Captain Marvel ofrece una mezcla de sentimientos y emociones de diversos colores. No es una película repleta de acción, pero si repleta de conflictos. Una joven que no sabe quién es, no sabe a qué juega ni con quién. Poco a poco, se van hilando perfecta y claramente cada uno de los cabos sueltos. El uso de la paleta de colores lúcidos es genial y la cara de Brie Larson es iluminada, más de una vez, de diferentes colores y tonos de rojos y anaranjados: un detalle estético que suma. La actuación de la protagonista es muy completa y cumple las expectativas. Carol Danvers es cómica pero a la vez estoica, libre pero prisionera, débil pero poderosa. Los contrapuntos juegan de un extremo al otro, y Marvel Studios trae, quizás, la película más centrada en el ser humano y sus emociones hasta el momento. Grandes e icónicas apariciones de otros personajes ya pertenecientes al MCU (Marvel Cinematic Universe) generan nostalgia en los fanáticos y dinámica en la trama. Nicholas Fury (interpretado por Samuel L. Jackson) es un gran ejemplo de esto, sin él y su espléndida relación con nuestra Capitana Marvel, la película no tendría el motor que posee. El principal problema de la cinta reside en la vida que solía tener Carol antes de ser convertida en guerrera Kree. Sus amistades y relaciones que mantenía en la Tierra, se ven hasta forzosas e incómodas. Un ejemplo de ello es su vieja amiga, Maria Rambeau. Los momentos que comparten en pantalla son escasos de peso dramático y el espectador jamás puede vincularse o sentirse emocionado por su relación de "infinita" amistad. Para ya colocar el moño, Captain Marvel nos regala una película de inicios digna de una gran superheroína y magistralmente interpretada por Brie Larson. Es concisa, débil y humana.

Joker, es sin lugar a dudas, un gran acierto. En un comienzo, nadie creía posible que una película basada en DC Cómics (gracias, prejuicio) pudiera llegar a un festival tan grande, como es el de Venecia, y ganar el premio a "mejor película". Y no está mal merecido. Es una gran película. No excelente, ni única. Tiene sus falencias, que aunque son pocas, están.
Es un film muy crudo. Pálido. Duro. Incomoda al espectador y lo hace sentir mal. Cumple su propósito, y desquicia al público con las enfermas escenas que contiene. Me generó ese genuino miedo que, hace algún tiempo, me generó Repulsion (1965) de Roman Polanski. Joaquin Phoenix cumple con su rol de forma magistral. No tengo objeción alguna que hace para/con su interpretación. Me ha dejado mudo. También he perdido el habla cuando se habla de arte y fotografía. Frías, ambas dos. Y eso ayuda a la trama y a la película en sí. Y ya sabiendo que tiene muchos más aciertos que errores, me es más ameno comenzar a enumerar las pequeñas cosas que me han decepcionado, y/o molestado.
La estructura dramática está bien, aunque hay algunos elementos que son redundantes. Valores de producción que no hacen la menor diferencia estando o no estando, y miedo a irse por el lado difícil. Me es muy complicado decir esto sin soltar un spoiler, pero la historia tiene, pocos pero suficientes, huecos. Deja algunas incógnitas de logística (y no es que abunda de elipsis) y algunos elementos se sienten metidos casi a presión. Podrían prácticamente no estar, y la película sería mucho más rica. Y partiendo desde la estructura, vale la pena aclarar que Joker cae en un agujero genérico del cine sobre villanos: ¿por qué digo esto? Porque el film nos enseña cuán mal la ha pasado el personaje y fundamenta, no por completo, sus actos en base a eso: se empatiza con el antagonista; esta fórmula la hemos visto ya en la serie española La Casa de Papel (2017-2019) y Maleficent (2014), entre otras. Por ese motivo, creo yo, que un "nuevo" y dinámico género ha nacido para catalogar este tipo de películas. No digo que esté mal, pero el mensaje de la película termina convirtiéndose en esperable: "Este tipo no está tan mal, mirá la vida que tuvo: no sigas su ejemplo, ¡pero no es tan malo como creías, eh!".
En conclusión, Joker es una película que da mucho más de lo que pierde: es entretenida, dura, y llena de sentimiento. Recomendable, aunque no para cualquier audiencia. Es más pálida de lo que se cree.

Campanella mueve los hilos de esta peculiar historia con mucha cautela, a base de sátiras e ironías sobre el mundo laboral del cine. Una película que tiene grandes actores y actrices, y que toma la teatralización como eje por sobretodo.Una comedia dramática que sorprende, y que abunda de giros inesperados. La fotografía es bastante buena y la dramatización aún mejor. Muy buen trabajo de Clara Lago, que roba mucho tiempo en pantalla con su personaje.

Una película que salió de las profundidades de la total inercia que se llevó mi admiración. Desde la fotografía hasta la dirección del arte, ha cumplido con mis expectativas. La imágenes tienen un muy buen uso de luz natural, más una paleta de colores que simbolizan las emociones y sentimientos que atraviesan los personajes. Jamás hay algún contraste mal hecho y la iluminación de las velas en los primeros planos de los personajes es exquisita. Las actuaciones de las tres protagonistas (Olivia Colman, Emma Stone, Rachel Weisz) son realmente buenas. Quizás me ha dejado mucho que desear la actuación de Nicholas Hoult, pero tampoco ayudaba que su personaje fuese tan plano y satírico. El mejor personaje de toda la película definitivamente es Abigail, se nos muestra su evolución conforme avanzan los minutos. La historia tiene algunos simbolismos realmente interesantes. Hay algunas escenas innecesarias, sin peso dramático alguno, pero las dejamos pasar. Muy buen uso del sonido en los momentos de tensión. Se podría haber explotado mucho más la relación entre el personaje de Emma Stone y Joe Alwin. La mejor actuación de Stone hasta la fecha. El personaje de Anne es impresionantemente impredecible y sensible, lo que le da una dinámica muy interesante a la trama.

Pequeño análisis para hoy: Pola X (1999), de Léos Carax. Edita Nelly Quettier.
Basada en la novela “Pierre; or, The Ambiguitie”, de Herman Melville, es una película que intenta tratar el sentido de lo “real”. Es un tanto extraña, y tiene un tinte del director que suelen poseer sus películas: la crudeza y la gran capacidad de lo actoral. Todos sus personajes están muy bien interpretados. Guillaume Depardieu y Yekaterina Golubeva son increíbles. Ambos personajes poseen una evolución extraordinaria durante toda la cinta: terminan en un punto de fuga, donde sus historias se cruzan y sus evoluciones se entrelazan. Son fríos y opacos, pero tienen ese ingrediente―propio diría―del cine francés que logra algo más que mera empatía hacia sus protagonistas. Su complejidad y profundidad nos enseña más conflictos que soluciones; y eso es lo que enriquece su desarrollo. Son tan humanos como cualquiera de nosotros. Gracias a la excelente dirección y capacidad de los actores, la película se convierte en un film más que pálido y desesperador. Como suelen ser las películas de Carax, cerca del final, se rompe con lo real y se entinta de ese surrealismo tan típico de su cine. La fotografía y el arte hacen lo suyo y respetan la diégesis de la peli: poetizan y encrudecen el accionar de sus personajes. Se juega con la narración desde diferentes puntos de vista: el sonido cuenta una historia, mientras la fotografía y el arte otra. Una experimentación que ya hemos visto en la ópera prima de Léos Carax, Mauvais Sang (1986) y que, si bien no está presente en su último largometraje Holy Motors (2012), se hace un lugarcito en esta cinta. Y llego mi parte favorita de este conciso análisis: ¿qué sucede con el montaje? Abundan jumpcuts. No soy muy fanático de ver planos entrelazándose de esta manera, y no voy a negar que no me molestó al comienzo, pero uno tiene que meterse en el código de la película: si Nelly Quettier quiso utilizar jumpcut y no raccord, debe ser por algo. Juro que me rompió la cabeza por un buen rato. Yo lo interpreto como un quiebre de lo “real”. Alejarse del docuficción e ir preparándonos para el final. Son cortes abrumadores, desesperanzadores, ambiciosos. Ni bien intenté comprender su forma de montar, pude―casi―embelesarme con cada conexión entre planos. Sigo sin comprender por qué utlizó un corte en negro, mientras sus protagonistas siguen hablando en un plano símil al otro. ¿Para que no ocurriese un jumpcut? Eso desestimaría mi teoría. Plano de los personajes hablando, corte en negro por unos segundos, plano símil al antepenúltimo de sus personajes hablando. Tendré que digerirlo por unos días, y terminar desistiendo. Esto sucede también en Mauvais Sang, editada por la misma Quettier.
Si hay algo que reclamar a esta cinta, es su ritmo y forma. Por más poética que sea, hay veces que la información tarda tanto, pero tanto en llegar, que termina aburriendo. La primera hora, pasa muchísimo más lenta que la segunda. Sin embargo, es igualmente disfrutable. Hasta hace unas horas, no me terminaba de gustar. Leyendo todo lo que he escrito, entiendo que el cine de Carax tiene algo conmovedor. Algo que nos hace odiarlo, por unos minutos, y luego pararnos a aplaudirlo. ¿Quién pudiera contra él y su forma de interpretar el cine, no?