Antes de dirigir a Meryl Streep y a Philip Seymour Hoffman como protagonistas de su película, John Patrick Shanley escribió La duda como pieza de teatro y ganó un premio Pulitzer por ella (dato localista: la obra fue representada en Bs. As. por Susú Pecoraro y Fabian Vena en el 2006). En ella se trata una cuestión muy discutida sobretodo en los últimos años, aunque la trama está situada en 1964: la pedofilia en el seno de la Iglesia católica.

Pero no es tan simple. En realidad lo que Shanley hace es tomar lo oscuro de ese delito como eje para darle dinámica al desarrollo de la historia y hacer que realmente la duda fluctúe constantemente. Para generar esa sensación, que traspasa el film hasta llegar al propio expectador, hace uso de las distintas variantes de significación que un episodio puntual puede llegar a tener según quién y cómo lo mire. Tal es así que a medida que transcurren las escenas nuestros pensamientos pueden inclinarse por creerle a uno -Streep en la piel de un estereotipo de monja estricta y severa que deja ver pequeños gestos de humanidad- o a otro- un Hoffman que encarna al padre afable y progresista sospechado de ese atroz comportamiento. El sacerdote aparece dibujado de una manera lo suficientemente ambigua como para confundir, pero sin llegar a alejarnos de una pelea interna por deducir si estamos siendo influenciados por la seguridad de su acusadora. Esta última no tiene ninguna prueba, solo su criterio y el conocimiento de un hecho que la anima a querer confirmar su teoría.

Su punto mas fuerte puede encontrarse en que brinda la posibilidad de imaginar varias historias de vida alrededor de los personajes, mediante insinuaciones y algunos datos concretos, lo cual sostiene la intención inicial de la trama sin desfigurarla. Aunque los más exigentes pueden hallar algunos puntos flojos en su realización, los dejarán pasar fácilmente si logran rescatar el núcleo del film. La duda escarba en los planteos más íntimos sobre la frontera entre las convicciones y los prejuicios. Y nos puede dejar un sentimiento de real confusión al respecto.

Para los que sentimos cierta admiración por este personaje público, político, tornero con diploma de presidente brasilero, las expectativas generadas por un film que narre su infancia y juventud son grandes. El arte cinematográfico puede ser un elemento de búsqueda de sentido, de exploración del por qué y del cómo de las cosas. Desde el vamos, recorrer los orígenes de un líder cuya vida sabemos tiene tintes épicos, suena muy atractivo. De todas formas, para alguien que se desentusiasma rápido de los primeros vislumbres, es normal ir al cine con ciertos recaudos. Tener en cuenta que la película está basada en la biografía que el mismo Lula autorizó, que el protagonista está vivo, apoyando a su sucesora presidencial, por mas que se lo admire, respete o lo que se quiera, corta un poco ese halo de heroísmo que solemos darle a estas personas tiempo despues de su paso por el mundo.

El período contado es el que va desde su nacimiento en el seno de una familia muy humilde, numerosa, de padre ausente y sostenida por su madre, quien es el hilo narrativo hasta que muere sabiendo que su hijo es un lider sindical aunque ignorando un destino aún mayor. Para el que leyó algo sobre su vida las situaciones con las que se enfrenta el ahora personaje cinematográfico no sorprenden, como suele pasar al ver esta clase de films, lo cual no le resta valor a los demás ingredientes. La realización general, los escenarios y las actuaciones hacen en conjunto una buena pieza. El joven Lula es interpretado por Rui Ricardo Diaz -que según refieren los títulos hace su presentación- quien logra sacar los gestos mas distintivos de Lula al hablar o al emocionarse, ademas de que cierto parecido físico lo ayuda a hacer un buen papel (uno se imagina que luego de tamaña presentación, es probable que le pase lo que a varios actores, no poder despegar su imagen del personaje que lo hizo conocido). La otra protagonista es Glória Pires en la piel de la madre amorosa pero fuerte como un roble. Esta actriz brasilera es muy conocida por sus telenovelas y llegada a un período de madurez puede decirse que es lo mejor del film, con su rol logra el objetivo de interpretar la entereza, los valores y la dignidad que guían a Lula durante la trama.

En cuanto a lo narrado, llaman la atención dos cosas: no se menciona a la madre de su primera hija (historia alrededor de la cual Collor de Melo le arrebató varios votos en 1989) y no se hace demasiado hincapié en lo ideológico de su lucha política. Sobre esto último, se muestra a un Lula adentrado en el activismo sindical mas por una necesidad de distraer su mente tras la trágica muerte de su esposa embarazada, que por un visceral interés e identificación con las luchas obreras. Pareciera que su carisma y dotes de líder lo pusieron en ese lugar y que él aceptó encabezar una pelea justa pero no tan propia.

En conclusión, hay que verla como lo que es. Una historia de vida, algo edulcorada, de un personaje de suma importancia para la política contemporánea pero que bien podría ser la de cualquier persona que nació en circunstancias adversas y logró sus objetivos. Como ya referimos, lo atractivo de la biografía de Lula es la parte del por qué y del cómo un chico pobre y con poca educación formal llegó a la presidencia de su país pero justamente esa es una respuesta que no debe esperarse de esta película (y está bien).

Resulta sencillo comprender lo que reflejan los primeros minutos de la película: Linda Hanson tiene una hermosa familia. Vive con su marido Jim y con sus dos pequeñas hijas en la casa que la joven pareja eligió años atrás para formar su hogar.

Una mañana, como cualquier otra, Linda despierta sola en su cama porque Jim tuvo que hacer un viaje de negocios y no pasó la noche en casa. Lleva a las chicas al colegio, regresa para realizar los quehaceres domésticos y suena el timbre. La típica imagen del alguacil que viene a dar una mala noticia está en la puerta: “¿Señora Hanson? ¿Linda Hanson?, lamento informarle que… su esposo… ha tenido un terrible accidente…”. Jim murió esa noche en la carretera cuando un camión embistió a su automóvil.

A partir de ese instante, la comprensión de los hechos ya no puede ser lineal en el tiempo: Linda despierta otra vez, una mañana como cualquier otra, y para su sorpresa, Jim estaba en casa. Sin saber aún si la muerte de su esposo fue o no una simple pesadilla, las escenas comenzarán a confundirse entre el sueño y la realidad, entre el pasado y el presente, entre la razón y la locura.

Sandra Bullok (Linda Hanson), quién se hizo famosa por su personaje en “Máxima velocidad”, es la chica que encaja en todos los papeles y que no necesita cambiar su fisonomía para ser graciosa, conflictiva, tímida, exitosa o fracasada. Sandra es una actriz madura que quiere girar su carrera hacia papeles cada vez más complejos y dramáticos. La acompaña muy bien el australiano Julian Mcmahon (Jim Hanson), quien posee una corta carrera cinematográfica y es más conocido por series televisivas como “Nip/Tuck”.

El film cumple con los requisitos de toda película de suspenso: una historia que invita a adivinar que es lo que va a suceder, música intensa en las escenas adecuadas y momentos de tensión que permiten, al menos, mantener una constante expectativa. Desde el título, que por cierto no es muy original, la receta que el director alemán Mennan Yapo usó para preparar su opera prima, resulta tentadora. “Premonición” no va a quedar en los anales del cine ni va a marcar un estilo en su género, sólo da lo que promete durante 96 minutos: otra película de suspenso.

Algunos podrán pensar (me incluyo) que esta película española no tiene nada que envidiarle a films del mismo estilo realizadas en la meca del cine comercial (léase Hollywood, claro), tales como “Los otros” o “Sexto sentido”. El orfanato nos sumerge en un mundo fantasmagórico lleno de presentimientos y espera constante.

La trama gira en torno a Laura y a su pequeño hijo adoptivo Simón, quienes junto al padre de familia se mudan a una antigua casona en medio de la nada. El lugar supo ser -justamente- el orfanato en el que Laura vivió durante su niñez y el objeto de la mudanza es el deseo de esta mujer de reabrir el hogar y amparar a niños discapacitados.

Simón tiene algunos amigos imaginarios con los que comparte juegos en la casa, nada extraño para un nene de su edad que no cuenta con la cercanía de otros chicos en ese solitario paraje.

La historia se va configurando como bisagra entre el pasado y el presente del lugar: desde que Laura jugaba con sus compañeros del orfanato hasta que su vida adulta se reencuentra con la de su infancia. El quiebre de la trama es la desaparición de Simón, cuya búsqueda guía a su madre, entre la desesperanza y lo paranormal hacia la revelación del sórdido secreto que esconde la casa.

Con muy buenas actuaciones y una fotografía que, sin dudas, es el resorte que mantiene los sentidos en vilo, esta lograda película del joven director J.A. Bayona atrapa por su impecable realización y entusiasma por su calidad.

Considero a las "películas de asesinos seriales" como a un género en sí mismo y tengo predilección por aquellas basadas en hechos reales (por ese condimento extra de saber que la realidad supera a la ficción). Films como "The Barber", que son totalmente de ficción, deben pasar por un filtro extra para ser de mi agrado. Así como "Pecados Capitales" y "Seven" pasaron con éxito esta prueba que les impuse, con "Ted Bundy", que en reglas generales me parece bastante mala, hice la vista gorda ante varias cuestiones por la historia real en la que se sostiene.

En "The Barber", el personaje principal (Chris Coy) es el hijo de un policía que fue la sombra de un asesino serial que se salió con la suya. Veinte años después, el joven cree haber encontrado al criminal en otra ciudad viviendo bajo una identidad diferente: la de un apacible anciano (Scott Glenn), barbero de profesión, un buen vecino que va a la iglesia y que es respetado por su comunidad. La excusa para acercase a él es la de ser un admirador suyo que quiere conocer la clave para no ser atrapado en su incipiente carrera de asesino. A partir de acá, ya no se qué contarles porque no distingo si es spoiler o no. Con una realización de este tipo vamos intentando anticipar todo el tiempo lo que va a pasar y la gracia es que ninguna de nuestras teorías sea la correcta o que, al menos, la idea sea presentada de una manera original. La película nos acerca hechos que al momento de ser "develados" no resultan ser ninguna sorpresa. Y esa es su mayor debilidad, no haber encontrado ese toque disruptivo imprescindible para no caer en el olvido.

"The Barber" no logra construír una historia con la suficiente solidez y tensión psicológica que debería tener para no convertirse en un conglomerado de lugares comunes. Que Scott Glenn esté bien en su papel, no es suficiente. Las actuaciones son en general mediocres... aunque no se puede hacer mucho más ante un guión que no desafía a correr ningún riesgo (mas que el riesgo de asesinar a un género).