Tom Ford, aclamado diseñador de moda, escribe y dirige la que es su segunda película tras la sobresaliente ‘Un hombre soltero’. Y, al igual que ocurría con su anterior película, adapta un material ajeno, tratándose en esta ocasión de la novela ‘Tres noches’ de Austin Wright.

La película cuenta con dos tramas. Por un lado, la protagonizada por Amy Adams y, por otro lado, la encabezada por Jake Gyllenhaal. Ambas historias se entremezclan en el film, sin que esto llegue a resultar confuso al estar ambas muy bien diferenciadas.
La primera trama nos presenta a Susan Morrow, el personaje interpretado por Amy Adams. Susan es una artista que, a pesar de gozar de éxito profesional, no parece estar conforme con la vida que lleva, ya que ni su casa en las colinas de Hollywood, ni las lujosas fiestas a las que asiste, ni su actual matrimonio consiguen evitar que se sienta vacía y, en última instancia, infeliz. Una mañana recibe un inesperado paquete, que resulta ser el manuscrito de una novela escrita por su primer marido, Edward Sheffield, interpretado por Jake Gyllenhaal. La novela está dedicada a ella y, junto al manuscrito, se encuentra una nota en la que Edward le pide a Susan que lo lea, dado que ella fue siempre su mejor crítica. Ésta, conforme avanza en la narración, se sumerge cada vez más en la novela.
La segunda trama, correspondiente a la historia de la novela, nos introduce a Tony Hastings, interpretado nuevamente por Jake Gyllenhaal, quien emprende un viaje junto a su mujer e hija. Durante el transcurso del mismo, son embestidos en una carretera de Texas en plena noche por unos jóvenes violentos. Obligado a detenerse, Tony observa con impotencia cómo los jóvenes raptan a su mujer e hija y huyen con ellas en coche.

Tom Ford se consagra con esta película como un director con un exquisito gusto estético, dotando a las imágenes de una tremenda belleza y poderosa fuerza visual. Por otra parte, el uso del color parece ya una de sus señas de identidad, siendo el rojo una presencia constante a lo largo de la cinta, simbolizando la violencia y pasión que rodea a ambos relatos.

Otro de los elementos que juega un papel importante es la banda sonora a cargo de Abel Korzeniowski, quien repite con el director tras ‘Un hombre soltero’, acompañando de manera magistral a la elegancia de las imágenes y acentuando su dramatismo.

Cabe destacar la labor actoral de todos los implicados, sobresaliendo una impresionante Amy Adams en el papel de Susan, quien tiene todas las papeletas para estar entre las nominaciones de este año a mejor actriz en los Oscars. Su interpretación resulta de vital importancia para el film, pues a través de ella contemplamos la turbación que le provoca la lectura de la novela. Por su parte, Jake Gyllenhaal realiza una gran interpretación en ambos roles, tanto el de Edward como el de Tony, llegando a sentirnos identificados con el desasosiego sufrido por sus personajes ante todo lo que les acontece. Les acompañan Aaron Taylor-Johnson como el líder de los jóvenes que secuestran a la mujer e hija de Tony y Michael Shannon como el shérif encargado de su búsqueda, ambos plenamente entregados a sus papeles. La película cuenta también con Michael Sheen y Laura Linney, si bien sus papeles resultan meramente anecdóticos por su escaso tiempo en pantalla.

En definitiva, ‘Animales nocturnos’ es una fascinante e hipnótica película de impecable diseño que se encuentra entre las mejores del año. Ficción dentro de la ficción, presenta dos relatos de brutal violencia y gélida tristeza. Tan disfrutable de ver como de reflexionar.

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La estrategia de Netflix se basa en crear ruido. Esta estrategia, visceralmente opuesta a la de otras compañías como HBO, donde prima más la calidad que la cantidad, consiste en invertir gran cantidad de dinero (solo para este año tienen previsto gastar 8.000 millones de dólares en contenido original) en la producción de series y películas que se sumen a la plataforma de manera casi constante, de tal modo que estén siempre en boca de todos. El problema de este modelo es que, si bien desde el punto de vista económico está funcionando de maravilla, no ha repercutido aún en un verdadero impacto cultural.

Netflix se ha enfrentado desde el principio a numerosos obstáculos, siendo el principal de ellos convencer al público de que es posible disfrutar de una experiencia cinematográfica similar a la de una sala de cine desde el salón de su casa. Además, los espectadores están acostumbrados a que los estrenos que pasan directamente a VOD, sin estreno en cines, suelen ser películas con las que el estudio no ha quedado contento y no ha querido correr el riesgo de un batacazo comercial en taquilla. La solución para superar ambas barreras y convencer al consumidor parece sencilla: producir películas con cotas de calidad tan altas como las de cualquier estreno de cine. Sin embargo, la mayoría de las producciones originales de Netflix han sido recibidas hasta ahora de manera muy tibia por la crítica. ‘Mute’ no parece que vaya a ser la película que cambie esta dinámica, dado que lo que aquí nos encontramos es un quiero y no puedo.

La historia se sitúa en el Berlín del año 2056 y gira en torno a dos personajes: un hombre mudo cuya misión será encontrar a su novia desaparecida y un médico norteamericano de dudosa reputación cuyo principal deseo es abandonar la ciudad para volver a su país. Sus líneas argumentales no tardan en conectarse entre sí en los sórdidos ambientes berlineses, mostrando la decadencia moral del viaje en el que se han embarcado.

Duncan Jones llevaba más de diez años intentando sacar adelante el proyecto, pero nadie en la industria decidió apostar por él hasta que llegó Netflix. El director ha agradecido públicamente a la compañía que decidiese financiar la película y le otorgasen libertad creativa para desarrollarla. No obstante, una vez vista la película es comprensible el porqué de la dificultad para encontrar una productora que se arriesgase con el proyecto. Y es que ‘Mute’ es una rara avis por la temática que trata, queriendo abarcar demasiado, lo que provoca que existan muchos cambios tonales que le hacen un flaco favor a la cinta.

Resulta extraño que, llevando el cineasta tanto tiempo trabajando en el proyecto, la película tenga un guión tan falto de interés y una estructura tan caótica como la que presenta, hasta el punto de parecer que no tiene nada que contar o no está segura sobre la manera en qué contarlo. Si bien es cierto que los proyectos, cuando se alargan tanto en el tiempo, muchas veces pierden perspectiva y lo mismo Jones no ha realizado a día de hoy la película que hubiese realizado hace diez años. Por su parte, el ritmo narrativo tampoco ayuda, presentando el film un primer y segundo acto con demasiados altibajos y con necesidad de un pulido adicional, si bien es cierto que gana en su tercer acto, más elaborado y logrado.

Los personajes, por su parte, no aparecen desdibujados, pero sí que representan opuestos demasiado extremos entre sí, algo que llega a rozar lo ridículo en según qué situaciones y que provoca que desconectemos emocionalmente de sus conflictos. Personajes interpretados por un Alexander Skarsgård algo soso pero que cumple en el papel protagonista, un sorprendente Paul Rudd, muy alejado del registro al que nos tiene acostumbrados, y un inspirado Justin Theroux, quien tiene el papel con más matices y más interesante de los tres.

Las virtudes de la película no se limitan tan solo a la labor de sus actores, y es que visualmente es una cinta que cumple con creces. Hace unos meses, Duncan Jones subió a Twitter un interesante boceto en el que mostraba el diseño estético que quería imprimir al film. La película queda muy alejada de cualquier similitud con dicho boceto, ya que trasladar a pantalla las ambiciones estéticas de Jones hubiese disparado el presupuesto, pero ello no impide que la estética visual del film esté muy conseguida dentro de sus limitaciones.

En definitiva, ‘Mute’ es otra decepcionante producción de Netflix. Había mucho hype alrededor de ella por su director y temática cyberpunk, pero la película no ha logrado cumplir con las expectativas depositadas en ella. Su guión insípido, estructura confusa y falta de ritmo hunden este neo-noir futurista, pudiendo salvarse solo su aspecto visual y tercer acto.


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Greta Gerwig es una de las principales voces del cine indie desde su participación en ‘Frances Ha’ y ‘Mistress America’, cintas en las que también ejerció de co-guionista junto a su marido, el director Noah Baumbach. ‘Lady Bird‘ supone su primera película tras la cámara, un aclamado debut por el que ha recibido sendas nominaciones a mejor película y guión original en los Oscars.

Originaria de Sacramento, educada en una escuela católica solo para niñas y cuya madre se llama, al igual que la protagonista de la película, Christine. No son pocas las referencias de la película a la propia vida de la directora que, si bien ha desmentido que el film sea autobiográfico, sí que lo ha calificado como una carta de amor al Sacramento en el que se crió. Gerwig demuestra ser una cineasta que sabe de lo que habla y entrega película llena de inteligencia y humor, con diálogos exquisitos y una encantadora interpretación de Saoirse Ronan.

Christine se hace llamar “Lady Bird”, nombre que se ha dado a sí misma ante la incomprensión que le supone el hecho de que la gente se llame con nombres que les han otorgado sus padres. Lady Bird vive en Sacramento, ciudad que ama sin saberlo y que considera que le corta las alas y no le deja crecer y desarrollarse como ella desearía. Tiene una mejor amiga, Julie, con la que comparte una verdadera amistad, pero a la que decepciona al dejarla de lado para irse con otras compañías. Vive en casa de sus padres, con una madre severa y autoritaria, con la que comparte un fuerte carácter, y un padre más comedido y comprensivo. No aguanta a su madre, aunque la defiende cada vez que alguien la critica. Adora a su padre, pero le pide que la deje unas manzanas antes del instituto porque se avergüenza de que la vean con él. Miente a sus amigas sobre la casa en la que vive, aparentando vivir en la casa de sus sueños. Se escapa de casa por la noche para yacer junto al chico que le gusta y poder gritar más tarde de euforia en mitad de la carretera. Se enfrenta a los ideales católicos de su instituto comiendo hostias consagradas como tentempié o no dudando en defender su postura sobre el aborto en una conferencia. Da sus primeros pasos en el amor, unos primeros pasos que acaban resultando ser errados. Se debate sobre si es el momento adecuado para perder la virginidad. Atraviesa buenos momentos, como las risas compartidas con Julie o el baile en la fiesta con Danny. Compagina esos buenos momentos con otros no tan buenos, como las decepciones amorosas o las discusiones con su madre. Pequeños retazos vitales, confusos y caóticos.

Lady Bird no es buena ni es mala, es tan solo una joven tratando de encontrarse a sí misma y su lugar en el mundo. Vive en el caos que supone ser adolescente e intenta hacer lo que ella considera correcto. Y esta locura y caos que supone la adolescencia es la esencia del film, porque la adolescencia no es más que eso: una búsqueda de identidad, de apariencia y, en ocasiones, hasta de nombre.

Vivir siendo nosotros mismos, con nuestras dudas, expectaciones y arrepentimientos, en una casa no de ensueño pero a la que poder llamar hogar, con una madre difícil y un padre depresivo y en el paro, pero que nos quieran; no existe vergüenza en nada de eso. La vergüenza está en simular lo contrario. En esa aceptación radica el verdadero despegue de Lady Bird Christine, y no en el del avión rumbo a Nueva York.

En definitiva, ‘Lady Bird’ es una emotiva película sobre el caos de la adolescencia y el complicado paso a la madurez. Puede que no todos nos identifiquemos con el retrato del personaje, pero resulta complicado no hacerlo con su paso por una época de la vida tan particular, con sus obstáculos y dificultades y su correspondiente aprendizaje.


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La carrera de Terrence Malick es una de las más inusuales que ha conocido Hollywood.
En apenas cinco años encadenó dos cintas que se convirtieron en películas de culto: ‘Malas tierras‘, aplaudida ópera prima, y ‘Días de cielo‘, por la que ganó el premio a Mejor director en el Festival de Cannes. Tras dichas películas, el director tejano se tomó un largo respiro y hubo que esperar nada menos que veinte largos años para el estreno de su siguiente trabajo, ‘La delgada línea roja‘, considerada por muchos como su mejor película hasta la fecha, y otros siete para ‘El nuevo mundo‘.
En 2011 se estrenó ‘El árbol de la vida‘, su obra más polémica hasta la fecha y que sin duda marcó un punto de inflexión en su carrera. La propuesta, tan arriesgada como ambiciosa, polarizó a crítica y público, calificada de obra maestra por unos y de estafa por otros, llegando a advertir determinados cines de las particularidades de la cinta ante la cantidad de espectadores que salían de la sala exigiendo que se les devolviese el dinero. Mientras tanto, la película se hacía con la prestigiosa Palma de Oro en el Festival de Cannes.
Tras el estreno de ‘El arbol de la vida’ se produjo un cambio en la carrera del cineasta, mucho más prolífica y marcada por la experimentación con la libertad narrativa. Dicha etapa la conforman las siguientes películas: ‘To the Wonder‘, ‘Knight of Cups‘ y ‘Song to Song‘, todas ellas rodadas y estrenadas en los últimos seis años. Esta reciente trilogía cuenta con dos elementos característicos: la ausencia de guión, dejando así margen para la improvisación por parte de los actores, y la importancia del aspecto visual frente al narrativo.
Este último período no ha resultado muy exitoso para el director, pues las películas no han contado con el respaldo ni del público ni de la crítica ni del público, que ha llegado a acusar a Malick de estar borracho de sí mismo, rodando escenas pretenciosas e inconexas que no llevan a ninguna parte. El director se ha justificado alegando que ha rodado de este modo para intentar encontrar “la verdad”, intentando capturar la realidad a través de momentos espontáneos y libres, en un proceso que se asemeja más al documental que al largometraje de ficción. Aunque el propio Malick ha llegado a arrepentirse de rodar de este modo, afirmando lo siguiente: “Recientemente he estado trabajando sin guión y me he arrepentido de la idea. Hay mucha presión trabajando sin guión porque puedes perderte muy fácilmente.”

La película narra la historia de un triángulo amoroso entre dos compositores y un productor musical, todos ellos en búsqueda del éxito profesional. BV (Ryan Gosling) mantiene una relación romántica con Faye (Rooney Mara), quien a su vez tiene una aventura con Cook (Michael Fassbender), amigo de ambos.
La relación entre BV, de carácter inocente y tranquilo, con Faye está destinada al fracaso por el modo de vida de Faye, enfrascada en vivir todas las experiencias posibles y evitar ataduras (tal y como dice ella misma: “vivir de canción en canción“), sin plantearse más allá que el momento presente. Es por ello que, para huir del compromiso con BV, busca escape en la figura de Cook, por el que siente una fuerte atracción sexual, manteniendo así una aventura con él a espaldas de BV. Sin embargo, Cook, consciente de los sentimientos existentes entre BV y Faye y de la belleza de su amor, en contraposición con su mundana existencia, se ve obligado a huir, lo que a su vez le lleva a conocer a una camarera e iniciar una relación romántica con ella.

Ya estamos acostumbrados a que Malick se rodee de grandes figuras de Hollywood para el reparto de sus películas, contando en esta ocasión con nombres de la talla de Ryan Gosling, Rooney Mara, Michael Fassbender o Natalie Portman. Entre sus secundarios se encuentran Cate Blanchett, Val Kilmer y numerosos artistas musicales como Iggy Pop o Lykke Li. Tampoco es ninguna sorpresa que gran parte del reparto se haya quedado fuera del metraje, siendo los perjudicados esta vez Christian Bale, Benicio del Toro y la banda Arcade Fire.
Así mismo, Malick vuelve a contar una vez más para la fotografía con su fiel compañero Emmanuel Lubezki, quien vuelve a deleitarnos con escenas preciosistas, teniendo su trabajo vital importancia en la cinta dada la forma visual de narrarse la historia.

La película tiene numerosos puntos en común con las dos anteriores cintas del director: una historia que gira en torno a un triángulo amoroso, la presencia de personajes a la deriva deambulando por ciudades mientras sus pensamientos son narrados con voz en off, la fotografía de Lubezki… Sin embargo, la principal característica que diferencia y eleva a ‘Song to Song’ frente a sus predecesoras es que, a pesar de compartir dichos puntos en común, aquí se permite al espectador conectar con la historia que nos quiere contar Malick, quien también firma el guión, sin encontrarnos ante una simple sucesión de escenas inconexas a las que cuesta encontrar el sentido, como ocurría en sus dos últimos filmes.

En definitiva, ‘Song to Song’ es un drama romántico que continúa por la senda iniciada por las dos anteriores cintas del director, con las que, si bien comparte numerosos elementos, logra desmarcarse al lograr que esta vez lo que sucede en pantalla nos importe.


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Nicolas Winding Refn presentó ‘Drive’ en el Festival de Cannes hace cinco años, donde obtuvo el elogio de crítica y público, llegando a alzarse con el premio a Mejor Director en aquella edición. Su estética ochentera y su mezcla de romanticismo y violencia encandiló a los asistentes al festival y su éxito provocó que se siguiese con mucho interés los futuros pasos de su director.

Dos años más tarde se estrenó ‘Solo Dios perdona’, cinta que visualmente se consideró heredera de ‘Drive’, si bien aquí Refn se preocupó más por la forma que por el contenido, dando lugar a un film hueco y decepcionante que no contó con el favor de la crítica ni del público.

Con estos antecedentes había mucha curiosidad por ver qué es lo que ofrecería Refn en su siguiente película, que serviría de cierre para esta trilogía tan particular. Si bien iba a optar por el camino tomado por ‘Drive’ o, en su lugar, seguiría la senda del exceso de ‘Solo Dios perdona’. ‘The Neon Demon’ fue estrenada en Cannes este año, pero su recibimiento quedó lejos del obtenido con ‘Drive’, y es que se acerca más a ‘Solo Dios perdona’ que a dicha cinta.

La película cuenta la historia de Jesse, una joven de quince años recién llegada a Los Ángeles que aspira a triunfar como modelo en el mundo de la moda.

El film cuenta con una primera mitad digna de elogio, con escenas visualmente preciosas y una trama que consigue que nos interesemos por el personaje de Jesse y lo que le sucede.
Es en su segunda mitad cuando llegan los problemas, y es que un Refn tan desenfrenado como excesivo acaba destruyendo todo lo logrado anteriormente, provocando que el espectador desconecte de la película y observe con tedio las locuras que se muestran en pantalla.

La película hace una clara crítica a la superficialidad imperante en el mundo de la moda, donde la belleza tan efímera es lo único importante (sirva como ejemplo lo dicho por el personaje del modisto: “Beauty isn’t everything. It’s the only thing.”), aunque lo mismo se podría decir de las últimas dos películas de su director. Una pena.

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