Unos sangrientos títulos de créditos dan comienzo a "Sweeney Todd". En ellos vemos como la sangre emana a borbotones de un lugar que no vemos y se cuela por las hendiduras del suelo de la barbería de la calle Fleet. Un viejo y magullado sillón de color rojo se sitúa en medio de la oscura sala, iluminada tan sólo por la luz entrante de las ventanas de la alcoba. Un único cuadro al fondo de la estancia de una mujer y un bebé le sirve de decoración. Este es el escenario cumbre de la nueva película de Tim Burton, su sexta colaboración con Depp, la tercera con Bonham Carter, y, lo más importante, su primer musical.

Depp (Todd) sustituye las tijeras de la primera película que realizó junto a Burton por unas elegantísimas navajas plateadas. No sólo cambia el instrumento sino también la motivación: mientras que Eduardo era un chico aislado del mundo que solo buscaba ser querido por los humanos, Sweeney Todd es un hombre adulto que busca venganza contra el juez que le arrebató su vida tiempo atrás, personificado en Alan Rickman. Para ello se alía con la propietaria de la pastelería de debajo de su negocio (Helena Bonham Carter), antro preferido por cucarachas y bichos varios, y se enfrenta en un mano a mano con un barbero oponente, papel interpretado correctamente por el conocido Sacha Baron Cohen.

La adaptación al cine del aclamado musical de Broadway nos deleita visual y sonoramente: el director hace gala de sus ya características formas curvas y rocambolescas y se atreve con unas canciones que no sólo sirven de adorno sino que actúan de motor de la historia. Una historia tenebrosa, sombría, tétrica y sangrienta, muy sangrienta. Como corresponde a todo musical, cada personaje cuenta con un tema determinado y tiene su momento de gloria en cuanto a uso de la voz se refiere. Las actuaciones se saldan con resultados muy favorables.

Y así, nota a nota, navajazo a navajazo, Burton y Depp arman una historia de amor encubierta por una aún mayor de venganza. La fotografía de la cinta es artísticamente exquisita, y ofrece al espectador escenas de un tremendo poder visual. El Londres gótico en el que Burton nos adentra es un ejemplo de esto, así como todas las sesiones de afeitados apurados que Depp ejecuta. El ritmo de la historia no decae en ningún momento, y alcanza sus mejores momentos en el compás final.

Así pues, "Sweeney Todd: El barbero diabólico de la calle Fleet", suena (y muy bien) como una de las cintas con serias posibilidades de cara a los próximos Oscar, habiéndose ya alzado con el Globo de Oro a Mejor Película Musical y Mejor Actor. Un musical diferente, que no busca la canción como espectáculo sino como eje de la historia, y cuyo final cierra de forma majestuosa el circulo que se abre al empezar la película.

Nunca olvides. Nunca perdones.

En una de las más horripilantes escenas de esta secuela de "El silencio de los corderos", un desfigurado Gary Oldman es lanzado a un foso lleno de chillones y salvajes jabalíes. El silencio pues que Jonathan Demme, Jodie Foster y Anthony Hopkins se encargaron de dar a los corderos se ve aquí alterado por el macabro pulso del director Ridley Scott, que firma una inquietante incursión en la mente del caníbal por excelencia del séptimo arte: Hannibal.

Diez años después de que la primera parte barriera en los premios Oscar llevándose las cinco estatuillas principales (película, director, actor, actriz y guión), el director Ridley Scott, capaz de lo mejor y lo peor, decidió continuar la historia dando más protagonismo al gore explícito que a la psicología de los personajes. Jodie Foster fue lo suficientemente lista como para rechazar volver a encarnar a la agente Clarice Starling, no así Anthony Hopkins, para quien sin duda el reto de volver a interpretar al Dr. Lecter era demasiado atrayente. El resultado se saldó con una correcta interpretación, pero lejos de la original. Gary Oldman fue llamado a la franquicia para dar vida a una desfigurada víctima del doctor en busca de venganza.

Florencia fue el destino escogido por el caníbal para saciar sus ansias de libertad. Esta primera parte de la cinta en que se nos muestra cómo vive Hannibal tras escapar de su celda en la prisión de Baltimore es de lejos la más interesante. Se nos muestra un Lecter en armonía con los bellos paisajes italianos, disfrutando de buena comida, buenos vinos, incluso de la ópera. De hecho ese fue uno de los aspectos que dio tanta fama al personaje: a pesar de ser un caníbal, capaz de devorar a otro ser humano, tiene gustos refinados y exquisitos, es una persona elegante. Las dos caras de un mismo ser.

Pero, desgraciadamente, el filme pronto torna en un espectáculo gore sin mucho sentido, en el cual lo que prima son la sangre y las vísceras, dejando de lado la cuidadísima intriga de "El silencio de los corderos". Aquí se opta por dejar que los espectadores sean testigos en primera fila de todas las atrocidades cometidas por Lecter, en muchos casos provocando verdadero asco y repulsión innecesarios. Con lo bien que Scott lo hizo en "Alien", insinuando más que mostrando, cae ahora en la trampa y obra al revés, con lo que el filme sale perdiendo.

En cuanto a la interpretación de Julianne Moore (sustituyendo a Foster), es capaz de construir un personaje sólido tomando como referente el original pero añadiendo nuevos matices en relación al tiempo que ha pasado. Esta nueva Clarice es más fuerte que la primera, pero también más triste, más aislada. Me quedo con la etapa en que la interpretaba Jodie.

En definitiva, estamos ante una secuela que, aunque se tomó su tiempo para volver, parece hecha de prisa y corriendo, que no está a la altura del original y con poco que añadir a éste. Para hacer esto, señores productores, mejor haber dejado el clásico estar.

Con un prólogo que constituye el tercer acto de una aventura que no vemos, y emulando al mejor James Bond (de hecho el personaje pretende ser un homenaje a su figura), comienza este "En busca del arca perdida", toda una lección de cine a cargo del maestro Spielberg. El comienzo es simplemente espectacular: Indy calibrando el peso del saco de tierra con el del ídolo, la roca gigante persiguiéndolo, paredes que se cierran, persecuciones indígenas, hasta llegar al momento en que provisto de una liana se lanza hacia el mar para nadar hasta el avión, momento en que la mítica banda sonora hace acto de presencia, y el avión se pierde en el horizonte.

A partir de un personaje creado por George Lucas, Spielberg y Harrison Ford se pusieron manos a la obra para crear al que es el héroe de aventuras por excelencia del séptimo arte, y que ha sido objeto de numerosas imitaciones y homenajes. Desde el primer momento en que vemos su silueta recortada contra la montaña de la Paramount, sabemos que el espectáculo que se va a desatar ante nuestros ojos va a ser una de las experiencias más gratificantes del lujo de poder contemplar cine. Ataviado con su sombrero, su látigo, su chaqueta de cuero, y pistolas y demás armas (además de la enfermiza fobia a las serpientes), Indiana Jones es un referente obligatorio del cine de aventuras, y del cine en general.

Gracias a una vibrante banda sonora compuesta por el asiduo de Spielberg, John Williams, y con una puesta en escena, ritmo y tensión encomiables, este primer Indiana Jones nos lleva a un tiempo pasado, acompañando en el viaje a un profesor de historia y arqueólogo en sus ratos libres que se dedica a descubrir tesoros y reliquias enterradas pero no olvidadas. Emulando el espíritu aventurero de los seriales que ambos creadores solían visionar en su infancia, se nos presenta una trama a priori muy simple dividida en tres actos, aparte del citado prologo: una presentación del objeto místico y sus poderes, un nudo en que Indy hace lo posible por recuperarlo, y un final que combina lo real con las leyendas y mitos de los objetos.

Karen Allen como el eterno amor de Indy (desde entonces no encontró a otra paternaire con la se compenetrara tanto), John Rhys Davies y Denholm Elliot en el rol de aliados incondicionales de Indy, y unos malvados Paul Freeman (arqueólogo rival) y Ronald Lacey (psicótico agente nazi), dan forma al reparto de esta enorme cinta, en todos los aspectos. Un mito del cine de aventuras que tuvo dos continuaciones y de la que se espera el inminente estreno de la cuarta, que sin duda se trata del estreno mas esperado del siglo XXI.

Hay películas que hay que ver sí o sí. "En busca del arca perdida" es una de ellas, una cinta de obligado visionado para todo aquel que se considere amante del séptimo arte; una reliquia de incalculable valor, que merece ser rescatada y glorificada a toda costa. Y no olvidada en algún antiguo almacén...

Fortuna y gloria.

"La amenaza fantasma" constituye el primero de los tres (decepcionantes) capítulos que conforman la que se ha venido a llamar la nueva trilogía de "Star Wars" (llamarla "La Guerra de las Galaxias" ya no se lleva). Una pre-trilogía largamente esperada y llegado el momento anunciada a bombo y platillo, allá por el ya lejano 1999. Un tráiler que conmocionó al mundo entero, al volver a oír esas míticas notas, ver mundos lejanos, caballeros Jedi, personajes conocidos, otros nuevos... El solo tráiler ya fue un fenómeno mediático, pues a nuestros padres les daba la oportunidad de volver a ser jóvenes por un rato y a nosotros el ver en pantalla grande lo que tantas veces habíamos visto en la pantalla del televisor, en las ya casi extintas cintas de VHS.

Lucas tenía muchas preguntas que despejar, muchas situaciones que explicar y un origen que revelar: y sentado en la silla de director decidió hacerlo no de la mejor manera, mostrando a un Anakin Skywalker (futuro Vader) niño. Jake Lloyd fue encargado de personificar al que se convertiría en uno de los mejores villanos de todos los tiempos, y quizás el hecho de mostrarlo en esta etapa de su vida dio a la cinta un carácter infantil que los fans no aceptaron nada bien, y que carecía de una historia con la fuerza y la mitología que envolvía a las películas originales.

Liam Neeson como el veterano maestro Qui-Gon Jinn (lo mejor de la película junto al villano Darth Maul), Ewan McGregor como un Obi-Wan Kenobi en sus años de aprendiz Jedi y Natalie Portman como la reina Amidala, futura madre de los gemelos Luke y Leia, componen el plantel principal de una cinta que se apoyó más en los efectos digitales que en las habilidades de los actores para componer a sus personajes.

John Williams fue el único que supo mantenerse a flote recuperando la ferviente banda sonora y creando nuevos temas, como el aclamado "Duel of the Fates" que sí que supieron suplir las carencias de la historia. Una marioneta menos conseguida que la original (quien lo diría) permitió a Yoda volver a la vida, pero lejos quedaron también las sabias palabras del maestro por excelencia del cine. Samuel L. Jackson rogó a Lucas por un papel y se convirtió en miembro del Consejo Jedi, un rol que se expandiría para bien en la secuelas.

La incorporación del que puede ser el personaje más odiado de todos los tiempos, Jar Jar Binks, junto a su pueblo, los Gungans, fue la respuesta de Lucas a la ausencia de Chewbacca como simpático compañero de aventuras de los héroes. Pero allí donde la gigante bola de pelo transmitía ternura y se comportaba como un verdadero amigo en tiempos de necesidad, el digitalizado Jar Jar se limitaba a correr de un lado a otro, haciendo miles de acrobacias para revelar una personalidad nula basada en gracietas varias y el llamado humor de pedo, culo, caca y pis. Nada más que añadir aquí.

-sigue en spoiler por falta de espacio sin desvelar nada-

"Made of Honor" (aparte de que el título español no es fiel al original no tiene ningún sentido, ya que la chica no es su novia sino sólo su amiga), es otra de las tantas comedias americanas que nos llegan cada año. Patrick Dempsey y Michelle Monaghan (aceptable trabajo por parte de ambos) forman la pareja protagonista de una cinta con una premisa calcada a la de la película de Julia Roberts y Cameron Díaz, "La boda de mi mejor amigo". Mención especial para el clásico tercero en discordia, el gran Lucius Vorenus de la serie "Roma" (Kevin McKidd).

El problema con estas películas es que pareciera que todas (salvo contadas y muy honrosas excepciones que aportan luz al género) han salido de una máquina de prefabricados. Metes los actores, el lugar donde se va a desarrollar la cinta y un guión que permanece casi inalterado en la mayoría de los casos y ya tienes un producto empaquetado y listo para ser servido, destinado siempre a la misma audiencia. Es una pena que un género que cuenta con tantas y tan buenas películas se vea denostado por la decena de títulos similares que salen cada mes.

Con una trama a caballo entre Nueva York y Escocia (que nadie se engañe, aunque la mayor parte de la cinta transcurra en el país del Lago Ness no se nos ofrece nada nuevo), "Made of Honor", título que también juega con la pronunciación similar entre "maid" (dama) y "made" (hecho), resulta en una cinta de lo más convencional, que no tiene nada creativo, diferente u original que mostrarnos, pero que sin embargo se deja ver sin demasiada complicación, resultando en ciertos momentos incluso agradable y simpática.

¿Para cuando una comedia romántica que se salga de los parámetros, en la que al final no acaben juntos? Y es que romántico, señores, no equivale a cursi ni ñoño, que es lo que nos quieren hacer creer.