Ópera prima de Noh Young-seok, el cual además de dirigir, escribió el guión, produjo, fue el camarógrafo, editó, hizo la música, el sonido y el diseño de producción; y todo esto con un bajísimo presupuesto.

Un film original, construido a partir de un conjunto de disonancias, malentendidos, humor, mucho humor y como centro de mesa nada más ni nada menos que el alcohol, el Dios del desorden y la pérdida de la razón.

Además, como no destacar al protagonista, el cual "sufre" de alguna manera este viaje inconcebible, lleno de situaciones bizarras y de gran comicidad.
Y esto acompañado por un imprescindible paisaje como también por personajes que surgen en las diferentes locaciones y complicaciones por las cuales el protagonista deberá pasar.

Todo esto produjo que este film de origen coreano sorprendiera a la audiencia mundial en el circuito de festivales del 2008.

SIN LUGAR A DUDAS UN FILM PARA MANTENERSE EN UNA ETERNA RESACA.

Z32 no deja de ser otro documental más sobre la guerra sanguinaria y "sin sentido" de israelitas y palestinos, contada desde la mirada de un ex-soldado del ejército israelí. El cual relata su experiencia personal sobre su participación en una misión de venganza, basada en el inconsciente e irazonal concepto de "ojo por ojo...", en este caso 6 israelitas por 6 palestinos.

El documental cuenta con secuencias de gran originalidad, ya sea el modo de ocultar la identidad del soldado como los pasajes musicales generados por el director e interpretados por él mismo, dándonos una mirada irónica sobre el relato del soldado y el que lo dirige, Avi Mograbi.

Pasando por todo esto, el film no deja de ser una película simple que intenta que el espectador construya su propia opinión-crítica sobre la situación de este soldado y su conducta moral sobre su experiencia personal en la guerra.

Para el espectador no consciente de la realidad entre estas dos naciones (Israel y Palestina) es una buena introducción al tema e interesante ya que es contado por un soldado participante en este conflicto y realizada por un director experimentado en la materia, el cual intenta de buena manera y con estilo propio documentar el conflicto moral y ético del protagonista y de la guerra en si.

BUEN DOCUMENTAL SOBRE LA GUERRA PERO SIN MAYORES MÉRITOS.

La presentación de este film nos atrae a primera vista: dirigido por el magnífico Bertrand Tavernier, sus actores: el legendario Dirk Bogarde, la fantástica Jane Birkin y Odette Laure.
Película galardonada al mejor actor en el festival de Valladolid (Bogarde), al César a la mejor actriz de soporte (Laure) y seleccionada oficialmente por el festival de Cannes.

Lamentablemente esto no es real, hemos visto un espejismo, creemos haber visto algo en frente de nosotros tan real, tan gratificante pero en realidad ha sido todo una ilusión o una ¿desilusión?
El entusiasmo primerizo al que caímos instintivamente va disminuyendo a medida que nos vamos adentrando a este retrato costumbrista sobre una familia anglo-francesa.
Su contenido y su forma de narración son convencionales y previsibles, nos adentramos pero sin tener una respuesta, o algo que nos invite a descubrir algo original.

La película nos cuenta la historia de Caroline, una escritora parisina que recibe una llamada de su madre, quien le comunica que su padre esta gravemente enfermo. Ella lo visitará pasando unas semanas con ellos, en cuya experiencia construida de recuerdos y anécdotas redescubrirá su propia vida y la de su familia, especialmente la de su progenitor.

Lo que no hay que olvidar es que detrás de cámara hay una referencia real, el gran Tavernier, quien logra plantear temas como lo efímero que es el amor (los padres de Caroline), el ser humano como un ser vivo que se constituye a través de los recuerdos y la memoria (Bogarde) de lo cual hace referencia el título del film: “Daddy nostalgie”, y la reacción del humano frente a situaciones críticas, como es la muerte (Birkin).
Todo esto convive armoniosamente gracias al talento visual de su director, quien mantiene su preciosismo formal.

SIN EMBARGO, TAVERNIER NO LLEGA A CONVENCERLOS CON ESTE FILM DESLUCIDO, QUE NO PUEDE EVITAR LA INFECCIÓN SENTIMENTAL Y EL EFECTISMO, EN EL CUAL BOGARDE NO HACE HONOR A SU CURRICULUM CINEMATOGRÁFICO.

Mirar con ojos curiosos, oir las palabras ajenas, sentir las vibraciones latentes del ser humano.

Mulvad, co-fundadora de la productora Danish Documentary nos inmerge en la vida de dos mujeres que las une y las divide el lazo de madre e hija. Con un pasado en común de dinero y placer. El pertenecer al encanto de la burguesía se ve anclado por un presente desdibujado y difuso de pobreza. Anhelando el pasado perdido, y sobrellevando el día a día estas dos danesas que viven en las costas soleadas de Portugal enfrentan la realidad cara a cara.
Dos caminos se bifurcan y uno deberá ser elegido: el vivir del recuerdo y llorar la ausencia del bienestar económico o el de afrontar el ahora y pensar en el futuro.

3 años de filmación han sido necesarios para que Eva Mulvad novelara este fragmento de vida que confronta dos peculiaridades inmensas en la existencia humana: la relación madre e hija, la riqueza y la pobreza.
Varias aristas surgen de estos dos focos que son los desencadenantes de la trama y el espíritu del film. El humor y la tragedia se conjugan, los dos personajes carismáticos en sus determinados roles son los responsables de transmitirnos los acontecimientos y emociones de la historia. El conflicto entre las dos mujeres, la madre responsable supuestamente del debacle y que ancianamente se defiende de los insultos y humillaciones de la hija. Y esta última coqueteada en su niñes por el poder del dinero, se ve malformada por la vida del trabajo y el esfuerzo, ajenos a ella.
De ahí nace los más diversos pasajes cómicos como la búsqueda de trabajo por parte de la hija, el ahorro diario y los gastos innecesarios. El lado trágico y melancólico: la muerte del padre y esposo, el recuerdo de la vida anterior y las discusiones enceguecidas y malgastadas entre madre e hija.

MADRE-HIJA /POBREZA-RIQUEZA SE ENTRELAZAN PARA CREAR UN DOCUMENTAL ESTIMULANTE EN SU ENFOQUE HUMANO. EN GENERAR UN AMBIENTE IDEAL DONDE VAN SURGIENDO LAS FACETAS, COMPLEJIDADES Y CONTRADICCIONES DEL HUMANO COMO SER SOCIAL.

Sicilia es única, mágica, apartada de la realidad italiana pero cercana a una realidad distinta construida a través de la cultura.
Su ambiente, el paisaje, la historia y los habitantes determinan una sensibilidad diferente. Sicilia hay una sola, y de eso no hay dudas.

Ese es el origen principal de esta obra artística en todas sus dimensiones, además de lo propiamente cinematográfico, creado por el dúo francés Huillet-Straub.
Quienes supieron expresar un lenguaje visual propio y han sido respaldados no tanto por el escaso público que ha visto su filmografía debido a la poca difusión de sus films sino por la crítica especializada, principalmente “Cahiers du cinéma”.

"Sicilia!” nos desvela a un hombre quien retorna del norte de Italia a su región natal para visitar a su madre. En el camino se encontrará con diferentes personajes con los cuales entablará diálogos de rasgos políticos como también cotidianos.

Ahora, lo que genera cierta curiosidad al adentrarse en esta obra no es su sustancia, sino su forma, el estilo visual.
Con una duración no mayor de 1 hora sino caería en lo tedioso. El dúo de cineastas por medio de un blanco y negro esplendoroso, intercalando los primeros planos en los momentos de diálogos y una cámara panorámica que nos muestra de este a oeste la naturaleza siciliana, nos inducen a interiorizarnos en la Sicilia naciente, su pureza y su silencio.

Los destellos de originalidad están presentes.
Un ejemplo claro de esto son los diálogos, cuya esencia reside en su expresión, en su tonalidad monótona, sin matices, que genera un sentimiento de algo poco natural. Son frases que de forma contundente subrayan un pensamiento, no esperan una respuesta. Por eso es que la cámara en ocasiones no muestra al receptor de la conversación, pareciese ser que cada uno tiene su encuadre propio y el tiempo de expresar sus ideas.
Y aquí surge la importancia de los actores dentro de este parafraseo, su valor reside en sus rostros, sus gestos, sus muecas. Sus rasgos faciales se distienden de lo que expresan verbalmente (son actores no profesionales, característico del cine de Straub y Huillet).

En el sentido amplio de la palabra, se siente que este film es más un ensayo que una película. Es novedoso pero no deja de ser algo insustancial, su atmósfera espesa no nos genera un sentido real donde impregnarnos.
Tiene un potencial escénico excelente, pero esto nos impide interiorizarnos con los personajes, aunque uno podría decir que se juega con este choque existencial entre la realidad y la ficción.

ES ADUSTA Y MEDIDA, PERO EN MI OPINIÓN VACÍA. TENER AIRE PROPIO NO ES SUFICIENTE PARA ENTRAR EN LA RETINA DEL ESPECTADOR. Y SER ELITISTA O SECTATORIAL, NOS HACE OLVIDAR QUE EL CINE ES UNA EXPRESIÓN ARTÍSTICA QUE BUSCA EL CONSENSO DEL PÚBLICO.