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Críticas de DelaParty
29 de enero de 2015
4 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil
Wild se basa en el viaje iniciático de Cheryl, una mujer que quiere recorrerse el Pacific Crest Trail de punta a punta. Veremos el duro proceso por el que pasó el personaje en el que se basa el libro orginal. El film no se centra en descubrirnos un nuevo sendero para hacer turismo mochilero con impactantes escenarios bucólicos, es un viaje interior en el que descubrimos las causas que han llevado a la protagonista a embarcarse en este objetivo.
Camina con unas botas pequeñas que dificultan su camino, un camino repleto de dolor tanto físico como psicológico y una mochila en la que porta sus problemas, con la que no puede y deberá ir deshaciéndose del peso poco a poco, para librarse de las cargas que le harán superar su pasado y su desafío.
Observamos cómo sus pensamientos evolucionan, desde el miedo más primario a quedarse sin comida o a ser violada por viajar sola y dejarle al borde de la retirada desde el principio; a la necesidad de redención y superación de sus fracasos en su matrimonio o la muerte de su madre (Laura Dern).
La actuación de Reese Witherspoon brilla más en los momentos de la nueva Cheryl luchadora que en los de la antigua Cheryl de los flash-backs con tendencia auto-destructiva. Es un buen papel para una actriz ciertamente encasillada, que le aleja del glamour del star-system de Hollywood y catapulta su actuación de mujer guapa pero cansada, sucia y con los pies llenos de ampollas a la nominación al Oscar. No así, la actuación de madre optimista de Laura Dern, que inculca a su hija valores de superación, es más homogénea y destacable.
Aunque a veces los flashbacks se hacen algo repetitivos marcando el mismo dolor continuamente, el ritmo de la película se mantiene constante. Cae en cierto sentimentalismo y grandilocuencia en alguna ocasión, sobre todo en la escena final, pero por lo general no trata de encumbrar como heroína a un personaje muy humano, que sufre un verdadero proceso de transformación a lo largo del metraje y nos hace recordar su condición de debilidad de principio a fin (haciendo la “croqueta” con la mochila al intentar cargarla, cuando el grupo de tres senderistas le dicen que es una reina porque le regalan todo o con sus planteamientos internos en el puente).
Una película que produce una irremediable sensación de deseo de viajar para liberarse, para descubrir y para cambiar. Agradable para los fans de otras películas del estilo, pero sencilla en comparación con las mismas.
Camina con unas botas pequeñas que dificultan su camino, un camino repleto de dolor tanto físico como psicológico y una mochila en la que porta sus problemas, con la que no puede y deberá ir deshaciéndose del peso poco a poco, para librarse de las cargas que le harán superar su pasado y su desafío.
Observamos cómo sus pensamientos evolucionan, desde el miedo más primario a quedarse sin comida o a ser violada por viajar sola y dejarle al borde de la retirada desde el principio; a la necesidad de redención y superación de sus fracasos en su matrimonio o la muerte de su madre (Laura Dern).
La actuación de Reese Witherspoon brilla más en los momentos de la nueva Cheryl luchadora que en los de la antigua Cheryl de los flash-backs con tendencia auto-destructiva. Es un buen papel para una actriz ciertamente encasillada, que le aleja del glamour del star-system de Hollywood y catapulta su actuación de mujer guapa pero cansada, sucia y con los pies llenos de ampollas a la nominación al Oscar. No así, la actuación de madre optimista de Laura Dern, que inculca a su hija valores de superación, es más homogénea y destacable.
Aunque a veces los flashbacks se hacen algo repetitivos marcando el mismo dolor continuamente, el ritmo de la película se mantiene constante. Cae en cierto sentimentalismo y grandilocuencia en alguna ocasión, sobre todo en la escena final, pero por lo general no trata de encumbrar como heroína a un personaje muy humano, que sufre un verdadero proceso de transformación a lo largo del metraje y nos hace recordar su condición de debilidad de principio a fin (haciendo la “croqueta” con la mochila al intentar cargarla, cuando el grupo de tres senderistas le dicen que es una reina porque le regalan todo o con sus planteamientos internos en el puente).
Una película que produce una irremediable sensación de deseo de viajar para liberarse, para descubrir y para cambiar. Agradable para los fans de otras películas del estilo, pero sencilla en comparación con las mismas.
Documental
2013
3 de agosto de 2014
12 de 12 usuarios han encontrado esta crítica útil
Sencillo documental que hace un recorrido cronológico por la vida de la icónica Divine. Tiene vídeos de archivo con entrevistas a Glenn Milstead que son una verdadera gozada.
Las sucesivas intervenciones a los dreamlanders y resto de gente que rodeaba a Divine, crean una crónica muy completa del personaje. Me ha gustado verlos a todos (los que siguen vivos) de nuevo con casi 40 años de más.
Un documental que todo fan debería conocer, siempre se aprenden nuevas curiosidades y datos. Se hace muy corto y se agradece.
Qué grande fue Divine en todos los sentidos. Para mí el icono por excelencia del cine underground, como Marylin Monroe, pero algo más filthy.
Las sucesivas intervenciones a los dreamlanders y resto de gente que rodeaba a Divine, crean una crónica muy completa del personaje. Me ha gustado verlos a todos (los que siguen vivos) de nuevo con casi 40 años de más.
Un documental que todo fan debería conocer, siempre se aprenden nuevas curiosidades y datos. Se hace muy corto y se agradece.
Qué grande fue Divine en todos los sentidos. Para mí el icono por excelencia del cine underground, como Marylin Monroe, pero algo más filthy.
Argylle: Agente secreto
31 de julio de 2014
15 de 23 usuarios han encontrado esta crítica útil
Hay muchos tipos de espectadores cinematográficos. Yo soy de los que disfrutan con una buena historia, que van al cine para soñar, ver más allá y descubrir. He visto Boyhood y he descubierto algo nuevo, he visto más allá de los aparentes esquemas convencionales, pero desgraciadamente no me ha hecho soñar. Me ha hecho recordar, y todo el mundo sabe qué mala fue la década de los 2000 para la sociedad.
La película se basa en una propuesta muy ambiciosa y perseverante, filmar durante 12 años reales a los mismos actores y evitar así la caracterización/cambio de actores para crear las elipsis temporales del film. Con esta premisa tan innovadora, ya es de agradecer el trabajo de producción y el visionado, pero ese estado de maravilla no te dura las casi 3 horas de película.
El paso del tiempo es de un realismo puro, así como su captación. El guión está hecho para que no veas historia alguna, porque aparentemente no la hay. Es pura cotidianidad llevada al cine sin salirse de los esquemas narrativos de la ficción. Es la historia de cualquiera, sus personajes son reales y comunes, eso provoca que el espectador encuentre similitudes con su propia vida en todo momento. No nos cuenta la historia de este chico y su familia, nos guía por las diferentes etapas para que recordemos la nuestra.
Nos recrea la vida sureña en EEUU que al otro lado del charco no conocemos, pero te hace pensar qué comunes somos al fin y al cabo todos los humanos. Todos vivimos la campaña para la presidencia de Obama, la etapa emo de algunos adolescentes con pretensiones de singularidad, el "Oops, I did it again" de Britney Spears, el 11-S...
Lo bueno de la película es la coralidad de su protagonismo, lo que provoca una múltiple identificación del público en los distintos personajes. Seguro que muchas mujeres madres de familia se identificarán con la crisis maternal de Patricia Arquette al darse cuenta lo rápido que crecen sus hijos.
Además se ve una homogeneidad técnica a lo largo de la película, pese a todos los cambios tecnológicos surgidos en el nuevo milenio. Punto que se agradece, pues hace que el espectador sólo vea el paso de los años mediante los personajes y no mediante la calidad de la imagen.
Divertida a veces y aburrida en ocasiones. El experimento ha resultado exitoso, pero en la post-producción podrían haber utilizado más la opción de cuchilla y se hubiera mostrado el mismo mensaje con 1 hora menos de película. Gracias Linklater, por al menos innovar en estos tiempos y por hacerme darme cuenta de que la adolescencia no fue sólo mala para mí.
La película se basa en una propuesta muy ambiciosa y perseverante, filmar durante 12 años reales a los mismos actores y evitar así la caracterización/cambio de actores para crear las elipsis temporales del film. Con esta premisa tan innovadora, ya es de agradecer el trabajo de producción y el visionado, pero ese estado de maravilla no te dura las casi 3 horas de película.
El paso del tiempo es de un realismo puro, así como su captación. El guión está hecho para que no veas historia alguna, porque aparentemente no la hay. Es pura cotidianidad llevada al cine sin salirse de los esquemas narrativos de la ficción. Es la historia de cualquiera, sus personajes son reales y comunes, eso provoca que el espectador encuentre similitudes con su propia vida en todo momento. No nos cuenta la historia de este chico y su familia, nos guía por las diferentes etapas para que recordemos la nuestra.
Nos recrea la vida sureña en EEUU que al otro lado del charco no conocemos, pero te hace pensar qué comunes somos al fin y al cabo todos los humanos. Todos vivimos la campaña para la presidencia de Obama, la etapa emo de algunos adolescentes con pretensiones de singularidad, el "Oops, I did it again" de Britney Spears, el 11-S...
Lo bueno de la película es la coralidad de su protagonismo, lo que provoca una múltiple identificación del público en los distintos personajes. Seguro que muchas mujeres madres de familia se identificarán con la crisis maternal de Patricia Arquette al darse cuenta lo rápido que crecen sus hijos.
Además se ve una homogeneidad técnica a lo largo de la película, pese a todos los cambios tecnológicos surgidos en el nuevo milenio. Punto que se agradece, pues hace que el espectador sólo vea el paso de los años mediante los personajes y no mediante la calidad de la imagen.
Divertida a veces y aburrida en ocasiones. El experimento ha resultado exitoso, pero en la post-producción podrían haber utilizado más la opción de cuchilla y se hubiera mostrado el mismo mensaje con 1 hora menos de película. Gracias Linklater, por al menos innovar en estos tiempos y por hacerme darme cuenta de que la adolescencia no fue sólo mala para mí.
29 de abril de 2014
2 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
"Yo no miento nunca. Yo cuando digo una cosa se convierte en verdad" Y AMÉN. De ahí viene el título. Como ella misma diría: ¡Paco León, eres un hijo de la gran puta! más bien, hijo de una grande. La película, miremos como lo miremos, es Carmina. María León está estupenda y Yolanda Ramos lo borda, para mí de lo mejorcito. Pero reconozcamos que Carmina no es sólo la cara del film, es el guión, el engranaje de todo, el carácter y el alma. Si hay que ponerle un pero, serían los desenfoques continuados a lo largo de la cinta, pero eso qué importancia real tiene.
Paco León ya se olvida de esa película liviana, sencilla, amateur, que fue su estreno como director. "Carmina y amén" es más elaborada, más divertida, abandona los artificios del falso documental para crear una verdadera historia pero manteniendo el carácter natural de todos sus personajes (incluidos sus nombres reales) y ese toque independiente de bajo presupuesto y de principiante que es el estilo visual de la película.
Me ha recordado a un Almodóvar que traslada todo ese mundo del director manchego a un nuevo discurso y circundado de la cultura andaluza. Se ve esa importancia de las mujeres como personajes absolutos de la historia, esa figura de mujer fuerte, esa coralidad en algunas escenas (como la conversación de las vecinas sobre la marihuana terapéutica). Me ha recordado a un "Volver" donde tenemos a la vecina que fuma cannabis, donde se muestra esa vida rural, donde se ve a una mujer preocupada por al economía de su hogar y el bienestar de los suyos.
Carmina es todo un personaje y se merece una trilogía. Te olvidas de su ordinariez por su presencia, sus actos y su carisma. Es una película muy cómica en la que te ríes a pulmón, en la que pese a finales amargos acabas con una sonrisa. Carmina es una diosa en la que terminas creyendo al finalizar el film, la adoras y la rezas si hace falta, porque ella puede venderte lo que sea, cuando dice una cosa se convierte en verdad. Creamos en el Carminismo, como una manera de viabilidad de apostar por el cine español y que lo disfrutemos y valoremos.
Carmina y amén.
Paco León ya se olvida de esa película liviana, sencilla, amateur, que fue su estreno como director. "Carmina y amén" es más elaborada, más divertida, abandona los artificios del falso documental para crear una verdadera historia pero manteniendo el carácter natural de todos sus personajes (incluidos sus nombres reales) y ese toque independiente de bajo presupuesto y de principiante que es el estilo visual de la película.
Me ha recordado a un Almodóvar que traslada todo ese mundo del director manchego a un nuevo discurso y circundado de la cultura andaluza. Se ve esa importancia de las mujeres como personajes absolutos de la historia, esa figura de mujer fuerte, esa coralidad en algunas escenas (como la conversación de las vecinas sobre la marihuana terapéutica). Me ha recordado a un "Volver" donde tenemos a la vecina que fuma cannabis, donde se muestra esa vida rural, donde se ve a una mujer preocupada por al economía de su hogar y el bienestar de los suyos.
Carmina es todo un personaje y se merece una trilogía. Te olvidas de su ordinariez por su presencia, sus actos y su carisma. Es una película muy cómica en la que te ríes a pulmón, en la que pese a finales amargos acabas con una sonrisa. Carmina es una diosa en la que terminas creyendo al finalizar el film, la adoras y la rezas si hace falta, porque ella puede venderte lo que sea, cuando dice una cosa se convierte en verdad. Creamos en el Carminismo, como una manera de viabilidad de apostar por el cine español y que lo disfrutemos y valoremos.
Carmina y amén.
23 de marzo de 2014
3 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
Don Quijote ya no porta una lanza, sino un boleto propagandístico que asegura 1 millón de dólares. Don Quijote ya no monta un rocín, en su lugar se acomoda como copiloto en un coche. Ahora sus enemigos ya no son los gigantes –molinos-, son tan sólo personas del pasado que devoran con egoísmo la complaciente inocencia de un viejo. Don
Quijote sigue demente, conserva a su fiel Sancho Panza que le acompaña en el camino de locura en el que está sumergido, aunque Dulcinea está un poco más envejecida y tiene incontinencia verbal. Don Quijote ahora se llama Woody Grant y protagoniza Nebraska.
Alexander Payne nos embarca en el camino hacia los sueños frustrados de un hombre que nunca opinó, que nunca eligió su camino y es ahora, sumergido en una senil demencia, cuando es el camino quien lo posee y le hace enfrascarse en un viaje a su pasado para obtener sus aspiraciones de futuro.
La película es clara desde un principio. Refleja sus objetivos de manera tan explícita como las marcas de neumático en la tierra que deja la camioneta en los áridos caminos hacia Nebraska. No hay giros de guion inesperados, no hay amores de carretera que alimenten de manera vacua el argumento, no hay una subconsciente rivalidad fraternal entre los hermanos Grant que quite protagonismo al viaje, no hay ases en la manga.
Hermosos planos fijos que nos muestran la realidad de la situación de los personajes. La película es tan clara y limpia como su color en blanco y negro. Una estética nada azarosa, que nos ayuda a ambientar una historia cargada de sobriedad, de la falta de alegría que tiñe un paisaje árido de costumbrismo norteamericano, de vejez. Un cromatismo que nos evoca al pasado del cine, así como al de los personajes de la película, porque la película gira en torno a eso, las rencillas del pasado que se airean en el presente. Un blanco y negro que nos centra tan sólo en las personas, que evita
distracciones de cualquier carácter para sólo fijarnos en ellas y sus relaciones entre sí.
Es por ello que este film está cargado de antropocentrismo, en el sentido más humanístico de la palabra. Se centra en tres ejes principales: La vejez, las relaciones paterno-filiales y en esa codiciosa (y esperanzada) búsqueda del sueño americano. Payne se sirve de esa búsqueda del millón de dólares como punto de partida, para tratar
estos temas.
(Sigo en spoiler por falta de espacio)
Quijote sigue demente, conserva a su fiel Sancho Panza que le acompaña en el camino de locura en el que está sumergido, aunque Dulcinea está un poco más envejecida y tiene incontinencia verbal. Don Quijote ahora se llama Woody Grant y protagoniza Nebraska.
Alexander Payne nos embarca en el camino hacia los sueños frustrados de un hombre que nunca opinó, que nunca eligió su camino y es ahora, sumergido en una senil demencia, cuando es el camino quien lo posee y le hace enfrascarse en un viaje a su pasado para obtener sus aspiraciones de futuro.
La película es clara desde un principio. Refleja sus objetivos de manera tan explícita como las marcas de neumático en la tierra que deja la camioneta en los áridos caminos hacia Nebraska. No hay giros de guion inesperados, no hay amores de carretera que alimenten de manera vacua el argumento, no hay una subconsciente rivalidad fraternal entre los hermanos Grant que quite protagonismo al viaje, no hay ases en la manga.
Hermosos planos fijos que nos muestran la realidad de la situación de los personajes. La película es tan clara y limpia como su color en blanco y negro. Una estética nada azarosa, que nos ayuda a ambientar una historia cargada de sobriedad, de la falta de alegría que tiñe un paisaje árido de costumbrismo norteamericano, de vejez. Un cromatismo que nos evoca al pasado del cine, así como al de los personajes de la película, porque la película gira en torno a eso, las rencillas del pasado que se airean en el presente. Un blanco y negro que nos centra tan sólo en las personas, que evita
distracciones de cualquier carácter para sólo fijarnos en ellas y sus relaciones entre sí.
Es por ello que este film está cargado de antropocentrismo, en el sentido más humanístico de la palabra. Se centra en tres ejes principales: La vejez, las relaciones paterno-filiales y en esa codiciosa (y esperanzada) búsqueda del sueño americano. Payne se sirve de esa búsqueda del millón de dólares como punto de partida, para tratar
estos temas.
(Sigo en spoiler por falta de espacio)
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama.
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