"Hana" es el único título que me ha decepcionado del prestigioso Koreeda, uno de los más notables de la última generación de realizadores japoneses. Y ello, precisamente, porque esperaba más de su visión una vez conocida buena parte de su obra y habiendo encontrado aspectos bastante sugerentes, destacables, en toda ella.

La película me deja una sensación de vacío, de quedarse a medio camino de cuanto propone -empezando por el género en el que se inscribe- pues no acaba de ser comedia pero tampoco es un drama; es una película sobre la extinción de los samuráis aunque sólo muestra una pelea común, con una sola espada (y de madera) de por medio... Hasta las habituales historias o relaciones románticas parecen desdibujadas, imprecisas. Su desarrollo narrativo queda como suspendido, "por venir", puesto que nunca se ve plenamente confirmado, pareciendo quedar más de un cabo por atar. Por otra parte, la amabilidad de su estilo y sus personajes también parece bastante impropia de aquella época histórica. El habitual ritmo pausado característico del cine nipón -y que en Koreeda adquiere caracteres casi de complaciente contemplación- tampoco parecía el más adecuado en semejante contexto. Demasiadas licencias para que pasen desapercibidas.

Eso sí, el envoltorio es más que adecuado para vender bien el producto. Excelente fotografía y decorados, así como buen estudio de personalidades con los actores secundarios, para mi gusto, mejores que los protagonistas. Dicho sea de paso, hasta la deliciosa Rie Miyazawa pierde buena parte de su encanto detrás de un inadecuado maquillaje blanco (no es geisha, vaya), que vela demasiado toda su bella, delicada carnalidad.

En fín, que obviando su quizá excesivo metraje, la película se deja ver sin mayores complicaciones. Su excelente director obtuvo con "Hana" su particular jidaigeki -espero que se haya sacado la espina para siempre- pero no tardaría en volver a recompensarnos con sus habituales, sensibles historias de refinado intimismo.

Interesante mediometraje de la vida cotidiana de un grupo de jóvenes de un barrio del sur de Londres. Todos ellos tienen el centro de reunión en un club juvenil, el "Alford House", donde organizan sus actividades y diversiones: charlas, excursiones, buena música y baile, mucho baile.

Las imágenes van presentando, con aire improvisado, a algunos de sus socios, de ambos sexos, y a lo largo de la cinta los va mostrando tanto en sus ocupaciones diarias como en sus actividades de ocio llegado el fín de semana. Recién atravesada la adolescencencia, la mayoría de ellos trabaja y sólo una pequeña parte continua con sus estudios. Son chicos de clase trabajadora y, sobre todo, jóvenes "de barrio": algo de lo que se sienten muy orgullosos y proclaman, con fuerte acento cockney, incluso a modo de típico cántico inglés mientras se trasladan en camión a ver un partido de cricket. La película es por tanto casi un reportaje, un excelente documento de finales de los 50 y prólogo de una época social mucho más dinámica.

Cinematográficamente se considera a "We Are the Lambeth Boys" como una avanzadilla del Free Cinema y también uno de sus documentales más emblemáticos, junto a otros del propio Reisz o de colegas luego tan famosos como Lindsay Anderson o Tony Richardson, entre otros. Realizadores que descubrieron al espectador inglés que existía otra juventud, otros ambientes y, en definitiva, otra sociedad menos conformista y autocomplaciente como la que la gran pantalla le había ido mostrando hasta ese momento.

Después de haber visto la primera y anterior película de Rosales "Las horas del día", sorprendente y muy bien realizada, tenía bastante curiosidad por ver algún día su siguiente y última película hasta la fecha, premios Goya aparte, también debido a su tan actual temática y alabado carácter innovador. Debo decir que, cuanto menos, me ha defraudado. Y no poco.

Para representar frescos cotidianos no es necesario caer en lo anodino con acentuaciones en lo muy improbable (spoiler) o en lo totalmente previsible (spoiler). En su categoría de cine español, también premiada con Goyas varios -incluído el de a la mejor película- y también concerniente a soledades varias, la predecesora "Solas", de Benito Zambrano, le da repasos por todos lados, empezando por el de la más directa humildad en su forma de exposición, ya desde su mismo título, que sitúa al espectador pero no hace alarde de categoría. También porque aquella planteaba una historia lineal, de personajes sencillos, pero con una tragedia creíble, urdida por un mejor guión -sin innecesarios circunloquios- en el que no sobraba ni un plano y finalmente, venía respaldada, sin querer desmerecer, por mejores actores que en la presente.

Los supuestamente originales encuadres con la pantalla dividida, por mucho abuso que se haga de ellos, ya formaban parte de la historia del cine casi desde sus inicios. Y respecto a los planos con dos personajes enfrentados (¡siempre en una mesa!) con su alternancia y subjetiva mirada a cámara simulando el lugar del interlocutor, ya estaban, que se me ocurra ahora, en "Buffalo 66", de Vincent Gallo. O sea, que menos alardes de pretenciosa innovación...

Por último, su casi inexistente progresión dramática hacen de "La soledad" una película lenta, de las que deseas ver finalizar, donde sobra el epílogo, y tiene un excesivo metraje para lo poco que muestra. Sin necesidad de rememorar a "El Séneca", en una tertulia de bar de pueblo puedes escuchar observaciones de la vida más agudas y menos aburridas de boca de cualquier grupo de anónimos tertulianos.

Tras un prometedor inicio, la película empieza a perder interés a partir de los quince minutos, pareciendo que no va a terminar de despegar nunca o, lo que es peor, va a terminar por ser una historieta más de intrascendentes romances Made in Hollywood. A raiz del primer encuentro del padre de la joven protagonista con el recién estrenado amante de ésta, las sensaciones varían totalmente. La película da un giro importante, porque los personajes demuestran no ser tan planos como parecían en un principio y la incertidumbre empieza a ir adueñándose de la historia.

Rory Culkin, como ensimismado adolescente, casi mejora el papel de inestable bipolar que interpreta la "star" Edward Norton. Respecto a este último actor, apuntar sus semejanzas, incluso físicas, con el Robert Mitchum de "El cabo del terror" (1962), incluyendo aquí su trama, con la gran amenaza familiar en que acaba desembocando la película.

Pese a resultar por momentos confusa, "Down in the Valley" realiza un buen estudio de personalidades que, aunque demasiado superficial, interesa por su buena recreación de engañosos juegos de apariencias. El interés por la resolución de la historia logra mantenerse, mal que bien, hasta el final. Lo peor, sus altibajos narrativos y varias licencias de guión en las postrimerías de la película, happy end incluído. Resumiendo, discreto cine comercial con poco atisbo de su catalogación como independiente americano.

Como ocurre con la mayoría de las películas norteamericanas inscritas dentro del género romántico -máxime en los últimos veinte años- "Leaving Las Vegas" persigue desde el primer plano la complicidad del espectador, involucrarlo en su trama, ya sea a través de las peculiaridades de los personajes, o bien a través de forzar situaciones para que la narración avance, tenga algún tipo de desarrollo, rellene minutaje. En la presente película se producen ambos presupuestos.

Bien es cierto que me ha resultado imposible creerme algo la paródica interpretación de alcohólico terminal de Nicolas Cage, actor que, lo reconozco, solo he podido soportar en "Arizona Baby". A partir de su encuentro con la prostituta, las similitudes con "Nueve semanas y media" o "Pretty Woman" son más ostensibles, inundando de típicos clichés la historia amorosa con una estética cada vez más próxima al videoclip. A este último respecto, añadir que el mezclote de ininterrumpido y altisonante fondo musical, sólo favorece a dispersar más la atención del espectador, a sacarlo de situación. Si Figgis pretendía con semejante barullo rítmico mostrar el caos interno de su principal protagonista, la técnica es burda hasta el límite.

Para terminar de adornarlo, el protagonista fallece en el momento que consigue su primer orgasmo con tan sufridora amante. Mayor artifico no es posible. ¿"Leaving Las Vegas"? demasiado ruido para tan escasos y, aún peor, engañosos resultados.