Cuando uno sale de ver El padre, tiene esa extraña sensación de saber que acaba de ver una maravilla, una película de les que quedan en la memoria, pero al mismo tiempo sale del cine destrozado, afectado y emocionado.
Hacia mucho tiempo que una película no me producía esta extraña pero impagable sensación.

La película de Florian Zeller es la adaptación a la gran pantalla de su propia obra de teatro. De hecho la película podría ser bien una obra de teatro filmada al estilo Un dios salvaje (Polanski 2011).

En su sencillez está su excelencia. La película no necesita más, que no es poco, que unos cuantos escenarios, dos intérpretes de nivel y un formidable guion.

Zeller empieza fuerte y sin concesiones. En su primera escena ya nos sumerge en este demencial mundo de las enfermedades degenerativas, en este caso el alzheimer.
A partir de aquí la película juega con el espectador, metiéndole de lleno en la confusión más absoluta que siente nuestro protagonista, un magistral Anthony Hopkins. Mención también a Olivia Colman, una interpretación muy contenida, pero que refleja muy fielmente el desgaste emocional y como viven los familiares una situación como esta.

Su escena final es probablemente la escena más desgarradora que recuerdo ver y sufrir en una sala de cine desde hace mucho tiempo. Impagable intercambio de palabras entre los dos protagonistas, acabando con "hay que aprovechar el buen tiempo porque no sabemos hasta cuando durará.

En definitiva, una de las mejores peliculas de los últimos años. Original, dura y sin concesiones.

No me considero Nolanista, pero admiro muchos sus películas y algunas de ellas como Interstellar o The Dark Knight me parecen de las mejores películas de las dos últimas décadas.
Es la segunda vez que Nolan aborda un hecho real, lo hizo ya con su aproximación al cine bélico con la correcta Dunkerque.

Recuerdo que cuando empezaron los rumores en 2021 de que Nolan quería llevar a la gran pantalla la biografía de Robert Oppenheimer, comenté con unos amigos de que este era EL proyecto que al fin podía consagrar al director británico-estadounidense en el olimpo de los más grandes. Para mÍ, llevar a cabo una historia real, aquella que a priori no te permite tomarte demasiadas licencias, es el género que conlleva más dificultad y responsabilidad a la hora de abordarlo.

Oppenheimer son tres películas en una. Por un lado, tenemos la parte de la creación de la bomba, por otra el interrogatorio al mismo científico y finalmente el juicio no juicio a Lewis Strauss, quien fue un destacado ingeniero, empresario y funcionario.

Durante sus dos primeras horas va intercalando con acierto las tres líneas argumentales. Gracias a su ritmo de montaje, su impecable fotografía, su extravagante pero emocionante banda sonora y un guion trabajadísimo. Nolan nos va presentando personajes históricos con diálogos interesantes y muy pedagógicos, con pequeños destellos que nos ayudan a situar y contextualizar la historia. Una historia compleja porque tiene sus haberes tanto en EUA, Alemania, Rusia o España entre otros.

Si hablamos de momentos, mención aparte merece toda la secuencia de la puesta a prueba de la bomba. Un crescendo espectacular con planos memorables como el de Oppie frente a frente con la bomba y un contraluz sublime.

Es a partir de aquí que la película sufre un bajón de intensidad y tragedia demasiado grande y la película no remonta como debería. Sus últimos 40 minutos se ven, pero ya no se disfrutan como las dos horas restantes. Además, su narración no lineal no ayuda en ese momento y confunde en exceso al espectador, dejándole a merced de que al final todas las piezas encajen. Y lo hacen, pero el tiempo para llegar a ello es demasiado y la película lo sufre.

Muchos han criticado el hecho de que Nolan pase completamente de mostrar las consecuencias de dichas bombas. De hecho, Nolan lo intenta con la escalofriante escena en que contrapone el discurso de agradecimiento y celebración del éxito del lanzamiento, con los pensamientos y alucinaciones que sufre Oppie. Para mí, a pesar de la fuerza de la escena, es insuficiente teniendo en cuenta lo que representó. Quizás sea algo intencionado para no romper con el tono y narración general de la película, pero se echa en falta más contundencia. Quién sabe si al final la culpabilidad de todo un país ha podido con el director.

Mención merece también todo su elenco de actores y actrices, desde Cillian Murphy pasando por Robert Downey Jr, Matt Damon o Emily Blunt.

Oppenheimer es seguramente lo mejor de lo que llevamos de año, pero no alcanza las cotas de excelencia que su director alcanzó con títulos ya mencionados debido a una narración algo confusa para un biopic y una tercera parte demasiado tediosa en comparación al ritmo y contundencia de las dos primeras partes.

Sin duda, Barbie es ya por méritos propios la película del verano. A priori un logro esperable cuando a finales del 2022 se confirmó su estreno para estas fechas. Además como dato hay que tener en cuenta que el presupuesto de marketing, 135 millones, supera el coste de producción de la película, 131 millones. Aun así no era una tarea fácil, antes de ella se han estrenado películas llamadas a recaudar y dejar huella en las salas; la quinta entrega de Indiana Jones, la primera parte de la séptima entrega de Misión Imposible y la apuesta de Pixar para este verano, Elemental.

El ya confirmado fracaso de las películas anteriores dejaba prácticamente vía libre a la película dirigida por Greta Gerwig por coronarse como el éxito de este verano. Solo tenía una contrincante, y vaya contrincante, Oppenheimer. ¿El resultado? Bombazo de Barbie dejando a lo nuevo de Nolan muy lejos, al menos a nivel de recaudación y popularidad.

Greta Gerwig es la encargada de dirigir está libre adaptación de la popular muñeca creada hace ya décadas, y lo hace con su haber en las espaldas de dirigir la muy recomendable y premiada Lady Bird (2017) y la nueva adaptación del clásico Mujercitas (2019).

Analizando sus anteriores proyectos, pocas cineastas como ella podían echar palante un proyecto como este y convertir la película en una obra de empoderamiento femenino, descubrimiento y resurgir de un personaje femenino. Ya lo hizo con las mencionadas Lady Bird y Mujercitas.

Porque Barbie habla de esto, del empoderamiento y del descubrimiento de la identidad femenina a través del personaje interpretado por una brillante Margot Robbie, acompañada por un Ryan Gosling sublime, brillante e hilarante interpretando a Ken.

El guion coescrito por la misma Gerwig y su pareja también director Noah Baumbach, director de la notable y deprimente Historia de un matrimonio (8), es otro de los grandes puntos fuertes de la película. Durante las casi dos horas no hay tiempo para el aburrimiento, sus gags satíricos, su crítica al patriarcado y sus muchas referencias cinematográficas (Matrix, El padrino, La liga de la justícia...) hacen que la película se va bien y su ritmo no decaiga.

Muy acertada también su escenografía del mundo de Barbieland, que da mucho juego en sus primeros quince minutos y innumerables números musicales.

El único problema radica en el mal de muchas películas últimamente, la duración. El mensaje cala, se asimila y se entiende, por lo que recortar unos diez o quince minutos del final le habría venido muy bien ya que a momentos se hace un poco redundante.

En definitiva, Barbie es todo lo que podíamos imaginar viniendo de Greta Gerwig, un film divertido, crítico y satírico, con mensaje directo al patriarcado y también a un sector del feminismo. Además, tiene tiempo para ponerse serio y sentimental con un final lleno de simbolismo.

Cloverfield (2008) fue un auténtico bombazo en su momento. Recuerdo seguir su estrategia de marketing con un hype increíble y verla en el cine con asombro. Un espectáculo increíble, un realismo brutal y por momentos una experiencia terrorífica.

Hace dos años llego su continuación, Calle Cloverfield 10 dirigida por Dan Trachtenberg, un gran producto de ciencia ficción. Claustrofóbica, tensa, llena de suspense y con un potente final.

Ahora llega por sorpresa la llamada a ser la secuela de los dos títulos anteriores.
La verdad es que la película arranca de forma fenomenal, nos pone en contexto rápidamente y empezamos a sentir las conexiones con, al menos, Monstrusoso/Cloverfield.

El problema? Que su director y guionistas nos bombardean con situaciones y escenas que desvían nuestra atención para, al final, ser solo relleno. Otro problema son los numerosos clichés del género; personajes planos, traiciones, enfermedad a bordo, sacrificios y esto teniendo en cuenta que los otros dos films del universo rompían con sus respectivos subgéneros.

Además, la película es un acto de fe constante. Tenemos que creernos todo lo que nos dicen, digerirlo y aceptarlo. Lo hacemos porque esperamos un momento en que aparezca la conexión, sobre todo para aquellos fans de la saga.

Al final la conexión llega y de qué manera. Solo su escena final vale los 100 minutos de la película.

Por fin llega a nuestras pantallas Napoleón, la esperada nueva película de Ridley Scott protagonizada por uno de les actores de moda actuales, Joaquin Phoenix. Cumple la película las grandes expectativas? A medias.
Scott tiene en su haber algunos de los títulos más importantes de la reciente y no tan reciente historia del séptimo arte, Alien, el octavo pasajero (1979), Blade Runner (1982), Gladiator (2000), Black Hawk Down (2001), El reino de los cielos (2005) o American Gangster (2007). Es decir, no hace falta ensalzar su persona porque sus películas hablan por él.

Ahora nos presenta su enésima incursión al cine épico de capa y espada, antes he nombrado sus títulos más sobresalientes dentro de este género, pero no hay que olvidar su última y notable película , El último duelo (2021). En 2010 dirigió sin tanta suerte una nueva versión de Robin Hood, protagonizada por Russell Crowe.

El multipremiado director nos ofrece un retrato extenso del ascenso y declive del emperador francés con su gran estilo audiovisual. Actualmente no se me ocurre otro director que sea capaz de dirigir batallas con la maestría y artesanía de este hombre. Hay que valorar que ya no se hacen películas así. Obviamente en la película hay CGI, pero se nota mucho que en sus grandes escenas bélicas, Scott a prevalido lo real a la digital. Cada una de les batallas, especial mención a la Batalla de Austerlitz, son espectaculares. El sonido de los cañones, los disparos, los gritos, los planos aéreos generales de la caballería cargando y la crudeza del combate son aquí la gran baza de la película.

Podríamos decir que el film se articula a través de las batallas y de la relación de amor entre Napoleón y Josephine.

Si Scott nos deslumbra, impacta y encoge en la butaca con las batallas, en el retrato que hace de la relación de amor ya no sale tan victorioso. Su principal problema es su protagonista. Phoenix no transmite nada. Quizás su objetivo era ese, hacer un retrato lo más frío posible, pero el problema es que nos deja con la sensación de que a la película le falta alma. Crea un personaje demasiado vacío y en sus escenas no bélicas se nos hace cargante. Por contra Vanessa Kirby se come la pantalla. Su actuación no era fácil, Josephine es seguramente el personaje más importante de la película, porque como bien le dice a Napoleón "Sin mi no eres nada". Un diez para ella.

Tampoco ayuda a la película su montaje. Sabemos de la existencia de la versión extendida, y la esperamos con ansias. Hay muchos momentos, sobre todo al inicio y al final que se nota en exceso el recorte de metraje. Los personajes viajan y actúan sin saber muy bien porque. Falta explicación. A la película seguramente le pasa lo mismo que a El reino de los cielos (2005), su primera versión era un tanto fría, pero su versión extendida es ya una de las grandes obras de su director.

En definitiva, hay que reivindicar Napoleón como una película de las que ya no se hacen y de las que cada vez tendremos menos oportunidades de disfrutar. Le falla carisma a su protagonista y más explicación.

PD: No voy a valorar la exactitud histórica porque sino tendríamos que hablar de Braveheart, Gladiator, Lawrence de Arabia, entre otras.