Paolo Sorrentino cautivó a la crítica de todo el mundo en el año 2013 con la que es su mejor película hasta ahora: ‘La gran belleza’. Ya sus anteriores trabajos obtuvieron numerosas nominaciones y premios; tanto ‘El amigo de la familia’ como ‘Las consecuencias del amor’ estuvieron nominadas a la Palma de Oro en Cannes y ‘Il Divo’ ganó el Premio del Jurado en Cannes y siete premios David di Donatello. Pero no fue hasta el estreno de ‘La gran belleza’ que Sorrentino rompió el género y acabó de consolidarse, y es que la cinta se llevó un gran número de prestigiosos premios: Oscar, Globo de Oro y Bafta a mejor película de habla no inglesa y Premio del Cine Europeo a mejor película, entre otros. Y no sin razón, ya que pocas veces se ha visto una película como la que nos ofrece aquí el director italiano.

La película es un retrato arrollador de la inevitable vejez, de la pérdida ante lo que nos fue arrebatado o nos arrebatamos nosotros mismos, de la nostalgia de tiempos mejores y de la vacuidad de la mundana existencia. Es, también, un canto a la búsqueda de la gran belleza.

El film empieza con una de las fiestas mejor filmadas de la historia, una secuencia hipnótica en la que se nos presenta a Jep Gambardella, interpretado por un soberbio Toni Servillo, escritor de 65 años que hace tiempo escribió un único y exitoso libro y que ahora se dedica al periodismo. Un personaje que goza de reconocimiento social y una vida acomodada pero carente de motivaciones y hasta de sentido. Lleno de hastío y amargura, se dedica a buscar la gran belleza que una vez experimentó (aquella chica en aquel faro). Pero Jep no está solo en este viaje; durante los 142 que dura la película asistimos a un desfile de personajes tan esperpénticos como fascinantes que constituyen la fauna de Roma: obispos, artistas, políticos, intelectuales, stripers… Personajes que se identificarían con aquellos amigos de infancia del protagonista que respondían “el coño” cuando eran preguntados por qué era lo que más les gustaba en la vida y que, a su vez, nos muestran la cara decadente de una bella y eterna ciudad que se niega a morir.

Es a su vez un poema visual de una ciudad que, al igual que su protagonista, gozó de gloria en el pasado (la Roma del Coliseo y de la Capilla Sixtina) y que ahora se encuentra perdida (la Roma de los políticos corruptos y las tetas operadas). Dos mundos enfrentados que se mezclan con la figura del propio Jep.

Es una película con un fuerte aroma a melancolía (“¿Qué tenéis contra la nostalgia? ¿Eh? Es la única distracción para quien no cree en el futuro. La única.”), a pesimismo (“Los trenecitos de nuestras fiestas son los más bonitos de Roma. Son bonitos porque no van a ninguna parte.”) y a derrota (“Esta es mi vida, y no es nada.”), pero también hay belleza y esperanza, sepultadas bajo el bla, bla, bla.

En cuanto a los aspectos técnicos, no queda más que alabar la labor de todos los implicados. La magnífica dirección de Sorrentino, la excelencia de todos y cada uno de los intérpretes (de nuevo, soberbio Servillo), la idoneidad y belleza de la música, la preciosa fotografía, la complejidad del guión… Todo funciona a la perfección.

En definitiva, ‘La gran belleza’ es una película para dejarse llevar por ella y volver a creer en la magia del cine y de la vida. Si existe una definición del concepto de belleza, debería ser esta película. Una auténtica obra maestra.

https://kinoblogsite.wordpress.com/2016/12/24/la-gran-belleza-la-vida-es-solo-un-truco/

La carrera de M. Night Shyamalan en Hollywood ha sido una auténtica montaña rusa. La fama le llegó en 1999 con su tercera película, 'El sexto sentido', con la que cosechó alabanzas de crítica y público y llegó a colocarse como una de las cintas más taquilleras de la historia. Tan solo un año después estrenó 'El protegido', la que para muchos sigue siendo la mejor película de superhéroes jamás realizada. Este camino de rosas continuó, en menor medida, con sus dos siguientes películas: 'Señales' y 'El bosque'. Sin embargo, todo empezó a torcerse con el estreno de 'La joven del agua', iniciándose así una segunda etapa en la carrera del realizador estadounidense de origen indio de la que parecía que no se iba a recuperar, pues tanto 'El incidente' como 'Airbender' y 'After Earth' fueron vapuleadas por la crítica y tampoco obtuvieron el respaldo del público. Contra todas las apuestas, Shyamalan regresó en 2015 con 'La visita', una divertidísima comedia de terror con la que el director volvía a recuperar sensaciones. Muchos se preguntaban si 'La visita' fue tan solo un paréntesis en la caída sin frenos en la que se hallaba sumergido el director en los últimos años o si, por el contrario, suponía su triunfal regreso. 'Múltiple' ha sido la encargada de dar respuesta a dicho interrogante y, afortunadamente, se puede decir que Shyamalan está de vuelta.

La película nos presenta a Kevin, un individuo que posee 23 personalidades diferentes, siendo tres de ellas las que han tomado el control y esperan el surgimiento de una última personalidad, que habrá de dominar a todas las demás. Para ello se ve obligado a raptar a tres chicas adolescentes, que harán todo lo posible por escapar intentando engañar a Kevin a través de sus diferentes personalidades. La cinta va directa al grano y arranca en pleno meollo, mostrando el secuestro de las chicas por parte de Kevin. A partir de ese momento la historia se desarrolla por dos vías: por un lado la de las chicas secuestradas y por otro la de la terapeuta del secuestrador. Los acontecimientos se precipitan en ambas historias en una especie de cuenta atrás, manteniendo al espectador en tensión hasta el desenlace.

Un James McAvoy totalmente entregado a la causa interpreta a Kevin, dotando de verosimilitud a cada una de las distintas personalidades. Es cierto que el papel es un caramelo para cualquier actor, permitiendo ofrecer una interpretación enternecedora en un momento y terrorífica al siguiente, pero es acierto suyo el no caer en el histrionismo y la gesticulación fácil. Por su parte, Anya Taylor-Joy interpreta a Casey, encargada de encabezar a las tres jóvenes secuestradas, y, si bien su labor no desentona en absoluto con lo que la película le pide, sí que pierde al compararla con la de McAvoy, verdadero protagonista del film.

Shyamalan vuelve a sorprender con una original y descabellada propuesta, que parte de una muy interesante premisa (unas adolescentes secuestradas que intentan huir jugando con las diferentes personalidades del secuestrador) a la que, sin embargo, creo que se le podría haber sacado más partido y acaba resultando algo desaprovechada. La película tiene un potente primer tercio, pero a medida que pasa el metraje el guión pisa terrenos más convencionales y la cinta pierde fuerza. No obstante, la destreza y habilidad del director en el manejo de la cámara siguen intactas y compensan, al menos en parte, los fallos del guión. También son identificables ciertas señas de Shyamalan en la película, tales como el humor negro, su propio cameo o el giro sorpresa del final (uno de los más acertados de su filmografía).

En definitiva, 'Múltiple' es una entretenida y eficaz película de suspense que cuenta con un entregadísimo James McAvoy y demuestra que Shyamalan continúa por el buen camino iniciado con su anterior película. Hará las delicias de los fans del género y del director.

https://kinoblogsite.wordpress.com/2017/02/01/multiple-el-poder-de-la-mente/

Joe, ex-marine reconvertido en sicario especializado en liberar mujeres esclavizadas y explotadas sexualmente, recibe el encargo de rescatar a la hija de un político, hecho que desencadenará una espiral de violencia y brutales consecuencias.
Su desaliñado aspecto y cuerpo lleno de cicatrices reflejan a un ser roto, y es que sus traumas infantiles y experiencias durante la guerra le han convertido en un hombre herido, taciturno e asilado de la sociedad que vende sus servicios al mejor postor, encontrando en la violencia la única manera de refugiarse del sufrimiento y desquitarse de la carga que sufre a diario. La fractura del alma de Joe es tan profunda que le impide llevar una vida corriente, y hasta la más banal de las situaciones le rompe por dentro, como se evidencia en la escena en la que un grupo de chicas le piden que les haga una foto, lo cual desata un doloroso recuerdo, otro más, en su enfermiza mente.
Mientras que muchas películas optan por desvelar el pasado traumático del protagonista en los primeros compases, se opta aquí por mostrarlos con una inusual calma, desvelando lo justo al espectador para que sea él mismo quien vaya uniendo las piezas de este febril puzzle.
Joaquin Phoenix, acostumbrado ya a ponerse en la piel de personajes complicados, realiza una portentosa interpretación que logra hacer creíble la psicopatía del protagonista y su lucha, que en ocasiones tiene que ver más con sus demonios internos que con los externos que pueblan el relato.

Hay películas que no son aptas para todo tipo de público y ‘You were never really here’ es un buen ejemplo de ello.
Rodada sin apenas diálogos, son las imágenes y la música las encargadas de plasmar la crudeza del relato. Una puesta en escena alejada de lo habitual, que pasa de mostrar la violencia de manera gráfica y cruda en una escena a dejarla fuera de plano en la siguiente y juega con la psicopatía del protagonista para fundir lo real con lo onírico, recreando de este modo la cruda atmósfera en la que está sumido el personaje, amartillada a ritmo de música electrónica por cortesía de Johnny Greenwood (guitarrista del grupo Radiohead) o sumergiéndola en el más absoluto silencio.
Esta dualidad (ruido vs silencio, violencia gráfica vs fuera de plano, realidad vs alucinaciones) también está presente en el carácter de Joe, alguien capaz de encargarse de los cuidados de su anciana madre durante el día y de asesinar proxenetas a golpe de martillo por la noche (redención vs condena), así como en uno de los temas fundamentales del film: la insignificancia de vivir en este mundo. Un tema que, por el devenir de la historia, la película afronta con muchos claroscuros y es que, aun cuando le otorga a Joe un motivo para mantenerse con vida, se lo arrebata después para devolverlo al estado de verse resignado a dejarse morir. Sin embargo, al final del día, o, mejor dicho, al comienzo de él, sigue presente porque “hace un día estupendo“.

En definitiva, ‘You were never really here’ se aleja del típico relato de justiciero urbano, siendo una película que te entra a la fuerza a base de violentos golpes, turbia atmósfera y una portentosa actuación de Joaquin Phoenix.


https://kinoblogsite.wordpress.com/2018/03/19/you-were-never-really-here-demonios-internos-y-externos/

Yorgos Lanthimos se ha ganado a pulso el estatus que ocupa en el panorama actual.
Saltó a la fama con el estreno de ‘Canino‘, película inclasificable sobre un matrimonio cuyos tres hijos jamás han abandonado la casa en la que viven y son educados de acorde a las extrañas enseñanzas de sus padres. Esta extraña, divertida y exagerada película se hizo con el premio “Un Certain Regard’ en el Festival de Cannes.
No tuvo tanto éxito con su siguiente cinta, ‘Alps‘, drama psicológico sobre una enfermera que trabaja por las noches en un hospital atendiendo las necesidades de las familias que han perdido a sus seres queridos, pasando muy desapercibida.
Sin embargo, su siguiente film, ‘The Lobster‘, para el que contó por primera vez en su carrera con actores de renombre como Colin Farrell o Rachel Weisz, volvió a acaparar todas las miradas. La película, ambientada en un mundo distópico en el que los solteros son arrestados y enviados a un hotel en el que cuentan con un plazo de mes y medio para encontrar pareja o se les ejecutará, se hizo con Premio del Jurado en el Festival de Cannes y llegó a estar nominada a mejor guión original en los Oscars.
Dos años después, el director griego regresa con ‘The Killing of a Sacred Deer‘, thriller psicológico con elementos sobrenaturales al que el director vuelve a imprimir su particular estilo.
La historia nos presenta a Steven y Anna Murphy, quienes llevan una acomodada e idílica vida. Él es un veterano cirujano y ella una respetada oftalmóloga, y ambos disfrutan de su matrimonio, sus dos hijos, y sus exitosas carreras profesionales. No obstante, sus vidas se verán sacudidas por la presencia de Martin, un extraño chico huérfano de padre con el que Steven mantiene una duradera y misteriosa relación, quien se verá obligado a tomar una drástica decisión.

Colin Farrell y Nicole Kidman se encargan de dar vida al matrimonio Murphy, ambos sobresalientes en sus papeles. No se queda atrás el joven Barry Keoghan interpretando al perturbado Martin, elaborando un personaje tan macabro como terrorífico. Entre sus secundarios cabe destacar a una olvidada Alicia Silverstone como la madre de Martin.

Lanthimos sigue siendo a sí mismo en esta obra, en la que se pueden observar varios rasgos característicos de su cine. Partiendo de una idea original, crea una refinada pero opresiva atmósfera que consigue provocar en el espectador una continua sensación de incomodidad, no sabiendo en determinados momentos si reír o no ante la absurda comicidad de ciertas escenas que en el fondo poco tienen de cómico, siendo éste desafiado continuamente durante el visionado. Estos elementos ya se encontraban en las anteriores películas del director, pero hay en ésta algo que difiere de sus previos filmes, y es la frialdad que parece envolver todo el conjunto, potenciando así la soledad y el desasosiego al que ha de hacer frente el protagonista. Por su parte, la fotografía de Thimios Bakatatakis y los acertados efectos de sonido no hacen sino ayudar a construir dicha atmósfera.

El principal obstáculo al que ha de hacer frente un director tan radical como Lanthimos es el de perderse y acabar convertido en una parodia de sí mismo. Sin embargo, el cineasta no solo sale airoso una vez más, sino que lo hace con un estilo más refinado y que no duda en inspirarse de cineastas como Michael Haneke.

Quizá la mayor pega que se le pueda poner a la película es la falta de una crítica más ácida y visceral a la sociedad actual, tal y como acostumbra a hacer el director. No es que en esta película no haya ninguna, pues hay varias fácilmente apreciables, pero no llega a meter tanto el dedo en la llaga como sí hizo en ‘Canino’ y ‘Langosta’. No por falta de valentía, eso seguro, sino porque la historia discurre por diferentes derroteros.

En definitiva, ‘The Killing of a Sacred Deer’ es una tragedia griega disfrazada de thriller psicológico. Incómoda y perturbadora, hace que uno casi se sienta culpable de disfrutar de su visionado, lo que demuestra que Lanthimos sigue igual de despiadado y provocador que siempre.


kinoblogsite.wordpress.com/2017/12/10/the-killing-of-a-sacred-deer-la-amistad-con-los-errores-del-pasado/

Cuatro años después de ‘Ain’t Them Bodies Saints‘, el director David Lowery y los actores Casey Affleck y Rooney Mara vuelven a unir sus fuerzas en esta arriesgada cinta de cine independiente que tan buenas críticas cosechó en la última edición del Festival de Sundance.

La historia nos presenta a C, un músico cuya carrera no está pasando por su mejor momento, y a su pareja M. Ambos viven en una casa suburbana de una población rural estadounidense, que M desea abandonar para mudarse, pese a la reticencia de su marido. Un día, C sufre accidente de tráfico del que no consigue salir con vida, pero su espíritu, una vez está el cadáver en el hospital cubierto por una sábana blanca, vuelve en sí y decide regresar a la casa que ambos compartían.

El director mexicano Guillermo del Toro una vez dijo que toda película se compone a la vez de tres películas: la que el estudio desea producir, la que el director desea rodar y la que el público quiere ver. Mi principal problema con ‘A Ghost Story‘ es que la cinta que yo quería ver seguramente no sea la misma que Lowery quería dirigir.
Por una parte, me fascina todo lo relacionado con la pareja protagonizada por Affleck y Mara, quienes apenas cuentan con minutos en pantalla, pero que necesitan de tan solo unas escasas escenas para reflejar la intimidad y el conflicto existente en la pareja, así como la impotencia del protagonista ante la imposibilidad de intervenir en el duelo de su pareja y cómo observa la vida que ella lleva una vez acepta la muerte de su amante.
Sin embargo, me cuesta conectar con la película cuando se aleja de este escenario para adentrarse en el terreno del fantasma enclaustrado en dicho espacio junto a los sucesivos personajes que habitan dicha casa.

La forma cobra en esta película gran importancia, y pocas críticas se le pueden achacar al respecto, ya que todo en la cinta está muy cuidado: desde la apropiada banda sonora de Daniel Hart y la preciosa fotografía de Andrew Droz Palermo hasta el formato 1:33:1 con bordes redondeados, que no hace sino potenciar la sensación de claustrofobia y angustia del fantasma.

En definitiva, ‘A Ghost Story’ es una cinta que no agradará a todo el mundo por su atípico planteamiento, pausado ritmo y escaso diálogo, pero que supone un triunfo del cine independiente por su elegancia, ambición temática y emotivo discurso, sin quedarse en ser solo en un bonito ejercicio de estilo. David Lowey ha venido a decirnos que los fantasmas existen, pero que no son cómo imaginábamos.


kinoblogsite.wordpress.com/2017/09/24/%ef%bb%bfa-ghost-story-el-eden-vs-la-vida-pasada/