Sicilia es única, mágica, apartada de la realidad italiana pero cercana a una realidad distinta construida a través de la cultura.
Su ambiente, el paisaje, la historia y los habitantes determinan una sensibilidad diferente. Sicilia hay una sola, y de eso no hay dudas.

Ese es el origen principal de esta obra artística en todas sus dimensiones, además de lo propiamente cinematográfico, creado por el dúo francés Huillet-Straub.
Quienes supieron expresar un lenguaje visual propio y han sido respaldados no tanto por el escaso público que ha visto su filmografía debido a la poca difusión de sus films sino por la crítica especializada, principalmente “Cahiers du cinéma”.

"Sicilia!” nos desvela a un hombre quien retorna del norte de Italia a su región natal para visitar a su madre. En el camino se encontrará con diferentes personajes con los cuales entablará diálogos de rasgos políticos como también cotidianos.

Ahora, lo que genera cierta curiosidad al adentrarse en esta obra no es su sustancia, sino su forma, el estilo visual.
Con una duración no mayor de 1 hora sino caería en lo tedioso. El dúo de cineastas por medio de un blanco y negro esplendoroso, intercalando los primeros planos en los momentos de diálogos y una cámara panorámica que nos muestra de este a oeste la naturaleza siciliana, nos inducen a interiorizarnos en la Sicilia naciente, su pureza y su silencio.

Los destellos de originalidad están presentes.
Un ejemplo claro de esto son los diálogos, cuya esencia reside en su expresión, en su tonalidad monótona, sin matices, que genera un sentimiento de algo poco natural. Son frases que de forma contundente subrayan un pensamiento, no esperan una respuesta. Por eso es que la cámara en ocasiones no muestra al receptor de la conversación, pareciese ser que cada uno tiene su encuadre propio y el tiempo de expresar sus ideas.
Y aquí surge la importancia de los actores dentro de este parafraseo, su valor reside en sus rostros, sus gestos, sus muecas. Sus rasgos faciales se distienden de lo que expresan verbalmente (son actores no profesionales, característico del cine de Straub y Huillet).

En el sentido amplio de la palabra, se siente que este film es más un ensayo que una película. Es novedoso pero no deja de ser algo insustancial, su atmósfera espesa no nos genera un sentido real donde impregnarnos.
Tiene un potencial escénico excelente, pero esto nos impide interiorizarnos con los personajes, aunque uno podría decir que se juega con este choque existencial entre la realidad y la ficción.

ES ADUSTA Y MEDIDA, PERO EN MI OPINIÓN VACÍA. TENER AIRE PROPIO NO ES SUFICIENTE PARA ENTRAR EN LA RETINA DEL ESPECTADOR. Y SER ELITISTA O SECTATORIAL, NOS HACE OLVIDAR QUE EL CINE ES UNA EXPRESIÓN ARTÍSTICA QUE BUSCA EL CONSENSO DEL PÚBLICO.

La presentación de este film nos atrae a primera vista: dirigido por el magnífico Bertrand Tavernier, sus actores: el legendario Dirk Bogarde, la fantástica Jane Birkin y Odette Laure.
Película galardonada al mejor actor en el festival de Valladolid (Bogarde), al César a la mejor actriz de soporte (Laure) y seleccionada oficialmente por el festival de Cannes.

Lamentablemente esto no es real, hemos visto un espejismo, creemos haber visto algo en frente de nosotros tan real, tan gratificante pero en realidad ha sido todo una ilusión o una ¿desilusión?
El entusiasmo primerizo al que caímos instintivamente va disminuyendo a medida que nos vamos adentrando a este retrato costumbrista sobre una familia anglo-francesa.
Su contenido y su forma de narración son convencionales y previsibles, nos adentramos pero sin tener una respuesta, o algo que nos invite a descubrir algo original.

La película nos cuenta la historia de Caroline, una escritora parisina que recibe una llamada de su madre, quien le comunica que su padre esta gravemente enfermo. Ella lo visitará pasando unas semanas con ellos, en cuya experiencia construida de recuerdos y anécdotas redescubrirá su propia vida y la de su familia, especialmente la de su progenitor.

Lo que no hay que olvidar es que detrás de cámara hay una referencia real, el gran Tavernier, quien logra plantear temas como lo efímero que es el amor (los padres de Caroline), el ser humano como un ser vivo que se constituye a través de los recuerdos y la memoria (Bogarde) de lo cual hace referencia el título del film: “Daddy nostalgie”, y la reacción del humano frente a situaciones críticas, como es la muerte (Birkin).
Todo esto convive armoniosamente gracias al talento visual de su director, quien mantiene su preciosismo formal.

SIN EMBARGO, TAVERNIER NO LLEGA A CONVENCERLOS CON ESTE FILM DESLUCIDO, QUE NO PUEDE EVITAR LA INFECCIÓN SENTIMENTAL Y EL EFECTISMO, EN EL CUAL BOGARDE NO HACE HONOR A SU CURRICULUM CINEMATOGRÁFICO.

En un teatro francés contemporáneo se presenta la obra “Gouttes d'eau sur pierres brûlantes”.
Su autor, el gran dramaturgo alemán Rainer Werner Fassbinder.
El director, François Ozon: gran representante de la movida “teatral” post Nouvelle vague.
La gente se amontona en la entrada con grandes expectativas llenado la sala.
Se abre el telón, desde sus butacas los espectadores esperan ansiosos la irrupción de los actores: en escena aparecen primero Bernard Giraudeau y Malik Zidi, a mitad de la obra Ludivine Sagnier y Anna Thomson se unen al dúo actoral.

1er acto.
Como se denota inmediatamente el film posee una estructura muy teatral, el espacio fílmico es siempre el mismo (la casa de Leopold = Giraudeau), la narración se desarrolla en tiempo real. El lienzo fílmico carece, en el buen sentido, de matices. Es decir, la cámara es concisa y efectiva en lo que desea mostrar, no sobresalen ningún movimiento de cámara u angulación distinto a lo convencional.

2do acto.
Su esencia reside en los personajes.
El personaje principal es Leopold, interpretado por un maravilloso, versátil y contundente Bernard Giraudeau quien toma el papel de un exitoso hombre de negocios que usa su poder de seducción para alcanzar sus propósitos. Franz (Malik Zidi) será la primera victima de estas usanzas, compartidas por una sensual y provocativa joven, interpretada por Ludivine Sagnier, quien debuta en la pantalla grande.
En un papel más secundario y tardío se une al grupo, Anna Thomson, quien completa a un inspirado reparto.

3er acto.
El tema que determina a los personajes es la búsqueda de la felicidad (arquetípica), en cuyo camino impregnado por la pasión como leitmotiv generará un baño de sexo, ilusiones y sueños, en constante estado de intriga. Cuyo desenlace va a caer en una tragedia con trazos de comedia.

Telón final.
GANADORA A LA MEJOR PELÍCULA EN LA BERLINALE, OZON NOS OFRECE UN FILM SÓLIDO, VIBRANTE Y HONESTO. EN EL CUAL NOS DETALLA SU ESPÍRITU LÚDICO Y PERTURBADOR MEDIANTE UNA EXCELENTE DIRECCIÓN DE ACTORES Y UNA PROVOCATIVA MUESTRA DE HUMOR DISPARATADO Y DELIRANTE, CON UN TRASFONDO DRAMÁTICO.

Acostumbrados a que el cine israelí nos muestre su faceta bélica, histórica y religiosa.
"Medusas" es un mundo abierto a una nueva faceta: el ser humano como generador de sentimientos.
Esto se denota al adentrarse en las vivencias cotidianas, al indagar no de manera detectivesca sino como si fuera un poema de rasgos melancólicos que fluye a través de tres historias particulares que transcurren en la ciudad de Tel Aviv, que aunque se entre crucen en momentos, su objetivo es imprimirnos un ambiente en el que se fusionan lo real y lo fantástico.

No se vislumbra en este film un argumento, su contenido esta exento de esto, no esta planificado o ideado mostrarnos una historia con un principio, un nudo y un final.
Su esencia -y es en lo que se diferencia el cine de la literatura- es la imagen. Esta es el fundamento de su existencia, la imagen es la que le da el sentido a la historia. La que nos hace reír y a la vez estar tensos en la luna de miel fallida, la que nos introduce dentro de la agitada vida de Batya y nos sorprende con la irrupción a su vida de una niña que sale de las profundidades del mar y finalmente nos emociona con la simple pero a su vez profunda vida de Joy, una cuidadora de ancianos.

En cuanto al título, "Medusas", en mi humilde opinión, hace referencia a los personajes y a su forma de actuar. Ellos son medusas, flotan en el mar, no están ni en la tierra ni sobresalen del mar, viven el ahora y no piensan en su destino, ni en su final.

GANADORA DE LA CÁMARA DE ORO EN EL FESTIVAL DE CANNES, “MEDUSAS”, ES EL EJEMPLO VIVO DE CÓMO PLASMAR EN IMÁGENES LOS SENTIMIENTOS, VIVENCIAS Y DESEOS DE UN GRUPO DE PERSONAS COTIDIANAS QUE DIVAGAN EN EL MUNDO, COMO MEDUSAS, SIN UN ¿POR QUÉ? NI UN ¿PARA QUÉ?, SIMPLEMENTE FLOTAN, SIENTEN Y VIVEN.

Un destacado profesor de ciencias naturales de la capital (Praga) llega a un recóndito pueblo rural a enseñar en la escuela local.
Su objetivo, no se sabe. Su destino, se desconoce. Su pasado, se oculta.

Estos son los factores que se establecen en el tercer film del cineasta de moda en su país, el checoslovaco Bohdan Sláma (ganador de la concha de oro de San Sebastián en el 2005 por “Algo parecido a la felicidad”) quien en este film protagonizado por su actor fetiche Pavel Liška nos narra con pausado y equilibrado tono una historia que profundiza sobre la complejidad del ser humano, tanto en su actuar (el personaje protagonista) como en el juicio y reacción de los que lo rodean (la sociedad).

Con una puesta en escena efectista y accesible, el director nos propone sumergirnos en el interior del personaje principal, en su búsqueda de la felicidad y su huida de las presiones de la sociedad trastornada.
Su huída hacia un pueblo lejano en búsqueda de una nueva vida, y de relacionarse con nueva gente no le será fácil. Su secreto, la homosexualidad, lo mantendrá acomplejado hasta revelarlo. La respuesta a sus interrogantes no lo encontrará en lo ajeno sino en una mirada interior, en tratar de estar conforme consigo mismo.

Todo esto confluye y se expresa magistralmente en el argumento: “Para mí lo más importante es el argumento. Lo que trato de hacer es contar una historia con personajes que tienen problemas normales, que cualquier ser humano puede tener (…) retratar personajes que no son grandes héroes, como esos de los filmes de Hollywood, sino seres de carne y hueso que tratan de encontrarse a sí mismos (B. Sláma)

HISTORIA SIMPLE Y UNIVERSAL, CUYO EXPLENDOR RESIDE EN LA BELLEZA DE SUS PERSONAJES Y EN LA BÚSQUEDA INTERIOR Y COLECTIVA DE LA FELICIDAD.