... así que George Pal hizo nuevamente uso de su gran ingenio y lo transformo esta génesis como un producto de una Guerra Nuclear, convirtiendo magistralmente el sonido de la sirena usaba para llamar a los trabajadores al comienzo de su jornada en una señal de alarma de un ataque aéreo. Estos cambios, a pesar de parecer significativos, no traicionan el espíritu de la novela y es sin duda alguna El Tiempo en sus manos la versión más fiel llevada al cine.

Tanto Wells como George Pal tiene la capacidad de sintetizar algo complejo de forma que sea comprensible por la inmensa mayoría, por ejemplo Wells nos explica claramente los conceptos de Tiempo y cómo podemos desplazarnos en él de forma bastante didáctica. Crea una máquina sin apenas caer en detalles descriptivos o funcionales, simplificando el control de este complejísimo mecanismo capaz de realizar la torsión del espacio-tiempo en una palanca que si la movemos hacia delante va al Futuro y si la movemos hacia atrás va al Pasado, mostrándose el tiempo transcurrido en un contador. Vemos como eso queda perfectamente plasmado en el film y como George Pal nos muestra algo tan abstracto como el transcurso del tiempo magníficamente a través de los objetos cotidianos y de los cambios que se producen en la naturaleza y que nosotros -prisioneros del tiempo- a simple vista no percibimos, utilizando para ello técnicas de stop-motion. El Tiempo por tanto no es solo medido por lo que indica el indicador de años, sino por actos que el viajero del tiempo ira viendo como el florecer de una rosa o la construcción de un edificio. George Pal añade también al viajero del tiempo pequeñas paradas (no contempladas en la novela) en su viaje hacia el futuro y notando el transcurso del tiempo no sólo en el entorno cambiante, sino en las costumbres y en las personas que va dejando atrás. De esta forma consigue que el salto cuantitativo tan enorme en el tiempo sea asimilado por el espectador.

Respecto al reparto destacar a Rod Taylor como “el Viajero del Tiempo”, su interpretación encaja a la perfección dándole un nivel de credibilidad y de similitud que se aproxima al personaje de la novela, añadiendo a su ansiosa curiosidad científica y su moralidad victoriana (algo adelantada). Alan Young como el fiel e ingenuo amigo "el escritor" y la hermosa actriz Yvette Mimieux en el papel de la eloi llamada Weena hacen un trabajo correcto, teniendo en cuenta las limitaciones que la propia historia les tiene designada a estos personajes.

La música está a cargo de Russell Garcia que mediante sus composiciones donde toman protagonismo los violines impregnan un carácter melancólico al viaje del viajero del tiempo.

“El Tiempo es sus manos”, es titulo imprescindible para cualquier aficionado del cine y amante de la Ciencia Ficción. Se podría –permítanme esta comparación- considerarla como un reloj mecánico de cuerda, quizás no tenga toda la exactitud que pueda tener un reloj digital, pero guarda en él un cierto encanto.

...y que para ello nadie nos ha preparado y que ni la religión ni nuestro raciocinio pueden darnos respuestas del porqué se justifica esta pérdida. O'Barr nos habló entre sus páginas de que la rabia más grande por el vacío producido por una perdida no puede ser saciada con una justicia (divina o humana). La ira por tal sinrazón no puede apagar el dolor por la pérdida arrancada, pero la sangre de los causantes puede menguarla. Por tanto, la violencia que vemos en la película no es gratuita sino que es una fiel imagen de la ira que retiene el personaje.

El papel de Eric Draven está magistralmente llevado a cabo por Brandon Lee, que no sólo se adaptaba perfectamente aportando su atlético cuerpo y melancólico rostro, sino que con su interpretación consiguió sus cotas más altas en su truncada carrera. Carrera que terminó fatalmente en el rodaje de esta película con un disparo en una de las escenas de tiroteos y que hizo plantearse al equipo no finalizar el rodaje, viéndose obligados los responsables a usar imágenes digitalizadas del mismo actor en algunas escenas. Brandon Lee hace del personaje que sea creíble, mostrándonos como un hombre enamorado y culto (capaz de citar a Poe o a Milton) se transforma en un ser oscuro y lleno de furia, transmitiendo perfectamente al espectador todo el dolor y el odio que Eric encierra.

La valía de un hombre se mide por la importancia de sus enemigos, y en El cuervo también podríamos trasladarla en lo que respecta a lo interpretativo, destacando a Michael Wincott en el papel de Top Dolar (Días extraños) como el psicópata que antepone sus intereses a cualquier ápice de humanidad; a David Patrick Kelly (The Warriors) haciendo de T-bird ese líder desalmado que siente arrepentirse cuando ve su final; la sensual y manipuladora Ling Bai (El laberinto rojo) en el papel de Myca y Jon Polito (Muerte entre las flores) que lo borda haciendo del "entrañable" usurero Gideon.
Respecto al resto del reparto lamentar el desaprovechamiento del personaje de Shelly Webster, que si bien es uno de los ejes centrales en el cual giraba la obra, en la película sólo es un recuerdo de Eric, sin todo el peso y carga que podría mostrar su inmensa perdida.

En relación a la banda sonora, la música está llevada por Graeme Revell (La caja china) el cual hace un correcto trabajo realizando su "score". Pero el peso emocional de la misma está en la selección de canciones de grupos de hard rock, y heavy metal que dan forma y fuerza al camino de la venganza tomado por Eric y recrea los ambientes donde deambulan los criminales. Destacando el tema "Burn" de The Cure, que se creó expresamente para esta película.

En definitiva, El cuervo es un film imprescindible no sólo para los aficionados a los cómics o fanáticos del mundo gótico, sino para cinéfilos amantes del cine de acción, para almas asqueadas de tanta injusticia y para aquellos que creen que la muerte no puede arrebatarnos lo que más queremos.

Costner quería traernos un mensaje sobre que el hombre primitivo no siempre es el más salvaje, sobre lo que hemos perdido por convertirnos en un ser civilizado, sobre nuestro desarraigo con la naturaleza, sobre el respeto a cualquier ser vivo. En definitiva una reflexión sobre aquellos que hemos tenido que perder en el camino para llegar a ser lo que somos, y sobre todo, un homenaje a la Nación India.

Kevin Costern, más allá del gran trabajo tras las cámaras realiza una ejemplar labor dando vida a este hombre blanco con corazón de indio. Uno de sus mejores papeles junto con los trabajos en Los Intocables de Eliot Ness, JFK y el Guardaespaldas, los mejores papeles que ha realizado en su desafortunada carrera.

Pero no podemos pasar por alto los inolvidables personajes como: "Pájaro Guía" (Graham Greene) con su paciencia por comprenderlo todo, el coraje y lealtad de "Cabello al Viento" (Rodney A. Grant), la ternura de "De Pie con el Puño en Alto" (Mary McDonnell) y la sabiduría templada por los años de "Diez Osos" (Floyd 'Red Crow' Westerman).

La banda sonora corre a cargo de John Barry (Memorias de África, Cowboy de medianoche, Goldfinger), el cual plasma la majestuosidad del horizonte y los sentimientos que recorren a Dunbar. Las melodías se convierten en un poema a la amistad, a la armonía con la Madre Tierra y al verdadero sentido de la libertad. Con un ritmo algunas veces pausado, se aleja del sonido que se puede encontrar habitualmente en cualquier película del western anteriormente hecha, sino en el drama épico que en la frontera americana acontece.

Si existiera algo que achacarle a esta cinta sería su elevada duración de casi 3 horas (inicialmente Kevin Costner quería hacerla en 5) y que en algunos momentos pueda parecer demasiada pausada o contemplativa. Por lo demás es una película muy recomendable para todo aquel que piense que el cine no es más que un negocio, que no puede cambiar la forma de ver la vida.

Por último y para aquellos que tienen esta película entre su favoritas tengo que traerles una buena noticia, ya que posiblemente se ruede una segunda parte que continúa con las peripecias de Dunbar, ya que se basará en la siguiente novela de Michael Blake y que tuvo una buena acogida: The Holy Road, en la cual se baraja que en esta secuela, el actor que podría hacer de Dunbar es Viggo Mortensen (Alatriste).

La película podría tomarse como un auténtico decálogo de como auto-destruirse, un descenso a los infiernos, tachándola de provocadora, de polémica, de insoportablemente cruda, desoladora y marginada hasta el punto que su cartel original, en el que se mostraba un Keitel totalmente desnudo, se censuró. Anónima en sus personajes, carentes de nombres propios. Decenas de calificativos que podrían añadirse a este film, convirtiéndose en una obra que no deja indiferente al espectador. Pero en el fondo Abel Ferrara simplemente nos muestra un viaje a la redención sin paliativos.

La música la lleva a cargo el genial Joe Delia, apenas audible en la película, donde el sonido de fondo es casi tomada por las emisiones deportivas en las cuales el teniente realiza sus apuestas y que se convertirán en el único “compañero de trabajo” que acompañará al teniente.

En el año 2009 el director Werner Herzog ha filmado (bajo la amenaza de muerte de Abel Ferrara) un remake del mismo nombre “Teniente corrupto: port of call New Orleans” (2009) donde traslada la historia a otra ciudad y a otros personajes, y supongo que con un aire más políticamente correcto. Curiosamente, con el mismo productor de la original, Edward R. Pressman Film.

Este herético largometraje sería impensable que se hiciera hoy en día: por las productoras, por el público juvenil, por la Iglesia, por la sociedad conservadora… pero no por Abel Ferrara, el director incorrupto.