Segunda asociación entre Tony Scott y Denzel Washington. Tras descartar el director y su productor Lucas Foster ambientar el film en Italia y sus capos mafiosos, se deciden por Méjico, con excepcional acierto. El guión corre a cargo de Brian Helgeland, nominado al Oscar por “Mysitc River” en 2003 y ganador en 1998 por “L.A. Confidential”.

Una película de acción, con una dirección, por así decirlo, muy activa. Tony Scott se mantiene fiel a su inconfundible estilo videoclipero, de montaje muy dinámico, cámara en mano y potente banda sonora, que incluye algunas tonalidades mejicanas, de Harry Gregson Williams (seguirá trabajando con Tony Scott en “Deja Vu” y “Asalto al tren Pelham”, además de colaborar en “Las crónicas de Narnia”).

El principio recuerda que en América Latina se produce un secuestro cada 60 minutos y el 70% no sobrevive. De hecho, el fenomenal arranque nos muestra y nos sumerge en la dinámica de los secuestros en apenas unos planos.

Marc Anthony y Radha Mitchell son los padres de Dakota Fanning, una familia adinerada de Ciudad de Méjico al borde de la bancarrota, que contratan a Denzel Washington como guardaespaldas, en una actuación que está posiblemente entre lo mejor de su carrera.

El currículum del guardaespaldas (Washington) es espectacular. Es serio, metódico y cumplidor. Después de haber trabajado 16 años en el ejército, está acostumbrado a todo tipo de situaciones pero tiene una pega: bebe. La relación con la niña, con la que al principio choca (“Me pagan para protegerla, no para ser su amigo”), va a más, uno de los aspectos más cuidados del film.
Lupita (Dakota Fanning) es una niña dulce, pero al ser objetivo de secuestros, apenas tiene amigos, algo que se ve reflejado en el regalo de su padre y en su afecto hacia su protector, con el que debe pasar bastante tiempo.

Tony Scott se supera en esta cinta, que además de acción, plantea una dura crítica hacia la corrupción y la violencia, respondida con más violencia, algo que se ha criticado, aunque personalmente me parece algo muy logrado en el personaje de Denzel Washington, porque te implicas con él, además de que es una consecuencia lógica dadas las circunstancias del personaje. La película gana en acción y en emoción.

Tony Scott define la historia como una “sucesión de inesperados giros de gran contenido emocional”. Pues eso.

Son tantos los halagos que ha recibido, que uno, con la tranquilidad y el sosiego que da la lejanía del boom de los Oscar, cree que va a ver una de esas películas inolvidables que quedan en la memoria por algún tiempo.
El film de Katheryn Bigelow tiene para mí un 10 en la escala de los batacazos entre lo esperado y lo recibido.

El que más o el que menos sabe que los Oscar son una especie de mercado persa en donde no siempre los merecimientos son reconocidos, en cambio, tener una buena productora más una buena campaña publicitaria detrás, puede inclinar la balanza. Lo que no tiene tanta lógica es que “The hurt locker” sea tan galardonada, más si cabe teniendo como rival a “Avatar” (de la que no soy ni mucho menos fan, ahí está mi crítica).
Ahí va mi justificación. Al grano.
Lo que comienza siendo un espectáculo, la desactivación de bombas, con un clima de tensión muy logrado, en donde cada misión puede ser la última, con una exposición máxima, y con el umbral de la muerte muy cerca –ingredientes más que suficientes para crear una gran película-, acaba haciéndose tan repetitivo que termina por perder emoción. La misma estructura se repite una y otra vez: misión arriesgada, sitio sospechoso, silencio, pistas que aparecen poco a poco y el artificiero jugándose el pellejo.

Nunca me han gustado demasiado las películas en las que la cámara no deja de moverse. Es un recurso más, que genera movimiento y dinamismo pero aquí el abuso es desmesurado. En los combates, la confusión es total. Bigelow podría decir “efecto buscado”, sí, pero yo puedo pensar mala dirección, desorganización, falta de criterio para situar la cámara y para realizar unos encuadres en condiciones.
Otro factor en contra es el engorde artificial de minutos, sobre todo en la parte final. Lo único que consigue, en mi caso, es alargar el sufrimiento.

Sobre los personajes, apenas tenemos referencias personales, están muy poco desarrollados. Dos pinceladitas y ya está.
La falta de argumento va haciendo mella. La expectación va dando paso a la decepción para inocular de forma lenta pero progresiva el aburrimiento.

No sé si tanto premio se debe a un reconocimiento de tipo patriótico a los soldados destinados en Oriente Próximo, que, evidentemente, están expuestos a todo tipo de peligros. Sólo así podría entenderlo.

Werner Herzog nunca ha sido un director al uso, digamos “normal”. Le suelen definir como obstinado, cabezón, difícil, y de abordar rodajes imposibles en circunstancias muy adversas, como es el caso de Aguirre y Fitzcarraldo.
“Aguirre, la cólera de Dios” trata sobre la codicia y la irracionalidad, sobre la consecución de un objetivo por encima de todas las cosas, a cualquier precio. Ese objetivo no es, ni más ni menos que la búsqueda de “El Dorado”, la leyenda de la tierra del oro.
A finales de 1560, partió desde Perú una expedición bajo las órdedes de Gonzalo Pizarro. La cinta se basa en el único testimonio de tan extraordinaria empresa: el diario de Fray Gaspar de Carvajal.

El estilo de Herzog, su manera de rodar, próxima al documental y sin apenas guión, la hacen muy cercana. Las primeras imágenes que abren el film son una buena muestra de la arriesgada empresa, con toda la expedición bajando una impracticable cordillera, con indígenas descalzos, que imprimen un gran realismo, junto con las secuencias de la balsa y el río, pocas veces visto.

La técnica fílmica no es el punto fuerte, con un montaje irregular, un ritmo a golpes y sin apenas banda sonora. La falta de presupuesto se presume evidente, pero todo es suplido por un film con personalidad propia, de imágenes impactantes y, sobre todo, la presencia de Klaus Kinski (actor de fuerte carácter, imposible que pase inadvertido), el particular Lope de Aguirre del visionario de Herzog.

Los diálogos son breves y escasos, pero nunca gratuitos. Contienen frases de las llamadas lapidarias. El ideal de Lope de Aguirre es Hernán Cortés y su conquista de Méjico, al que se refiere en varias ocasiones. Ansía conquistar territorios y riquezas, y fundar su propia dinastía.

La peli tiene muchísimos detalles que comentar. Lo que más llama la atención es lo difícil que tuvo que ser el rodaje. Hay una escena con las balsas en que la peligrosidad se refleja en la cara de Inés de Atienza: se diría que la actriz no está actuando.
También el paisaje, las impresionantes vistas. Herzog a veces se recrea demasiado, dejando que la cámara grabe y lo recoja todo durante bastante tiempo. Otras veces la sitúa encima de los espectadores, como si fuera uno más, convirtiendo al espectador partícipe.


En definitiva, odiada por unos y amada por otros, tiene elementos para la polémica y por tanto, lo mejor es verla por uno mismo y emitir la opinión después de su visionado.
Por mi parte, no creo que sea tan mala como se dice, pues tiene bastante interés, aunque dista de ser una obra maestra. Aunque eso sí, el binomio Kinski-Herzog da mucho juego. A los simpatizantes, recomiendo el documental “Mi enemigo íntimo”, de Herzog. Kinski en estado puro.

Magnífico exponente del cine de los cuarenta. Concretamente en 1944, tenemos otras dos joyas del cine negro como “Perdición” y “Laura”. Fue uno de los mayores éxitos comerciales de Fritz Lang en Hollywood.
A pesar de ser una de las referencias de cine negro, de hecho tiene numerosos elementos, yo creo que este le sirve como excusa o soporte para hacer una reflexión sobre otros temas. De hecho, el autor de “Los sobornados” aborda aquí dos de sus temas preferidos: el lado oscuro del ser humano, concretado en el deseo latente de de Edward G. Robinson, y el tema de la culpabilidad. Tampoco debe pasarse por alto la reflexión que hace de la Justicia, una vez más (“Furia” es el máximo exponente).

El film se presenta por sí solo en menos de 3 minutos. Un respetable profesor de criminología, impartiendo una clase sobre los grados de asesinato (con Freud escrito en letras grandes en la pizarra). Después se despide de su mujer (casi más vieja que él y no muy bella, quizá para acentuar su anhelo posterior) e hijos que se marchan a pasar unos días.De vuelta, ve el retrato de una atractiva mujer y se reúne con sus amigos, un fiscal y un médico en un club privado.
El film tiene tensión y una estupenda atmósfera. La fotografía es muy destacada, llena de luces y sombras, gracias a la excelente labor de Milton Krasner.

Edward G. Robinson roza la genialidad. Su composición de profesor envuelto en un oscuro asunto, saca a relucir su versatilidad: inocente, ingenuo, casi débil, al mismo tiempo que muy respetable. Quién diría que fue Cesare Enrico Bandello en “Hampa dorada” u otros tantos gansters. “Para mí, ha llegado el fin de la aventura de la vida. Me revienta esta solidez, esta seguridad”. 100% creíble.

Joan Bennett está también genial. El arquetipo de mujer fatal, exquisita en su trato, atractiva y sensual (magníficamente vestida), seductora e inteligente, etérea y volátil a la vez que cercana. Tiene algo que resulta especial. Perfecta para el papel.
Dan Duryea, muy directo, bastante chulo, algo altisonante para el tono general de la película, aunque convincente para contrarrestar a Joan Bennett.
Personalmente, el final me deja sorprendido. Supone una vuelta de tuerca inesperada.

En la era de las adaptaciones del cómic, superhéroes, y secuelas sobre-explotadas (Hollywood apuesta sobre seguro, ahora más que nunca, crisis mediante) llega el casi octogenario maestro (79) y nos descubre a un auténtico héroe –en toda la dimensión de la palabra-, de los de carne y hueso: Nelson Mandela.“Invictus” es una película cercana, todo lo que cercano que puede parecer Mandela.
En cada fotograma del film se destila lo que el viejo e hiperactivo Clint ha querido hacer: contar, transmitir, aunque suene idílico, que un mundo mejor es posible. Se enamoró del proyecto, o mejor dicho, de su protagonista: Madiba. Y lo cierto es que Morgan “Mandela” Freeman no podía haberlo hecho mejor. Me atrevo a decir que a pesar de su dilatadísima carrera (72 años, oscar en “Million dollar baby”, y podría repetir), este papel va a ser muy, muy recordado en su filmografía. Me parece, asímismo, que el jefe de los escoltas hace, un gran papel, al igual que Matt Damon que asume con elegancia su rol, no intenta lucirse y encaja a la perfección.

En cuanto al film en sí, no es absolutamente redondo, y queda patente que no es lo mejor de su director (es lo que tiene tener tantas obras maestras en tu currículum). Es posible que, entre otros defectos, a Clint o a su montador, Joel Cocks, se la haya ido la mano un poco en el montaje. No solo lo digo yo, lo dice John Carlin, autor de “El factor humano”, el libro en que se basa el guión. “Quizás habría recortado el partido final unos minutos” o “proporcionalmente hay más [rugby] que en mi libro”. Efectivamente, además, se recrea demasiado con la cámara lenta.
Echo de menos ver (espiar si acaso es la palabra) más tiempo ese vestuario por dentro, lo que se cuece en él, cómo funciona el grupo, cómo se motivan, casi más que el partido en sí. Me parece muy ilustrativa (magistral) la escena de la cerveza.

Por otra parte, uno de los mayores aciertos consiste en crear el microcosmos del país en el propio equipo de seguridad del presidente (aunque pueda parecer que simplifica, de cara al espectador es altamente ilustrativo). El tema de la seguridad tiene una importancia capital a lo largo del film (con sorpresita en forma de susto incluída).

Con esto, pretendo aportar algo de objetividad. No porque lleve la fabulosa marca de Malpaso (y eso que es empezar, verla y emocionarse) todo es perfecto. Con todo, la peor película de Clint (y no es el caso), es la mejor de muchos, muchos directores.

En definitiva, aunque no es la obra maestra que sus miles de seguidores esperábamos, consigue un altísimo grado de empatía, acercarnos un poco la extraordinaria figura de Nelson Mandela y seguir creyendo que las causas perdidas tienen su razón de ser.

“Compasión, templanza y generosidad”.