Drama social que supuso el debut de Martin Ritt, uno de los directores más destacados de la llamada “Generación de la televisión”, película que ya avanza una trayectoria que va a estar marcada por el compromiso social. En “Donde la ciudad termina” Ritt nos cuenta una historia sólida y presenta a dos antihéroes atractivos, por un lado un chico joven y confundido que lleva un tiempo huyendo de sí mismo y de sus problemas familiares, y que se va hundiendo en un tobogán de exclusión y soledad, la vida le va asestando un golpe tras otro y le es imposible salir de una espiral de conflictos cada vez mayores, se nos brinda la oportunidad de ver a John Cassavetes, el futuro realizador pionero en cine independiente, como un actor que interpreta a un joven rebelde y frágil, tierno en cada momento. El otro gran personaje es la persona que, desde el primer día de trabajo como estibador, le echa una mano, lo acepta totalmente, sin límite alguno, y se convierte en el gran amigo que nunca tuvo, le hace ver la vida de otra manera, le hace ver que no puede seguir huyendo, le hace conocer gente, confiar en el otro, pasárselo bien, es un trabajador negro con el rostro de un soberbio Sidney Poitier.

Como si se tratase de una traslación del Neorrealismo italiano a suelo estadounidense, la película ofrece una mirada en la que se nos muestran los desperfectos patentes presentes en la sociedad americana: la corrupción, el racismo, el sexismo, la explotación laboral…, aderezado todo ello con una serie de rasgos claramente melodramáticos: el profundo trauma familiar del protagonista, la huella oculta pero indeleble de su pasado…, a fin de encaminar su relato hacia unas intenciones de regeneración moral de la comunidad. “Donde la ciudad termina” expone una serie de temas recurrentes en la obra más personal de Ritt, como es el del individuo que, apoyado ocasionalmente en el prójimo comprensivo, emprende una decidida lucha para sobreponerse a la opresión de los prejuicios y las discriminaciones relacionadas con la raza, el sexo o la clase social, desarrolla una historia en la que el protagonista ha de recuperar las riendas de su vida, perdidas debido a culpas personales e imposiciones ajenas, para lo que contará con la ayuda generosa y desinteresada de su compañero de trabajo, Tommy, el antes ya mencionado Poitier.

El prolijo espíritu crítico de la película, todavía vigente, se alza furioso desde el guion: la vejación que somete el villano de la función a sus subordinados y sobre todo a Tommy por ser negro, la velada homosexualidad o al menos bisexualidad del protagonista, la protesta de las mujeres por su condena a ser amas de casa, la denuncia de las tropelías cometidas contra los inmigrantes portorriqueños…, a la vez que aboga por la solidaridad de clase y la amistad interracial, lo que le granjearía numerosas dificultades presupuestarias por las dudas de la Metro Goldwing Mayer, luego confirmadas en las posteriores negociaciones con los exhibidores, sobre el rechazo que provocaría el tema en el sur del país.

Buen cine social y realista de los años cincuenta que además descubre la solvencia de dos intérpretes y un director que todavía darían muchísimo que hablar en la industria cinematográfica de Hollywood en las décadas futuras.