El salario del miedo se ambienta en una ciudad de un país latinoamericano en la que gobierna el hambre y la miseria. No hay trabajo, y la gente hace lo que sea para ganar dinero y conseguir algo que llevarse a la boca. Un día, una compañía petrolífera precisa transportar una ingente cantidad de nitroglicerina a una obra, para lo cual es conveniente contratar a muertos de hambre sin familia que realicen ese peligrosísimo trabajo que sólo alguien extremadamente desesperado (como es el caso de los protagonistas) aceptaría. Así, los jefes de la compañía encuentran en el pueblo donde se desarrolla la historia la cantera perfecta de donde sacar a sus hombres. Serán cuatro los que vayan: Mario (Yves Montand), Jo (Charles Vanel), Luigi (Folco Lulli) y Bimba (Peter van Eyck), repartidos en dos camiones.

A lo largo de la película vemos cómo las relaciones de subordinación y dominio van cambiando. Así, mientras que en un principio Jo aparecía como el hombre que partía el bacalao en el pueblo, a la hora de la verdad, cuando se trata de transportar todos esos kilos de nitroglicerina, demuestra ser un cobarde sin agallas que se caga de miedo.
Esta película de Clouzot bien podría ser una metáfora del trabajo en la que mostrar que, en el capitalismo avanzado, el riesgo que en teoría debería ser asumido por el empresario es en realidad asumido por el trabajador, lo cual no es ninguna tontería, puesto que la forma en que el director nos presenta al dueño de la compañía petrolífera, Bill O'Brien (William Tubbs), no invita a que nos parezca una persona de nuestro agrado, precisamente: sólo el hecho de que quiera contratar muertos de hambre cuya muerte nadie va a lamentar para realizar el trabajo nos da una idea de qué tipo de persona es, así como la forma en que despacha a la madre de un trabajador al borde de la muerte a causa de un accidente laboral.

Para señalar algo erróneo del filme, creo que la historia en sí tarda en llegar. Nos tiramos mucho tiempo con la presentación de personajes y bien se podría haber cortado metraje inicial, evitando así los 140 minutos que dura la película. Y por supuesto, otro error garrafal es ese final tan estúpido y absurdo que se carga la película y que parece escrito a última hora con la intención de reírse del espectador. Quizá si hubiese estado mejor cuidado podría haber funcionado, pero tal y como aparece en la película es desastroso.

Conan, el bárbaro, de Marcus Nispel, es una película que deja mucho que desear, que se reduce a un puñado de luchas, destrucciones y violencia, aunque sin duda la mayor catástrofe de esta mierda de película es su guión, horripilante hasta la médula.

No hay ni un solo personaje carismático en toda la puñetera peli, y sus “diálogos” consisten principalmente en gritos y gruñidos más propios de bestias que de hombres. Pero claro, es que Conan es bárbaro.

Tampoco existen en esta obra de Nispel esas gracietas que tan bien quedan en las películas de acción de este tipo, y los personajes, por mucho 3D que tengan metido, son planos hasta la extenuación.

Por otra parte, se ha optado por un montaje demasiado picado, hasta el punto de costar sangre, sudor y lágrimas leer el fotograma al completo, y no digamos ya si contamos con unas gafas para visión tridimensional, cuyos cristales oscuros entorpecen más que ayudan.
Siendo, de todas formas, la segunda mitad menos mala que la primera, la película da la sensación de tener velocidad pero no conocer siquiera el significado de la palabra “ritmo”. ¿Cómo es posible que un montón de escenas de acción, explosiones, sangre y villanos saltando por los aires sea algo aburrido? Pues Nispel lo ha logrado, haciéndome emitir los más sonoros de mis bostezos, únicamente silenciados por los berridos que pegaba Conan el bárbaro cada diez segundos de metraje.

Es triste, pero la película no vale ni como peli palomitera. El vestuario y el maquillaje se pueden salvar de la quema, pero todo lo demás, a la hoguera con ello.

Acabada la Segunda Guerra Mundial, y una vez Berlín ha capitulado, la ciudad trata de reconstruirse y volver a la normalidad. Susanne Wallner (Hildegard Knef) es una superviviente de un campo de concentración que regresa a Berlín para empezar de nuevo. Se encuentra con que en su casa habita el Doctor Hans Mertens (Ernst Wilhelm Borchet), aún no curado de las heridas psicológicas que le dejó la guerra, con quien, a base de compartir piso, vivirá una historia de amor.

Dirigida por Wolfgang Staudte, el principal interés de Los asesinos están entre nosotros reside en que se trata de la primera película producida por la DEFA (Deutsche Film-Aktiengesellschaft), el estudio cinematográfico de la ya desaparecida República Democrática Alemana.
Como no podía ser de otra forma en el cine de un país socialista, puede verse en la película la intención de los creadores de romper con el nazismo, algo que en otros países que también han padecido dictaduras, como es el caso de España, no podemos ni soñar. ¿O acaso alguien se imagina que el próximo taquillazo del cine español pueda ser una película en la que, al final, Fraga Iribarne es encarcelado por sus crímenes de Estado durante la dictadura?

Con influencia del Neorrealismo Italiano y con juegos de sombras traídos del Expresionismo Alemán, he de decir que Los asesinos están entre nosotros es una película que no está demasiado bien contada. El conflicto no termina de construirse bien, y en más de una ocasión tenemos la sensación de estar viendo una película en la que no está pasando nada.
La relación entre el Doctor y Susanne, lo siento pero no me la creo, y la justificación del principal tormento de él al final de la película me chirría bastante. La película empieza y acaba bien, pero entre medias tenemos un conjunto de imágenes que no sabemos muy bien qué es lo que nos quieren decir. Y al final ya descubrimos (¡ah!) que todo esto que hemos estado viendo viene por esto otro que ocurrió en el pasado. Lo siento, pero no me funciona.

En algunas ocasiones el montaje de la película es un pelín torpe, y uno no sabría decir si esa angulación de la cámara que inclina ligeramente la imagen está hecha adrede. Lo que sí llama la atención y es digno de reconocer son esos planos que muestran una Berlín en ruinas, destrozada, y cuyos planos recordaremos casi cincuenta años después cuando veamos El pianista, de Roman Polanski.

La apuesta de Canadá para los Óscar de este año no era en absoluto moco de pavo. Incendies, dirigida por Denis Villeneuve y basada en la obra teatral de Wajdi Mouawad, es una película potente y, desde luego, una de las más interesantes que nos ha traído este 2010.
Al igual que hiciera Costa-Gavras en su aclamadísima Z, la historia de Incendies se desarrolla en una ciudad y un país de los que no se especifica el nombre, aunque en el caso de la canadiense se intuye que se trata de Líbano. Dos gemelos, Simon (Maxim Gaudette) y Jeanne (Mélissa Désormeaux-Poulin), tras leer el testamento de su madre, Nawal Marwan (Lubna Azabal), deberán entregar una última carta que ésta le envía a su padre, a quien creían muerto; y a su hermano, del que desconocían su existencia.
Se desencadena a partir de esta premisa una sorprendente historia cargada de mitología griega acerca del amor, pero también acerca del odio, y de cómo éste se transmite de generación en generación, en gran parte motivado por la religión, dando lugar a terribles guerras y estableciendo las líneas maestras según las cuales el mundo se explica a sí mismo.
Lo primero que llama la atención en este filme de Villeneuve es su estructura narrativa, parece ser que respetando la obra teatral original y denotando un elaborado trabajo de montaje, cuyo desconcierto inicial viene acentuado por el parecido entre las dos actrices principales.
Incendies engancha, y logra dejar al espectador en su sitio y boquiabierto, ya sea a través de escenas que quedarán marcadas a hierro en nuestra retina, ya sea mediante efectivos, que no efectistas, giros de guión que demuestran el buen hacer de Villeneuve, co-guionista del film.

Por tanto, habiéndome dejado seducir por la apuesta visual tan realista que constituye Incendies y vivido toda una experiencia frente a la gran pantalla gracias a sus imágenes, no puedo sino empezar a tachar en mi calendario los días que faltan para el estreno de En un mundo mejor, de Susanne Bier, la cual, en competición contra esta de Villeneuve, fue la que se hizo finalmente con el Óscar a la Mejor Película de habla no inglesa. Claro que también fue la sobrevalorada El discurso del rey, y no Origen o La red social, quien quedó como gran vencedora de la noche, por lo que uno ya no sabe a qué atenerse.

Pasión es la primera película en color del director sueco Ingmar Bergman. En ella vuelven a repetirse los argumentos existencialistas tan comunes en el autor: existencia de Dios, sentido de la vida del ser humano, etc. Después de ver Pasión uno se da cuenta de que da igual que ajusticiemos al que ha cometido un crimen o ha hecho el mal, porque éste es algo exterior al ser humano, algo independiente de él. Podremos acabar con alguien que ha hecho algo malo, pero saldrá otro que haga algo peor, y después otro, y otro, por lo que cabe preguntarse qué sentido tiene nuestra existencia en un mundo en el que abunda el mal. Parece que únicamente podemos encontrar consuelo y desarrollarnos como persones mediante la vida de ermitaño, porque sólo así, alejados de toda civilización y, por lo tanto, de todo mal, seremos libres.