica admirables. MV -
Título original: Jôi-uchi: Hairyô tsuma shimatsu (Samurai Rebellion)Dirección: Masaki Kobayashi
Cinco años después de Harakiri Masaki Kobayashi abordó este otro jidaigeki o drama de época que es también una historia de individuos contra la sociedad –el tema principal de su obra, según él mismo–, pero esta vez más centrada en un entorno familiar y con un poderoso personaje femenino. Esta bellísima película, que defiende la supremacía del amor y de la dignidad y la rebelión contra la tiranía, aunque no pueda triunfar, posee una extraordinaria fuerza visual que juega brillantemente con los puntos de vista y con la geometría de la arquitectura japonesa. MV -
Dirección: Leonardo Favio
Leonardo Favio fue un hombre polifacético que se dedicó al cine (como actor, director, guionista y productor) con desigual fortuna, a la música (como compositor y cantante de baladas románticas) con enorme éxito y a la política (como agitador peronista) con polémicos resultados. Su contribución al cine argentino fue muy estimable, y en ella destaca esta película inclasificable y a ratos fascinante, situada entre el realismo mágico y el esperpento, que a partir de una anécdota mínima desarrolla “una cierta poética de la inmovilidad”, como dijo un crítico. MV -
Dirección: Felipe Cazals
Canoa es un falso documental de Felipe Cazals, un director muy importante en la historia del cine mexicano y muy poco conocido fuera de su país, que recrea un suceso real ocurrido en septiembre de 1968 en un pueblo de México, el linchamiento de unos excursionistas. Introduce algunos elementos distanciadores, pero los hechos que relata son tan brutales que acaba siendo más bien una película de terror. Según Alfonso Cuarón: “Por desgracia, es una película atemporal y no tiene fronteras. En ese sentido ocupa un lugar imprescindible en el cine mexicano”. MV -
Título original: Ba wang bie ji (Farewell My Concubine)Dirección: Chen Kaige
Adaptación de la novela homónima de la escritora hongkonesa Lilian Lee, Adiós a mi concubina ofrece un ambicioso recorrido por la convulsa historia de China en el siglo XX con un triángulo amistoso y sentimental de carácter homosexual como hilo conductor. Ambientada en el mundo de la ópera china, destaca por la fuerza estética de su puesta en escena y su fotografía, por sus estupendas interpretaciones y por el firme pulso narrativo con que se narran más de cuatro décadas de conflictos. Recibió numerosos premios, entre ellos la Palma de Oro en Cannes. DA -
Dirección: Luis Estrada
“Te tocó la ley de Herodes, o te chingas o te jodes” es la frase popular mexicana que da título a esta hilarante e inmisericorde sátira con la que el cineasta Luis Estrada inició una serie de comedias, protagonizadas por el gran actor Damián Alcázar, sumamente críticas con la política, la violencia, el narcotráfico y otros ancestrales problemas de México. La mejor y más divertida es esta, La ley de Herodes, que trata de la corrupción de un anónimo miembro del PRI, el Partido Revolucionario Institucional que gobernó México ininterrumpidamente durante 70 años. MV -
La trama de esta película (el viaje de un niño solitario con un adulto hosco en busca de la desconocida madre del niño) puede hacer pensar que es una obra sensiblera en la que (como en toda road movie que se precie) al final del viaje los viajeros salen transformados. Pero la gracia de la película está en que no es nada de eso. Takeshi Kitano se aleja de la violencia yakuza, pero no para caer en el sentimentalismo, sino para construir un poético cuento absurdo y divertido que acaba como empieza y en el que no se sabe bien quién es más infantil, si el niño o el adulto. MV
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