Es difícil averiguar qué lleva a una persona a la que no le gustan los niños a ver un documental sobre bebés, pero el caso es que no pude evitar acudir al cine el mismo día del estreno.

75 minutos después, sin haber escuchado ningún diálogo, solamente habiendo visto como cuatro niños se forman, porque los vemos antes de ser ni siquiera persona, estando en la barriguita de mamá (lo siento, quería evitar frases cursis como esta), salí del cine con la misma idea sobre los niños pero habiendo disfrutado de las tonterías y estupideces que van cometiendo.

Durante la película vemos a estos niños arrastrándose por el suelo, metiéndose todo tipo de cosas en la boca, jugando con sus mascotas, aprendiendo a caminar, recibiendo sus primeras duchas. Y aunque todas estas acciones son las mismas, las formas en las que las llevan a cabo son muy diferentes. Se hace muy evidente que Ponijao, Mari, Bayar y Hattie proceden de sitios muy diferentes, Namibia, Japón, Mongolia y Estados Unidos respectivamente. Las costumbres, el trato que tienen sus padres con ellos e incluso las mascotas que les acompañan son muy diferentes. Bayar se pasa el día prácticamente solo en casa con su hermano y su gato, sin supervisión paterna. En cambio, Hattie no se queda sola ni un instante. Ponijao se pasa el día con su tribu, llena de otras mujeres y niños, aunque sin presencia de hombres adultos. Mari quizás es la más equilibrada, aunque su padre sigue estando más ausente.

Lo mejor de todo el documental, a parte de los niños y sus monerías, es la fotografía. Hay que decir que ayudan mucho los paisajes de Namibia y Mongolia, pero aún así todas las imágenes están rodadas con mucho cariño y los planos están muy bien escogidos, hecho que tiene mucho más mérito teniendo en cuenta que los niños no son actores y sus acciones son (bastante) inesperadas.

Aviso: No os asustéis si estáis solos en el cine rodeados de mujeres embarazadas.

La película nos plantea primero un dilema: qué es mejor el original o una copia? Y poco a poco nos va haciendo ver que una buena copia siempre es mejor que un original malo, todo esto a partir de conversaciones sobre arte.
A parte del tema artístico, el principal argumento es la relación que se produce entre una galerista francesa afincada en Italia y un escritor inglés que se encuentra de paso presentando su libro (el que habla sobre copias y originales, de ahí los diálogos).

Ella está muy interesada por conocer al escritor y acaba consiguiendo concertar una cita. Él va a verla y pasan un día juntos. Y durante esas horas que pasan juntos vemos todas las facetas que ocurren en una relación, desde el tonteo inicial hasta el hastío final. Observamos como se producen los primeros momentos íntimos, las primeras conversaciones que van creando cierta complicidad. Y cuando todo va bien, paran en una cafetería, la camarera se piensa que son un matrimonio y toman este rol. Entonces empiezan los reproches, las recriminaciones, los recuerdos de un pasado que (como no) fue mejor. Más tarde conocen a una pareja que acaba de casarse y vemos en ellos la ilusión inicial, sobre la que el inglés se muestra frío y escéptico. Ella en cambio sigue mostrando la cara triste a la par que romántica de la pareja, como cuando se cruzan con una pareja de ancianos y observa que desea un futuro así.

Gran parte de la fuerza de la película se encuentra en los diálogos entre los dos protagonistas, entre los que cabe destacar el que tiene ella con su hijo mientras esperan su hamburguesa, el que se da con él escritor al principio mientras están en el coche y el que ella mantiene con la camarera de la cafetería. Hay que admitir también que en algunas ocasiones se vuelve excesivo el uso de las palabras y podría evitarse fácilmente. Por otro lado hay que destacar algunos aspectos de la fotografía, que considero genial en general, sobretodo por la gama de colores que se utiliza y la saturación (los preciosos pueblos de Italia también ayudan), aunque también los encuadres tienen una gran calidad. No hay que olvidarse tampoco de los maravillosos planos en los que la cámara actua como un espejo (por ejemplo cuando ella se está pintando los labios en la trattoria o cuando él se lava la cara en la pensión) o en los que parece que los personajes se están dirigiendo a nosotros cuando mantienen diálogos. Simplemente geniales.


Finalmente destacar el trabajo de los actores, sobretodo el de Juliette Binoche, a la que tenía cierta "manía" que se ha ido esfumando poco a poco después de ver bastantes de sus películas, entre las que destacaría azul, código desconocido, las horas del verano, breaking and entering y, por supuesto, copia certificada, que le hizo ganar el premio a la mejor interpretación femenina en mi querido Cannes. El intérprete del escritor inglés es un barítono que nunca había participado en ningún film y al que también hay que felicitar por su trabajo.

El viernes me dejé pasar por el cine para ver Midnight in Paris el mismo día del estreno muy en plan fan, aunque nada que ver. Las críticas eran buenas, de hecho muy buenas. Se decía que era lo mejor de Woody Allen desde Match Point, aunque en mi opinión Si la cosa funciona le da mil vueltas a Match Point. La cuestión es que fui al cine con muchas ganas, esperando ver una gran película, casi una obra maestra. Y más teniendo en cuenta que era que era el film que abría la actual edición del siempre genial Festival de Cannes, hecho que me sorprendió en su día y que todavía me tiene confundida.

En la película encontramos rostros conocidos como Owen Wilson (Woody Allen en versión joven y no tirillas), Rachel McAdams (con un rubio poco favorecedor), Michael Sheen (genial en tono pedante), Marion Cotillard (que sigue sin gustarme), Carla Bruni (a secas) o Adrien Brody (sin duda de lo mejor de la película). ¿Qué más decir de ellos a parte de lo ya dicho? Las interpretaciones en general no son demasiado remarcables, exceptuando la de Adrien Brody y Michael Sheen. Nunca había visto un Dalí tan divertido e interesante como el interpretado por Brody, el momento que me sacó más risas. En cuanto a Sheen, muy apropiado haciendo el papel de chico/hombre pedante, aunque sobre pedantería hablaremos más adelante, la cuestión es que odiamos a Michael Sheen una vez más. Y muchos os preguntaréis, ¿y Owen Wilson qué? Pues sí, lo hizo bien, pero yo tuve la sensación de que Woody Allen se había metido dentro de él, de que él sólo estaba en cuerpo. Daba un poco de miedo. Así que como copia está muy bien, como personaje original ya es más complicado. Pero no podemos darle la culpa de esto a Owen Wilson, sino más bien a Allen por querer ser el protagonista de todas sus películas aún no actuando en ellas.

Bueno, y ahora vamos a hablar un poco de la película. Centremos en los primeros minutos. Vemos planos de París. Planos y planos. Llegó un momento en el que esperaba algo como: París te espera, ven a pasar las vacaciones a la capital francesa, o cualquier eslogan similar acompañado de una cara parisina conocida. Pero no, esos eran los primeros planos de Midnight in Paris. Planos, que sí, eran bonitos, pero creo que demasiado extensos, tanto en cantidad como en duración.

(sigue sin spoiler)

Nos encontramos frente a una película excelente en la que sobran los diálogos porque, ¿quién ha dicho que los protagonistas de una película tengan que hablar?. Kim Ki-duk nos muestra que cuando las imágenes tienen suficiente potencia y suficiente carga simbólica las palabras se vuelven complementos de los que es fácil prescindir.
Se trata de una obra de arte más que de una película. Los planos y las composiciones que encontramos son bellísimos y muy poéticos. No pretende contarnos una historia, sino más bien transmitirnos una serie de sensaciones, ideas, conceptos e incluso críticas. Porque son muchas las cosas que se critican en el film: el maltrato, los sobornos a los funcionarios públicos, la propiedad privada, entre otras.
El protagonista se mete en casas vacías, lava su ropa, come su comida, riega sus plantas, utiliza su cama, repara lo que no funciona y se va. Hasta que una de esas casas no está vacía. Hay en ella una mujer, triste, maltratada, que lo vigila, que lo observa sin sentirse intimidada por esa presencia ajena. Y cuando su marido vuelve y se dispone a maltratarla por enésima vez, ella no duda en fugarse con el misterioso inquilino sin mediar una palabra. Y así vuelve a empezar el ciclo de meterse en otras casas, esta vez en compañía.
Y la película transcurre y nos muestra como estos dos personajes que viven encerrados en si mismos se abren para compartir con el otro su soledad, que parece ser el único sentimiento con el que se sienten a gusto.
El “Hierro 3” es el palo menos usado de golf. Es ese palo que casi siempre se queda dentro de la bolsa, que nadie usa, al que nadie hace caso. Hierro 3 son los protagonistas de la película. Él, una persona que vive al margen de la sociedad, que vive en casas que no son de su propiedad, que aprende a volverse invisible para mostrarse solo a quien desea, ella, que vive encerrada en un matrimonio que la maltrata, que la hace invisible.
Finalmente, solo añadir que la imagen final es una de las más bellas nunca vistas en el cine y hace del final de la película uno de los más bonitos jamás vistos.

Tras un tanteo en el género del thriller con El tercer asesinato, Hirokazu Kore-eda ha vuelto a su especialidad, retratar familias japonesas. Con su último film, Un asunto de familia, ha vuelto a adentrarse en los lazos parentales y lo ha hecho a partir de esa manera tan suya, íntima, delicada e incisiva. La película ha resultado un éxito en festivales obteniendo la Palma de Oro en el Festival de Cannes, la candidatura al Oscar como mejor película de lengua extranjera e impulsando la concesión al director del Premio Donostia en el Festival de San Sebastián como reconocimiento a su aportación al mundo del cine.
Un asunto de familia es una de las mejores obras del realizador, cuyas películas nos hacen reflexionar sobre la sociedad japonesa contemporánea y los entresijos de su sistema legal. Remite a su anterior film Nadie sabe, en el que también se habla de esos niños invisibles para la sociedad ya que no figuran en ningún registro. La diferencia primordial radica en que en esta última la familia no está ligada por lazos sanguíneos.
La historia comienza cuando un padre y su hijo deciden acoger a una niña a la que han visto varias noches encerrada en el balcón con la intención de darle de comer y cobijo durante una noche pero empiezan a ver señales de abuso y deciden quedársela. ¿Se considera secuestro? Eso mismo se preguntan los personajes pero no les importa. Poco a poco vamos dándonos cuenta de que no existe relación de consanguinidad entre ellos sino que su vínculo se sustenta en los delitos que cometen. El autor nos hace plantear si estos lazos que uno escoge pueden ser más fuertes. Todo se tuerce tras una detención y parece que los tiempos de soledad se van a volver a apoderar de nuestros protagonistas pero el director nos deja un hilo de esperanza en las secuencias finales.
Kore-eda ha contribuido a la regeneración creativa del cine japonés con sus dramas acerca de la pérdida y el agridulce acto de vivir. Lo trascendente de su obra es la capacidad de superar fronteras culturales y geográficas para tratar valores universales.