El estructuralismo fue una corriente que englobaba a muchos artistas experimentales, una especie de cajón de sastre para "raritos". Lo que importaba era la forma, el marco, la estructura o cimientos del cine como medio de expresión y una autorreflexión sobre la semiótica del medio cinematográfico. Estructura, proceso de creación y azar. En música, su máximo exponente fue John Cage. En filosofía iba dirigida hacia el conocimiento científico, la epistemología. Pero el cine no es una ciencia. La teoría es fundamental para la creación, pero, a su vez, está en función del resultado. Algunos cineastas "estructurales" eran verdaderamente pretenciosos y esnobs. No es el caso, porque, en definitiva, el arte conmueve nuestros sentidos o no lo hace y, cuando lo hace, también es conocimiento.

Un hotel barato de Manhattan convertido en una obra de arte. Muy bello y misterioso, como espacio físico y psíquico nos remite a Edward Hooper. Hoy diríamos que es muy "cool", "hipster" y "vintage", casi un hotel del exquisito Upper East Side, pero la realidad es que era un hotel para outcasts, para desclasados, desarraigados y alienados. Cada uno de los largos planos no remiten a un lugar sórdido, por el contrario, la propia forma lo transforma en un espacio muy hermoso, desde la recepción a la azotea, pasando por los largos corredores que evocan una prístina belleza o una inquietud misteriosa según estén filmados a una hora diferente y con un encuadre diferente. La posición de la cámara, el color, la luz artificial y natural reflectante que incide en las paredes creando distintas sensaciones, los ascensores que abren sus puertas parpadeantes, los clientes ocasionales, el baño, la maravillosa habitación......todo hace que me sienta absorbido por cada encuadre, por el marco y por cada movimiento elegante de cámara, hacia adelante, hacia atrás, hacia una época y lugar muy concretos. Ahí está su éxito, es todo un "testimonio de su época".
El final, con los planos panorámicos de Manhattan desde la azotea, muestra la arquitectura americana de la época con esos depósitos para el agua que me parecen antológicos. Es la mejor muestra del cine experimental o estructural junto con "The wonder ring" de Stan Brakhage. Dejaros llevar por ella sin prejuicios y la disfrutaréis.

La base de la película es un libro de Pierre Dumarchais, autor que desconozco, que era un polifacético artista y miembro honorario de la Patafísica, como Arrabal, Ionesco o Genet, cuya definición es: "La patafísica es la ciencia de las soluciones imaginarias " (Alfred Jarry). Sin embargo, esta película me recuerda a "El salario del miedo" más que a ninguna otra, por la atmósfera opresiva y el determinismo fatalista. Sería un nihilismo "agresivo" más que existencialismo pesimista francés ("La náusea" o "El mito de Sísifo") o el hiperrealismo absurdo de Ionesco. Está más cerca de Céline, que por muy amargado y ultraderechista que fuera, era un gran escritor. Porque aquí supongo que hablamos de valores artísticos , no de política, aunque a veces no lo tengo claro. Se ven puntuaciones altas a malas películas pero políticamente correctas. Las llamadas "necesarias" que en sí mimo constituyen ya todo un género.
Está muy bien escrita y la puesta en escena de Carné es muy buena. La película está muy bien rodada, iluminada y fotografiada. Jean Gabin es el mejor actor francés de la historia. Un animal cinematográfico. Alguien que nació para eso, según pensaba el gran Jean Renoir. Para mí es uno de los mejores actores "orgánicos" de la historia junto a Robert Mitchum. Su físico no es que fuera el adecuado para los papeles que interpretaban, es que eran el paradigma buscado por cualquier director que se precie. Junto a él, otro gran actor, Michel Simon.
Los giros argumentales de la película serían, para mí, el único punto débil de este gran film que busca una solución imaginaria ("patafísica") para sus asqueados personajes: el amor. En todo caso, es una gran obra del cine francés que cualquier cinéfilo debe conocer y admirar. Yo le daría un 8,5. Los que no la conozcáis, como era mi caso, disfrutadla.

Pequeña obra de cámara realizada con pocos medios y mucha inteligencia. El guion refleja el clásico dilema moral japonés entre el peso de la tradición y la libertad individual. Diálogos espléndidos entre personajes muy bien construidos. La realización es muy sencilla. Un filtro que oscurece la cámara da paso a las tribulaciones y reflexiones de los personajes. Aunque su duración es escasa para desarrollar el tema que propone y el final es algo brusco (como si se hubiera quedado sin presupuesto), la película es digna de todo un maestro del cine del que apenas conozco unas pocas películas.
Creo que Naruse está a la altura de Kurosawa (ayudante de dirección en esta cinta), Ozu o Mizoguchi. Un director totalmente infravalorado. ¿Para cuándo una edición de toda su obra?. Esta la tenéis en YouTube. No os la perdáis.

Es una película "rara" pero visualmente fascinante. Todos los recursos que el cine ofrecía en esos años (prácticamente todo se inventó entre 1900-1930) los utiliza Kinugasa con un criterio ponderado aunque la película sea un torbellino de imágenes, dado que el tema que narra es apropiado a la forma que emplea. Sin embargo, tampoco hay que sobrevalorar esta película porque no es tan rupturista e innovadora, salvo lo que podríamos llamar "suspensión del sentido o el significado" pero no hasta el punto de ser una película totalmente abstracta, inescrutable e incomprensible aunque tampoco tiene una explicación clara y deja que el espectador interprete el mismo según su sensibilidad, lo que la convierte en notable. Algunas de las fuentes en la que bebe esta película serían:
- El expresionismo alemán, especialmente "El gabinete del doctor Caligari", a la que el director cita expresamente , en cuanto al tema (el control mental y el hipnotismo, tan de moda en esa época) y el cine de Murnau en cuanto a la forma: la ausencia de rótulos ( "El último" ) y la imaginería visual (sobreimpresiones, perspectivas deformadas, violentos contrastes del blanco y negro y la iluminación, interpretaciones histriónicas y rígidas de los actores.....) en fin, toda la caligrafía visual del expresionismo.
-La escuela soviética del montaje.- Desde Eisenstein a Vertov y le va muy bien a la película pues conserva ese ritmo frenético y acelerado hasta el final.
Es una buena película que desarrolla esas influencias pero con un tamiz japonés y una idiosincrasia propia (por ejemplo, las bellas imágenes de la llegada de la primavera y los festejos con caretas que resultan muy "visuales"). Sin embargo no podemos situar a esta película al nivel creativo de obras superlativas como:
- "El Gabinete del doctor Caligari" ya que supone el nacimiento de una corriente estética en el cine que tiene que ver con todo un movimiento artístico y no solo cinematográfico. Los arquitectos y pintores que participaron en la misma hacen de ella, además de sus actores, un hito en la historia del cine.
- Con ninguna de las obras maestras de Murnau, y son muchas, porque ese estilo es suyo y la copia nunca ha sido mejor que el original.
- Con la escuela soviética por la misma razón.
- Y por último y mucho menos, con Dreyer . "La pasión de Juana de Arco" es una obra irrepetible que sería al cine el "liebestraum" , la transfiguración o arrobamiento que supuso "Tristán e Isolda" para la música, que, por cierto, es la forma de expresión artística mas sublime por excelencia.

Godard es un cineasta que nunca me ha interesado demasiado. Sí, es irritante, dogmático y el máximo representante del solipsismo en su acepción peyorativa. Cuando se pone a teorizar sobre el metalenguaje del cine y de la imagen parece que se pierde y al final no sabe de lo que está hablando. ¿Autismo?.
Por otro lado, es el director más inquebrantable y radical, en su acepción positiva, de la historia del cine. Nunca se ha vendido y su obstinada honradez es elogiable hasta el punto que llegó a "estrenar" sus trabajos para él y 20 amigos. Parecía que se hundiría en el abismo del olvido porque el arte es un medio de comunicación y parecía que él no comunicaba con nadie.
Moviéndome en esta contradicción, y habiendo visto la película en DVD (perdiéndome el efecto 3D) solo puedo hablar de ella limitadamente, pero me parece su mejor trabajo (de los que conozco) después de "Vivre sa vie". Todo lo que me molestaba en anteriores películas, sus constantes citas sin sentido y que me ponían de los nervios, su ilimitada pedantería, aquí parece encajar perfectamente en el contexto visual de la película.
Hipnotismo y fragmentación. Idea y metáfora (magnífico Platón-verdad-niños jugando a los dados). La idea de la fragmentación no es nueva en el arte: en literatura (desde los simbolistas franceses hasta la reciente y magnífica "Nocilla dream"), en música(desde hace un siglo y la música sincopada), en pintura,no digamos y también en el cine de Vertov (que tanto le influyó) que deconstruía la realidad para crear otra nueva pero estrictamente desde la misma (sin ficción ni actores) a través del tiempo (montaje) y el espacio bidimensional (collages y todo tipo de "trasgresiones" visuales). Y es, parece ser, eso, el uso artístico de la tercera dimensión lo que parece convertirla en más innovadora.
Por lo tanto felicitar la audacia de un octogenario que morirá en las trincheras independientemente de que gane o pierda. Siempre es preferible eso al aburguesamiento y la mediocridad del panorama actual