Magnífico exponente del cine de los cuarenta. Concretamente en 1944, tenemos otras dos joyas del cine negro como “Perdición” y “Laura”. Fue uno de los mayores éxitos comerciales de Fritz Lang en Hollywood.
A pesar de ser una de las referencias de cine negro, de hecho tiene numerosos elementos, yo creo que este le sirve como excusa o soporte para hacer una reflexión sobre otros temas. De hecho, el autor de “Los sobornados” aborda aquí dos de sus temas preferidos: el lado oscuro del ser humano, concretado en el deseo latente de de Edward G. Robinson, y el tema de la culpabilidad. Tampoco debe pasarse por alto la reflexión que hace de la Justicia, una vez más (“Furia” es el máximo exponente).

El film se presenta por sí solo en menos de 3 minutos. Un respetable profesor de criminología, impartiendo una clase sobre los grados de asesinato (con Freud escrito en letras grandes en la pizarra). Después se despide de su mujer (casi más vieja que él y no muy bella, quizá para acentuar su anhelo posterior) e hijos que se marchan a pasar unos días.De vuelta, ve el retrato de una atractiva mujer y se reúne con sus amigos, un fiscal y un médico en un club privado.
El film tiene tensión y una estupenda atmósfera. La fotografía es muy destacada, llena de luces y sombras, gracias a la excelente labor de Milton Krasner.

Edward G. Robinson roza la genialidad. Su composición de profesor envuelto en un oscuro asunto, saca a relucir su versatilidad: inocente, ingenuo, casi débil, al mismo tiempo que muy respetable. Quién diría que fue Cesare Enrico Bandello en “Hampa dorada” u otros tantos gansters. “Para mí, ha llegado el fin de la aventura de la vida. Me revienta esta solidez, esta seguridad”. 100% creíble.

Joan Bennett está también genial. El arquetipo de mujer fatal, exquisita en su trato, atractiva y sensual (magníficamente vestida), seductora e inteligente, etérea y volátil a la vez que cercana. Tiene algo que resulta especial. Perfecta para el papel.
Dan Duryea, muy directo, bastante chulo, algo altisonante para el tono general de la película, aunque convincente para contrarrestar a Joan Bennett.
Personalmente, el final me deja sorprendido. Supone una vuelta de tuerca inesperada.

En la era de las adaptaciones del cómic, superhéroes, y secuelas sobre-explotadas (Hollywood apuesta sobre seguro, ahora más que nunca, crisis mediante) llega el casi octogenario maestro (79) y nos descubre a un auténtico héroe –en toda la dimensión de la palabra-, de los de carne y hueso: Nelson Mandela.“Invictus” es una película cercana, todo lo que cercano que puede parecer Mandela.
En cada fotograma del film se destila lo que el viejo e hiperactivo Clint ha querido hacer: contar, transmitir, aunque suene idílico, que un mundo mejor es posible. Se enamoró del proyecto, o mejor dicho, de su protagonista: Madiba. Y lo cierto es que Morgan “Mandela” Freeman no podía haberlo hecho mejor. Me atrevo a decir que a pesar de su dilatadísima carrera (72 años, oscar en “Million dollar baby”, y podría repetir), este papel va a ser muy, muy recordado en su filmografía. Me parece, asímismo, que el jefe de los escoltas hace, un gran papel, al igual que Matt Damon que asume con elegancia su rol, no intenta lucirse y encaja a la perfección.

En cuanto al film en sí, no es absolutamente redondo, y queda patente que no es lo mejor de su director (es lo que tiene tener tantas obras maestras en tu currículum). Es posible que, entre otros defectos, a Clint o a su montador, Joel Cocks, se la haya ido la mano un poco en el montaje. No solo lo digo yo, lo dice John Carlin, autor de “El factor humano”, el libro en que se basa el guión. “Quizás habría recortado el partido final unos minutos” o “proporcionalmente hay más [rugby] que en mi libro”. Efectivamente, además, se recrea demasiado con la cámara lenta.
Echo de menos ver (espiar si acaso es la palabra) más tiempo ese vestuario por dentro, lo que se cuece en él, cómo funciona el grupo, cómo se motivan, casi más que el partido en sí. Me parece muy ilustrativa (magistral) la escena de la cerveza.

Por otra parte, uno de los mayores aciertos consiste en crear el microcosmos del país en el propio equipo de seguridad del presidente (aunque pueda parecer que simplifica, de cara al espectador es altamente ilustrativo). El tema de la seguridad tiene una importancia capital a lo largo del film (con sorpresita en forma de susto incluída).

Con esto, pretendo aportar algo de objetividad. No porque lleve la fabulosa marca de Malpaso (y eso que es empezar, verla y emocionarse) todo es perfecto. Con todo, la peor película de Clint (y no es el caso), es la mejor de muchos, muchos directores.

En definitiva, aunque no es la obra maestra que sus miles de seguidores esperábamos, consigue un altísimo grado de empatía, acercarnos un poco la extraordinaria figura de Nelson Mandela y seguir creyendo que las causas perdidas tienen su razón de ser.

“Compasión, templanza y generosidad”.

A partir del libro infantil escrito e ilustrado por Maurice Sendak en 1963, Spike Jonze ha creado un film particular y muy personal, de esos que salen cada cierto tiempo y generan controversia, algo que ya es habitual en su todavía escasa filmografía.
Antes de su estreno, el estudio estaba preocupado porque le parecía “demasiado espeluznante para el público infantil”. Efectivamente, la cinta tiene como principal debe el don de la ubicuidad, demasiado adulta para los niños (los más pequeños pueden asustarse) y algo chocante para un amplio sector de público adulto. Así pues, la propuesta de Jonze es muy arriesgada, valiente, incluso, en estos tiempos de cine ultra-comercial.

Max, el niño protagonista, es un “monstruíto” que se divierte jugando solo ante la escasa atención que recibe en casa. Su comportamiento está salpicado de ataques de ira y no ve con buenos ojos que su madre (breve aparición de Catherine Keener) invite a un amigo, aunque quizá le molesta más el maíz congelado. A partir de un mundo real insatisfactorio, Max se adentra en otro mucho más divertido, en el que el extraño es él y donde habitan unos voluminosos seres, a pesar de ello muy dinámicos y de gran expresividad facial. En este nuevo hábitat experimentará nuevas vivencias que le harán reconsiderar que la dualidad niño/adulto no es tal y como él pensaba, ni tan fácil ni tan despótica, al menos caprichosamente.

Si bien al principio este viaje resulta novedoso y entretenido, a medida que Max va quemando etapas (presentación, consolidación, decaimiento, etc), se va perdiendo efervescencia y el dinamismo y la frescura dan paso a la pérdida de empatía, de tal manera que decae el interés, quizá porque la historia, a pesar de ser modélica en su simbolismo, no da mucho más de sí.
La aventura de Jonze, aunque meritoria, resulta excéntrica e imperfecta. Eso sí, no dejará indiferente a casi nadie.

Xavi, hijo, exageras. Para un cero tampoco es (ya ves, a ratos lo pasé bien), aunque sí es cierto que parece un concurso de a ver quién se quita la camiseta antes.
Sugiero que le hagan una oferta a Cristiano Ronaldo para la próxima entrega, que el pobre no sabe cómo enseñar abdominales (bueno, sí, celebrando el gol contra el Almería como si hubiera ganado la Champions). Se podría enfrentar a Taylor Lautner.

Bueno, hablemos de cine.

¿?

Ah, sí, el maquillaje muy chulo. Y todos son monísimos.

Saludos. Nos vemos en el Mediterráneo.

Película pesimista, deseperanzadora y crepuscular. Retrata la vida de Randy “The Ram”, un veterano de la lucha libre en plena decadencia. A Aronofsky no le interesa mostrarnos su pasado, por lo que lo despacha en los títulos de crédito mostrando sus logros y triunfos en fotos pasadas y recortes de prensa (“los 80 son los mejores”, dice Randy en un determinado momento).
Todo el film es una carrera contra el reloj biológico. Como si Randy huyera de algo, en los primeros minutos, sólo lo vemos de espaldas, con la cámara siguiéndole detrás de él. Su situación económica es delicada y se ve obligado a dormir en su furgoneta. Este inicio va a marcar el tono de la película.
Esta vieja gloria del cuadrilátero, cuyo mayor patrimonio son sus cicatrices de “guerra”, es un solitario pero frecuenta un night-club para ver a una streaper por la que siente devoción (una sugerente Marisa Tomei).

La melancolía, la soledad y el pasado son las notas predominantes en este arriesgado film. Visualmente impactante por momentos (flash-back) es una producción muy lograda, bien calibrada (se te va la mano y eres carne de telefilm), con una actuación hiper-realista de Mickey Rourke (el 80% del film), quizá por la total simbiosis con la naturaleza del personaje que interpreta. Consigue el Globo de Oro y nominación al Oscar (fue para el “Harvey Milk” de Sean Penn).