Cualquier película en la que aparezca Fred Astaire, va a merecer la pena, sin duda. Consigue brillar hasta en los números más ridículos, a los que Donen es tan aficionado. Siempre de buen humor, siempre elegantísimo, inteligente y virtuoso en el baile. Porque de lo que no cabe ninguna duda es de que Fred posee un don para bailar, es maravilloso en un número complejo como lo es en uno sencillo y sus escenas como actor hacen que la cámara lo adore y que los espectadores lo idolatremos. Otra cosa es Donen, que no se sabe muy bien si aplaudirle o silbarle, si admirarse de esa repentina genialidad o aburrirse de ese barroquismo innecesario tantas veces, que resulta tan cansino en todas sus películas. Porque a veces se pasa de rosca varias vueltas, pero sabe brillar como nadie entre ese derroche de creatividad y humor que tan bien sabe desplegar. En esta película, sin embargo, y por ser una de las primeras, está bastante comedido y formal, dentro de lo que cabe, ya que cuando esperabas que nada podría ocurrir, se saca de la manga ese número con Freddy bailando por el techo y aparece esa sensación de que ya ha merecido la pena visionar esta película. Otros, como el inicial, pecan de exagerados, y el primer número en Londres, con la pareja discutiendo, resultan hoy en día de bastante mal gusto, considerando el contexto de empuje del feminismo y de la actuación contra la violencia de género y los estereotipos. Es este juego, sin embargo, el que da vida a la película, ya que desde el principio se equipara a la mujer con el hombre en su rol de conquistadora de amores de usar y tirar, alérgica al matrimonio y mentirosa por circunstancias inherentes a la vida de artista. Aún así no nos libramos del típico final que Hollywood considera "feliz" pero que los espectadores sabemos que es un gran error para esta pareja de artistas de éxito. A lo largo de la película, todo son risas, diálogos rápidos e ingeniosos, situaciones divertidas, bailoteos también divertidos siempre y gente que se comporta como en un musical, alegre, vital, parlanchina y familiar con los desconocidos. Todo lo que yo espero de un musical. La vie en rose.

Aquí tenemos un ejemplo del mejor cine español que se puede hacer, eso sí, Mario Camus no tiene su estrella en el recién estrenado paseo de la fama.
Una película estremecedora, que pone los pelos de punta y transmite una rabia y una impotencia que casi obliga a llorar. Éste es un tema tan antiguo como la vida misma: la estratificación salvaje de la sociedad. La clase de arriba, despiadada, paternalista y misántropa; la clase oprimida, servil, miserable e ignorante. Los actores bordan sus interpretaciones, hasta el punto de hacernos olvidar que lo que vemos es tan sólo una película,aunque tristemente bien reflejada en la realidad de la España de la posguerra.
La banda sonora aplica con maestría esos golpes de tensión emocional en los momentos de mayor relevancia argumental, y enfatiza la miseria y la injusticia como otras pocas han hecho. Conmueve ver cómo la vida trata a esos seres inconscientes de su propia degradación, aunque Azarías, el retrasado mental, parece ser el único liberado de la tiranía social y de los clichés establecidos, y en su extraña libertad alcanza la felicidad en las cosas sencillas y resulta tener una excepcional lucidez a la hora de entender la justicia.
El contraste entre señores y siervos es constante a lo largo de toda la película, y queda patente en el banquete de comunión en una emotiva representación simbólica de la vida en ambos mundos y de las distintas formas de felicidad e infelicidad. Porque en esta historia no sólo sufren los pobres. También existen otras formas de humillación y deterioro moral en las casas de los ricos.
Básicamente, el tema que da vida y corazón a la película es que los abusos de poder en manos de personas irresponsables arrastran a los pobres a comportarse como niños, cuando el deber de un falso cristiano de la época y desgraciadamente todavía de nuestros días, sería ayudar a mejorar las situaciones precarias. Es por ello que el hecho de que el acto central que reúne a los personajes influyentes sea una comunión resulta paradójico e irónico pues respetar con tanta exactitud un precepto católico implicaría también no ejercer una autosatisfacción de limosna, sino respetar a los de abajo como personas en lugar de animales.
Nunca había visto en una película el deterioro de la dignidad personal como en ésta, y nunca había sentido tanta compasión y dolor. Será porque en el fondo sé que es algo tan real que incluso mis propios abuelos o padres la pueden haber vivido.

Por suerte, ver una película de Lubitsch siempre es garantía de pasar un rato delicioso ante la pantalla. Este director es simplemente elegante, y su humor, sofisticado y revelador. La mayor parte de las situaciones cómicas se vienen fraguando desde atrás y todas arrancan la sonrisa apenas con un gesto o con una sola frase, y es que el guión mismo, la película en sí, ya son una gran situación cómica. Burgess Meredith está fantástico en su papel de artista loco y su semblante serio y enfadado provoca más risa si cabe que cualquier otra cosa. Ahora bien, entramos en el espinoso tratamiento que Hollywood hace de los problemas de la mujer, casi siempre ridiculizando o empequeñeciendo cuestiones que atañen a su felicidad y a su vida misma, que no es poco. Aquí la esposa, lejos de mostrarse frustrada o deprimida o en plena crisis existencial, acaba siendo un personaje caprichoso que destroza un matrimonio feliz (feliz para él). Tampoco el marido se siente enfadado, ultrajado o deshonrado, ya que no ofende quien quiere, sino quien puede, y al fin y al cabo, ella es "solo una mujer". Ya lo dice la introducción, "el hombre" ha descubierto el mundo, y las mujeres son accesorios, elementos de ese mundo, a los que poder descubrir. Sin embargo, hay un momento "keeks" que nos descubre a una mujer con decisión, con capacidad para afirmar rotundamente que hay cosas que no le gustan y que ser esposa no es condición que confiera libertad total a un marido para hacer lo que quiera. Es de celebrar esa escena mágica, que podría haberse trasladado al desarrollo de la trama, pero no. Esto es una comedia de Hollywood, y el final tiene que ser un final "made in Hollywood", y ya sabemos lo que eso significa, pues existe un abismo entre lo que en el cine consideran "feliz" y lo que de verdad hace a una mujer feliz en el mundo real, normalmente su libertad. Clase alta, alta comedia, arte y música se unen para ofrecer un pequeño bocado de este maestro de directores, y el debate, lo dejamos para después de las palomitas. Keeks!

Siguiendo la línea más tradicional de los culebrones brasileños, lo que incluye el retrato de una sociedad fuertemente estratificada, la división por el color y una producción de lo más mediocre... se presenta esta preciosa historia de Jorge Amado, escritor de gran éxito en Brasil cuyas obras desembocan en películas con la mezcla perfecta de humor y sensualidad. Gabriela representa el estereotipo de mujer salvaje y ardiente que vuelve locos a los hombres, pero de piel oscura y sin recursos económicos, lo que en un país como Brasil supone pertener al segmento menos prestigioso de la población. De ahí el dilema de nuestro protagonista y el nudo fundamental de la historia.

En realidad la película se queda reducida a mostrar el sensual encanto de Sonia Braga enmarcado en la inocencia de su personaje, bello homenaje al magnetismo de la mujer brasileña morena, salpicado con notas de oscuras pasiones por parte de los habitantes del pueblo y del ambiente de hipócrita asfixia moral de la época que, por cierto, aún perdura hoy en día, en el que los hombres disfrutan sus correrías sexuales en el local de alterne, mientras se espera de las mujeres que reduzcan a la mínima expresión el alcance de sus escotes. Ante tal panorama, la sexualidad natural e inocente de Gabriela sobresale como una punta de lanza que rasga las conciencias. El mensaje, en mi opinión, es claro: la garota es un grito a la libertad de expresión y al sexo libre, a la necesidad de vivir como uno quiera y al derecho a ser feliz cualquiera que sea el camino escogido.

Adornando la mediocridad surge la maravillosa banda sonora de A.C.Jobim, que al final resulta ser lo mejor de la película, y que transmite con la velocidad del rayo la pasión que las imágenes no son capaces de reproducir, salvando el cuerpo de Sonia, cuya belleza real también es más que cuestionable.

Otra muestra de la genialidad y maestría de Billy Wilder.
Sentía mucha curiosidad por ver cómo Wilder se desenvolvería en una comedia de los 80, y el resultado sin duda no defrauda. En la línea de sus mejores comedias, y salvando el hecho de que está en color y en el mundo ya triunfa la liberación sexual, se podría decir que ha conseguido elaborar una pieza única atemporal.
La visión de este talentoso director ofrece una particular parodia de los acontecimientos contemporáneos, incluyendo el auge del nudismo, los porros, el sexo tántrico, la inmigración mexicana... Todo ello sin perder su toque.
Lemmon y Matthau están, como siempre, formidables, y el tema del "malo hecho bueno por la fuerza" resulta divertidísimo y muy bien interpretado por ambas partes. Como en las mejores obras de artesanía, para que una película triunfe basándose prácticamente en tan sólo dos personajes, se requiere un guión excelente y una dirección notable. Además, hay múltiples detalles complementando la trama cada minuto de metraje, expuestos para el espectador atento. Y una curiosidad: antes de Tarantino en Reservoir Dogs, Wilder ya utiliza a su Señor Marrón y su Señor Blanco...
En resumen, se disfruta intensamente.