La ciudad de Glasgow (Escocia) en 1973 estaba pasando por un momento difícil. La ciudad contaba con algunas de las zonas más pobres de Europa Occidental, un hecho que llevó a la formación de "suburbios", que no cumplían algunos de los requisitos básicos para vivir (no tenían agua caliente, los baños eran colectivos y no había recogida de basura debido a una huelga). Un plan de vivienda para reubicar a esas familias estaba en marcha, su propósito principal es el traslado de estas familias a viviendas más dignas. Es con esta escena caótica de fondo (calles repletas de basura, ratas muertas y enfermedades al acecho) como comienza "Cazador de Ratas", una película visceral que ofrece un realismo cruel, inquietante y muy triste.

La guionista y directora Lynne Ramsay ("Tenemos que hablar de Kevin") centra la historia en la vida de un chico llamado James y su relación con su entorno. Sus "amigos", al igual que él provienen de un hogar pobre y sin ilusiones, algunos de ellos pecan de una gran inocencia y otros de una gran crueldad. Su padre tiene problemas con la bebida, pero, irónicamente, no es lo peor. Su madre lucha por cuidar a sus hijos, tratando de criarlos con las herramientas que la vida le ofrecía hasta ahora, siendo muy difícil proporcionarles valores y una educación adecuada.

El guion puede parecer simple a primera vista, pero solo es a primera vista, puesto que Ramsay se centra principalmente en destacar los elementos que no aparecen a simple vista en escena, el inconsciente de sus personajes: la agonía velada de que estos niños que se enfrentan a la vida con tristeza en sus ojos, la sexualidad distorsionada y la falta de comprensión de cómo deben relacionarse con la gente.

James es como una esponja que lo absorbe todo, siendo este un peligroso instinto procediendo de un lugar como ese, donde se expone a absorber muchos factores negativos. La posesión de cierta libertad que posee James para deambular por la ciudad es visiblemente perjudicial, sin embargo a veces es su única forma de escapar de tan terrible vida. El a veces visita las deseadas casas vacías diseñados para los que tienen menos recursos, siendo este su único sueño, tener un nuevo hogar, lejos de la suciedad degradante y simbólica, llena de ignorancia ... lejos de un pasado que todavía está presente.

Evitando la suavidad y elasticidad de la arcilla, Barta, el genio checo de la innovadora tecnica stop-motion, tenía miles de personajes y escenarios talladas a mano en madera dentada, tosca por su inusual estética de fantasía y horror, pero que dota de fuerza a las imágenes, logrando una belleza visual extraordinaria. Llena de falsas perspectivas, ángulos oblicuos y caminos imposibles, la película de Barta toma el cuento de los hermanos Grimm a través del cubismo y el expresionismo alemán, dejando un sabor claramente Checo.

El núcleo de la historia original se mantiene, un flautista misterioso que le ofrece al puedo de Hamelin hacer desaparecer las ratas haciendo sonar su flauta, a cambio de una recompensa. Sin embargo, el principio y el final son alterados para dar a la historia un tono más oscuro (opuesto a la mayoría de las adaptaciones de cuentos de hadas) y un mensaje más macabro y certero. Barta representa Hamelin como una guarida plagada de pequeños avaros, los ciudadanos realizan trabajos perversos,y alimentan a la codicia en todas sus formas. Probablemente no es un accidente que la ciudad sea golpeada por una plaga de ratas que parecen empeñadas en quitarle las únicas cosas que el pueblo de Hamelin ama, la comida, el dinero y las joyas. En el bullicio de este capitalismo en miniatura sin alma, la humanidad se ha torcido en caricaturas monstruosas.

Bronson es prácticamente un espectáculo de un solo hombre. Tom Hardy, un actor cuyo cuerpo es muscularmente esculpido, para ofrecer una actuación estrella, increíble e inolvidable que brilla con luz propia, logrando ser escalofriante, emocionante, divertido, aterrador, patético y peligroso a la vez. Bronson solo hace frente a la realidad y a las personas sólo cuando luchan contra ellos, en otras situaciones es un tímido, torpe y solitario con prendas ajustadas y un gran bigote. Es un hombre a quien nadie le prestaría atención, sin embargo, se trata de una persona que debe ser tenida en cuenta.

La pelicula ofrece una inmersión en el mundo de un personaje totalmente fascinante. Bronson, es el retrato de Michael Peterson, quien adoptó el nombre del actor para llegar a ser el preso más conocido de Gran Bretaña, un hombre tan reflexivamente violento que ha estado recluido en régimen de aislamiento durante 30 de sus 34 años de encarcelamiento. Se trata de un personaje excelente para construir una película a su alrededor, y el director danés Nicolas Winding Refn obtiene hasta la última gota de sudor de Hardy, que interpreta al peligrosamente carismático Bronson, como un dios olímpico con una inclinación por la floritura de Shakespeare y los instintos de un matón de bajo nivel.

La pelicula es una meditación sobre el arte de la rabia, una pintura de acción haciéndose pasar por una película de acción. Se trata de una película diferente y muy particular, que por momentos puede resultar chocante a causa de su extravagante hilo de narración tan poco convencional, pero sin duda se trata de una pelicula con mucho estilo con una coherencia visual impoluta y cuidada hasta el ultimo detalle, pero sin embargo, no se trata de una pelicula apta para todos los públicos, puesto que la pelicula contiene grandes dosis de violencia, que se muestra de una manera literal y sin concesiones, pero sin embargo, las escenas desprenden autentico lirismo arropado por los estándares de la ópera y la música clásica.

Burda imitación de los intocables de Eliot Ness que desiste en el intento para asemejarse a títulos como los mercenarios, con ritmo trepidante, aptitud en sus planos, reparto estelar, acción a raudales, que no logra salvar su nefasta creatividad e inexistente originalidad de sus diálogos

Aguirre, la cólera de Dios, es posiblemente la peliculas más conocida y celebrada de Werner Herzog, es un retrato de la obsesión y la locura, logrando ser una pelicula fascinante y absolutamente escalofriante. La película marca el comienzo de una legendaria colaboración entre Herzog y su actor principal Klaus Kinski. Es difícil imaginar a alguien más adecuado para el papel de Aguirre que Kinski. El actor había previsto en un principio interpretar a su personaje como un loco desvarío más convencional, pero Herzog insistió en que Aguirre se debía retratar de una manera más restringida, para transmitir la amenaza que suponía de una manera más sutil y eficaz.

Bajo la dirección de Herzog, Kinski logra crear uno de los personajes más grotescos y más memorables de su repertorio. Su Aguirre es un monstruo monomaniaco que está tan absorbido por sus ambiciones, tan seguros de su confianza en sí mismo que no logra ver los peligros reales de su alrededor, por lo que, inevitablemente, se convierte en el líder condenado de una misión suicida.

La película costó alrededor de 350 mil dólares, incluso entonces era un presupuesto ridículamente pequeño para una pelicula tan ambiciosa. El rodaje duro entorno a cinco semanas, y se llevo a cabo en la selva peruana, un calvario que exigía una planificación meticulosa y una considerable iniciativa por parte del equipo para realizar una compleja y muy exigente sesión de ubicación.

Uno de los puntos fuertes de la película es la forma en la que se componen sus planos, realizadas por el cineasta Thomas Mauch. Los movimientos de cámara desigual (una novedad en ese período) se suman al realismo y ofrecen un sentido inquietante de confinamiento. La impresión es que los conquistadores se ven atrapados en una trampa, totalmente a merced de fuerzas invisibles que los conducen a una fatalidad ineludible. Mientras tanto, la ubicación y fotografía, ofrecen un visión casi surrealista repleta de serenidad y esplendor natural, ofreciendo un contrapunto profundamente irónico a la vorágine frenética del miedo, traición y el sufrimiento que parece encubrir a los conquistadores.