Tarantino coge la II Guerra Mundial y se la pasa por el forro los cojones. En muchos sitios leeréis ésta misma frase pero más refinada, menos al estilo Tarantino. Básicamente la película es eso.

Es cierto que es un guión sólido, que tiene muy buen tempo en los diálogos, que la interpretación es sobresaliente... pero algo se ha perdido en el cine de Tarantino. La mordacidad de sus líneas, su humor tan característico, sus personajes míticos, su... su plano del maletero! (Aunque el último plano lo sustituye). Es un Tarantino más serio, más lento, quizás más maduro.

Pero el cambio también tiene sus cosas buenas, como por ejemplo el inicio del film, todo un homenaje al spaghetti western (qué pena que Morricone no pudiese participar en la banda sonora), los cambios de idioma (francés, alemán e inglés), el suspense provocado sin vergüenza, el montaje (mucho menos videoclipero que en anteriores trabajos) o la violencia desde la distancia.

Aunque Tarantino siempre será Tarantino, y sus referencias cinéfilas despertarás más de una sonrisa (Antonio Margheriti!!). Y el cine queda ligado con el film hasta el final, que tampoco quiero destripar, pero que será recordado en todas las retrospectivas del director, formando imágenes tan poderosas como controvertidas, tan bellas como aterradoras, tan elocuentes como turbadoras... en fin, tan tarantinianas.

"Cristal Oscuro" parte de la imaginación del maestro Jim Henson (creador de los "Muppets") y del dibujante Brian Froud , quienes con la ayuda de otro mítico animador como Frank Oz (co-director junto a Henson) dieron vida a todo un universo antiquísimo basado en la eterna dualidad del bien y el mal.

Hace 1000 años el cristal oscuro fue fragmentado creando a los Mystics, una raza de sabios ancianos y mansos, y a los Skeksis, una mezcla de aves/lagartos/dragones agresivos que gobiernan el planeta. Un milenio después Jen, el último Gelfling, tiene la oportunidad de cumplir las profecías reparando el cristal y arrebatarle el poder a los malvados Skeksis.

Con un argumento típico de las historias de brujería y espada, todo el peso del film recae sobre las marionetas, protagonistas absolutas, llenas de vida y con una variedad y originalidad extensa. Aparte de los mencionadas razas de Mystics, Skeksis o Gelflings (estos últimos los más “humanizados”), también nos encontramos a los majestuosos Zancudos, a la bruja Aughra (animada por Frank Oz), los alegres Podlings o a los temibles crustáceos Garthim, además de un sinfín de pequeñas plantas y animales que componen todo un ecosistema animado.

La música épica, la fotografía de cuento de hadas y los mastodónticos decorados artesanales (que cuentan además con las dificultades que suponía encajar a los distintos personajes, cada uno de ellos movidos por 3 ó 4 personas) aumentan la categoría de esta película que tardó 5 años en realizarse a obra de culto, tanto para los más pequeños como para los adultos. Un clásico de la fantasía.

Va a ser muy difícil hacer una crítica de esta película sin desvelar detalles ni personajes de la trama, pero habrá que intentarlo. MIDNIGHT IN PARIS es lo mejor que ha hecho Woody Allen en el siglo XXI y le falta poco para ser la película más taquillera de toda su filmografía. Y ya era hora de que los fans de Allen pudiéramos leer y escuchar comentarios de este estilo, tras una época bastante decepcionante.

MIDNIGHT IN PARIS comienza como cualquier otra de su periplo europeo, como un documental turístico sobre la ciudad en cuestión. Además sin disimular, con imágenes estáticas de la ciudad sobre música suave durante 3 ó 4 minutos. También tras los créditos la ciudad parisina se idealiza constantemente como la ciudad del romanticismo y de la bohemia, un sentimiento que se exagera con la fantasía que Allen imprime al relato, pero esta vez la película va más allá del reclamo turístico y también tiene comedia, amor y fantasía, algo que se echaba en falta en sus últimos trabajos.

Gil Pender (Owen Wilson) es un guionista mediocre enfrascado en el nacimiento de una novela cargada, como él, de nostalgia y romanticismo. Su prometida (Rachel McAdams), su familia y su círculo de amistades (genial Michael Sheen en el papel de pedante sabelotodo) ven en París una oportunidad para comprar muebles caros, hacer negocios o alardear de sus conocimientos de arte mientras que Gil ve una ciudad poética, que en sí misma es arte, y recuerda nostálgico los años 20, cuando París era un hervidero bohemio de escritores, pintores y músicos. Una noche, perdido y borracho en la ciudad, un antiguo Peugeot le transporta a un mundo fantástico donde conocerá grandes personalidades y sobre todo a una musa, Ariadna (guapísima Marion Cotillard), que le hará replantearse todos los cimientos de su vida.

El principal acierto de Woody Allen es adaptar un argumento que a simple vista es ridículo, o para una peli Disney, en una inteligente comedia romántica en la que cuesta muy poco entrar y que una vez que te atrapa ya no puedes salir. MIDNIGHT IN PARIS es una parodia de la historia del arte con mensaje sobre la nostalgia mal entendida y sobre la belleza del presente, aunque también tiene rasgos clásicos de Allen en figuras de mujeres manipuladoras y soñadores incomprendidos y, aunque tenga gags dignos de la mejor comedia de enredo (genial el momento "surrealista" con Adrien Brody), el film se podría decir que es lo más parecido a poesía visual que se haya visto este año.

Las referencias culturales son constantes y convierten a la película en "No apta para chonis, canis y demás fauna" lo cual es de agradecer en una industria cada vez más propensa a dejar descansar a las neuronas. Por otro lado, la suave banda sonora, repleta de vientos y guitarras clásicas al ritmo de jazz y los planos lentos que permiten la improvisación en las conversaciones largas dan exactamente la sensación contraria TRANSFORMERS 3 o similares.

Revolucionaria película de Dennis Hopper que cambiaría para siempre los cánones establecidos en el cine americano.

Tan temeraria e independiente como su creador, EASY RIDER caló hondo en la Ameríca de finales de los 60 plasmando en la pantalla el rechazo al orden establecido en las grandes ciudades y dando voz al movimiento hippie, ya muy extendido, eliminando por primera vez a las superproducciones de Hollywood basadas en actores estrella.

Dennis Hopper, el borracho, drogadicto y polémico director y actor, quiso trasladar el cine europeo desde un punto de vista americano, privando al film de estructura, cediendo importancia a la improvisación y al tratamiento visual (esas psicodélicas cortinillas de transición) y mostrando por primera vez en una sala de cine el rechazo abierto a la religión y el consumo alegre de drogas duras (según Hopper, nadie en L.A. consumía cocaína antes de EASY RIDER).

Hay que decir que, aunque pionera y transgresora en su época, el guión y el montaje cuentan con lagunas y escenas de relleno, mal gestionadas dentro de la totalidad de la obra, y en algunos momentos los movimientos de cámara son erráticos e incluso desenfocados (Hopper grabó todo lo del Mardi Grass al principio, como prueba para la productora. El rodaje fue un caos, lleno de escenas oscuras y desenfocadas, con planos totalmente aleatorios, pero Hopper consiguió financiar el film con la ayuda de Peter Fonda, el coprotagonista).

Además fue uno de los primeros grandes papeles de Jack Nicholson, uno de los actores que más se benefició del nacimiento del New Hollywood, y la película contó con una de las mejores bandas sonoras de la historia, cuyas canciones rellenan a menudo el film como si de un videoclip se tratase.

Retrato de la América del amor libre a finales de los 60.

Pasable vuelta al cine de terror de serie B del otrora grande Sam Raimi, que mantiene su humor negro y su buen gusto en los Fx artesanales pero cae en los tópicos y en los giros fáciles de guión (escrito junto a su hermano).

Buen trabajo de las actrices, que hacen creíbles sus personajes esteriotipados, y gran cameo del coche de Raimi, famoso por salir en todas sus peliculas (Menos en el western que hizo con Nicole Kidman, por razones evidentes).

Raimi consigue hacer un cine entretenido a pesar de las lagunas, y consigue momentos muy divertidos a la par que asquerosos, incluso con un gag que parece sacado de un corto del pato lucas por lo absurdo de la situacion. En contrapartida, falla con los momentos de terror, usando en todos los sustos la subida atronadora de sonido típica de los bodrios hollywoodienses y que tan bien supo solucionar el cine asiatico.

En definitiva, un soplo de aire fresco en la carrera de Raimi, cine sin pretensiones y entretenido, para pasar un buen rato.