Mordaz, sagaz e interesantísima comedia negra realizada por el director Bosnio Danis Tanovic, sobre el conflicto bélico de los balcanes que comenzó en el año 1992. Se trata de su primer largometraje, tras haber realizado varios documentales sobre la misma guerra, siguiendo "in situ" al ejército de Bosnia y Herzegovina.

La película se estrenó en el festival de Cannes de 2001 y recibió un total de 42 premios, destacando el Oscar a la mejor película de habla no inglesa, el premio de la academia de cine europeo al mejor guión, el César a la mejor película y el Globo de Oro a la mejor película extranjera.

Fué rodada en Eslovenia y es una co-producción de Gran Bretaña, Italia, Francia, Bélgica y Eslovenia, aunque acudió a los Oscar, con bandera de Bosnia Herzegovina.

En palabras del propio director, trató de mostrar, por un lado, un largo día de verano, donde la naturaleza es armónica y está llena de colores vivos y por otro a los seres humanos y la negrura de su locura. Haciendo una metáfora pictórica proponía imaginarnos una fotografía en blanco y negro, sobre un cuadro de Van Gohg. Esta idea queda plasmada con excelente resultado en el film, con una fotografía muy elegante de Walther Vanden Ende, llena de colores en el verde del campo Esloveno en contraposición a unos personajes que desde la comicidad, ponen de manifiesto el absurdo de esa guerra en particular y todas las guerras en general.

Los actores se muestran dispuestos a hacernos reír y a meditar sobre nosotros mismos y la guerra, Branko Djuric, en su segunda película, parece tener la experiencia de 10 películas y entabla una sensible y emocionante relación con René Bitorajac, ámbos nos van dibujando un hermoso cuadro de situaciones increíbles y divertidas en contraposición a ese intento logrado de llevar al absurdo cualquier tipo de conflicto bélico y en general de la violencia y los deseos mas reprochables del alma humana. El personaje de Filip Sovagovic, lleva esa negra comicidad hasta lugares insospechados, aportando mayor dramatismo y conviertiendo esta película en una sátira deliciosa y una crítica a la guerra absolutamente categórica.

A parte es digna de mención la crítica a la hipocresía de la ONU y las potencias mundiales, que nos propone con unos cascos azules y unos mandos militares que en su labor de personajes secundarios, aportan profundidad a la historia y nos hacen pensar en la idea de la posibilidad que tenemos de acabar con este tipo de conflictos.

Así como tampoco nos deja olvidar la importancia e influencia del cuarto poder, con el brillante papel de Katrin Carlidge, la cual ya había trabajado con directores de la talla de Lars Von Trier.

Deliciosa película y una sátira inolvidable sobre lo fácil que se pierde el ser humano... en tierra de nadie.

¿Alguna vez has amado a alguien en el momento equivocado? ¿Alguna vez has tirado tus sueños por perder la esperanza? ¿Alguna vez has sacrificado tus deseos por ayudar a alguien sin futuro? ¿Alguna vez has sacrificado tus sentimientos, por la felicidad de la persona amada? ¿Llegarás tarde a tu cita con la felicidad? Los personajes de la ópera prima de Bohdan Sláma sí.

"Algo parecido a la felicidad" es una sorpresa extrañamente agradable, un remanso salvaje donde sus personajes destilan honestidad y fidelidad a uno mismo y a los seres queridos a raudales, donde la tragedia perfila un dibujo cuyos colores son el amor y la voluntad . Es cine sin artificios, sin relleno, una buena historia de gente sin historia, pero con corazón y con la inteligencia suficiente para reconocer donde está la verdadera felicidad. No sorprende por su fotografía, su música o por su dirección, su punto fuerte es claramente el guión.

La historia transcurre en una ciudad indeterminada de la República Checa, en un barrio industrial y pobre, en un tiempo cercano a la realidad y cuenta un breve periodo de la vida de varios jóvenes con escasos recursos, a través de las relaciones entre ellos, sus familias y sus amantes y amigos.

La trama principal se apoya en los personajes de Tonik y Monika, interpretados por Pavel Liska y Tatiana Vilhelmová, es una historia de amor como única salida de una vida fuera de control, como única esperanza y último destino. Habla de coger las oportunidades en el momento adecuado, habla de ese tren que sólo pasa una vez, habla de la felicidad y sobre todo, de algo muy parecido. Es consistente en forma y en el contenido, es convincente, está bien contada, con sutileza e inteligencia, y sobre todo queda exquisitamente cerrada.

Pero esta buena historia está rodeada de varias subtramas con unos personajes secundarios creados con buen juicio y con mucho estílo, valga como ejemplo el padre de Monika y amigo de Tonik, (Martin Huba) que en una de sus diarias borracheras le espeta con la más absoluta sinceridad aquello de "Blando...cuando eres blando, se acabó". O los dos niños, hijos de Dasha, a los que su madre abandona antes de ser ingresada en un psiquiátrico y que Monika decide "adoptar" sacrificando un esperadísimo "viaje". También digno de mención, el personaje de la madre de Monika,(Anna Kozisová) empeñada en convencerla de que piense en sí misma.

Lúcida y apasionada historia en la que todos nos reflejamos en mayor o menor medida. Bella película.

Cuarta película dirigida por Berlanga y su tercera en solitario, rodada en Peñíscola en 1956 y estrenada el 1 de Octubre de ese mismo año.

Tras concluir el rodaje de "Novio a la vista", Berlanga intervino en varios proyectos que no llegaron a encontrar financiación, barajó varios títulos como "Los Gancheros" o "Tierra de Nadie" pero en parte por el dinero y en parte por los censores, no llegaron a realizarse. Fué entonces cuando encontró un argumento de Leonardo Martín, que acabaría convirtiendose en Calabuch. Además de Berlanga y Martín, trabajaron en el guión Florentino Soria y Ennio Flaianno. Obtuvo financiación española e italiana.

La historia es pura poesía, una sátira antibelicista, antipolítica y antifranquista que se desarrolla en un pueblo de levante llamado Calabuch, al que llega un famoso científico huyendo de su país debido a que sus descubrimientos científicos se están ulizando para realizar proyectos militares. En ese pequeño pueblo de pescadores, encuentra el profesor Hamilton, un lugar donde descansar hasta su muerte, un lugar donde vivir en paz, donde la amistad, el sentido del humor y la bondad en su sentido más utópico pueden convivir. La llegada del Profesor al pueblo consigue revolucionar a sus habitantes y el viejo ácrata, revolucionará esa pequeña sociedad, militar, política y eclesiásticamente. Es un pueblo modesto, pero lleno de confraternidad y camaradería.

Debido al renombre alcanzado anteriormente por Berlanga, pudo trabajar con un actor excepcional que encarnaría al Profesor Hamilton en el papel protagonista, Edmund Gwenn, que anteriormente trabajara con Gordon Douglas o el mismo Hitchcock. Realizó un papel excepcional y sobre todo consiguió transmitir esa sensibilidad y humanidad tan necesaria para la película.
También son buenos los trabajos de los italianos Valentina Cortese como la maestra y Franco Fabrizi en el papel de "El Langosta", así como del español Juan Calvo.

La música de Angelo Francesco Lavagnino y Guido Guerrini apoya con estusiamo la historia y se hace participe de todas las vicisitudes de los personajes.

La crítica mas feroz, la realizó Truffaut en un periodico francés argumentando que la bomba debería haber caído sobre la cabeza de Berlanga, pero es absolutamente obvio que el señor Truffaut, se equivocó.

Von Sternberg es uno de esos directores de origen europeo, más concretamente de origen austríaco, que revolucionaron el mundo del cine en los años 30 y 40, y tomaron una posición fuerte en Hollywood, influenciando a multitud de directores posteriores. Cabe destacar entre ellos a dos mitos del cine como Wilder y Lang.

En Ángel Azul fué rodada en Alemania en 1930, con guión de Karl Zuckmayer, Karl Vollmuller y Robert Liebmann basándose en una novela de Heinrich Mann (hermano mayor de Thomas Mann), titulada Professor Unrat. Es la novena película de Von Sternberg.

En cuanto a la estética rinde un claro homenaje al expresionismo alemán, marco en el que se forjó el director. Esto se aprecia sobre todo en los decorados de exteriores, con esos tejados de formas extrañas y esas calles casi imposibles, llenas de oscuridad y alumbradas con tenues luces de farol. También se aprecia en interiores, con fuertes contrastes de luz, líneas inclinadas, encuadres muy originales, planos generales de abajo a arriba que denotan una increíble maestría y movimientos de cámara que seducen al menos aficionado al cine.

En cuanto a la narrativa es una historia clásica, un profesor de unos 50 años, magistralmente interpretado por Emil Jannings, se enamora de la mujer equivocada, una hermosa joven bailarina de cabaret. Hay mucha simbología en la película, la ética del profesor o lo prohibido que representan el Ángel Azul y el propio personaje de Dietrich. Incluso unos posibles ángeles de lo prohibido representados por los alumnos.

El punto fuerte de la película es por supuesto una joven Marlene Dietrich, a la que Von Sternberg descubrió en el Berliner Theater, en un musical llamado "Dos Corbatas", mientras buscaba a una actriz cantante para este personaje. Von Sternberg creó en Dietrich ese status de "Femme Fatal", y lo hizo con esta película, aunque en sus propias palabras, no le dió nada que ella no tuviera. Su personaje abarca todo el espectro de sentimentos al completo, pasa de ser una entregada y fiel amante, a ser una mujer fría y distante que lleva al personaje del profesor a situaciones que hacen de esta película una joya. Dietrich le otorga al personaje una credibilidad y una profundidad abrumadoras en situaciones tan distintas como interesantes y la respuesta de Jannings es encomiable, se mantiene siempre a la altura de una gran historia.

Un clásico del cine alemán, desgarradora, apabullante e inolvidable.

Nueva cinta bélica del prolífico director americano Quentin Jerome Tarantino, ganador del Oscar al mejor guión original en 1994 por Pulp Fiction, la cual también se llevó la Palma de Oro y el premio al mejor guión original en los Bafta. Tarantino se encarga de escribir el guión, de seleccionar la música y de la dirección de la película tal y como nos tiene acostumbados. La fotografía corre a cargo de Robert Richardson, afamado director de fotografía que trabajó con Oliver Stone o Martin Scorsese. Podemos decir que la fotografía cumple su papel pero no aporta nada nuevo, no veremos una iluminación que nos sorprenda, ni encuadres originales.

El guión nos ofrece momentos divertidos pero en la forma es bastante endeble, como digo es entretenido, vivaz y en algunos momentos impactante, pero siempre tiende al sin sentido y a la violencia gratuita. El problema de la trama es que te deja frío.

El trabajo de los actores sí nos deja alguna que otra satisfacción, Brad Pitt cumple bastante bien ya que se trata de un papel de los que suele sacar partido, con un personaje al margen de convencionalismos, con exceso de chulería y capitaneando a su grupo de bastardos "apaches".

Mélanie Laurent sorprende por su belleza, pero también por saber conducir a la perfección el papel protagonista de Shosanna, una joven judía que perseguida por los nazis, nos va mostrando a lo largo de la película una encomiable variedad de sentimientos y situaciones, convence corriendo por el campo, dirgiendo un negocio, o con una tierna relación de amistad y/o amor.

Pero el actor que sorprende de verdad para bien es Christoph Waltz en el papel del Coronel Hans Landa, una especie de sarcástico, encantador y simpatiquísimo detective de las S.S. que a pesar de su terrible maldad nos hace sonreír gracias a su descaro y su habilidad para reírse en la cara de la gente. Humor negro y muy sarcástico. Él, es lo mejor de la película, de ahí su merecido premio en el festival de Cannes, como mejor actor.

La música tiene gusto como siempre aunque a veces es un poco discordante con la historia.

Me parecen dignas de mencionar la multitud de referencias cinéfilas que nos aporta el director, ya sea una comparación entre Linder y Chaplin, varios carteles de películas de Clouzot, la mención de Lilian Harvey, actriz que hizo gran cantidad de películas alemanas en los años veinte y treinta, la cual no debe ser mencionada en presencia de un oficial alemán, ya que a pesar de hacer cine alemán y ser hija de un alemán, su nacionalidad era inglesa. La mención de Georg Wilhelm Pabst, director de cine austríaco y expresionista... O la interesantísima comparación de Goebbels con David o. Selznick. La película está muy cargada de detalles propios de un gran cinéfilo como es Tarantino y es un detalle que me gusta.

Como conclusión decir que es una buena peli, con un par de escenas memorables, pero no la recordaremos con el paso de los años.