La primera vez que vi “Detour”, supuso una experiencia cinematográfica sin parangón, para un amante del género negro como yo. La capacidad de Ulmer para introducir al ensimismado espectador dentro de su paranoica pesadilla y de hacerlo partícipe de sus ensoñaciones y alucinaciones particulares, es abrumadoramente eficaz y poéticamente persuasiva. La sombra de su maestro Murnau, sobrevuela una historia puramente Hollywood, años 40.

Este largometraje podría ser el ejemplo paradigmático que demuestre que para realizar una gran película, en los años cuarenta, no era necesario pertenecer a una de las majors. Se rodó en seis días en un pequeño estudio de la compañía PRC Inc. con un presupuesto de veinte mil dólares, allá por 1945 y la historia la ha colocado como una de las mayores curiosidades de aquella época dorada de Hollywood en la que las grandes estrellas de cine, rodaban films de cine negro. Nos encontramos ante, quizá, la obra maestra de lo que podríamos llamar cine negro de serie B.

Tras un comienzo en el que se prevé un drama de corazones solitarios, con la crisis del 29 ondeando en la lejanía, donde el pianista de pequeño club de jazz de Nueva York y la bella y joven cantante, aspirante a actriz de Hollywood, sueñan con amarse eternamente, la película se convierte en un soñoliento, lóbrego y sombrío viaje que mezcla, crimen, thriller, cine negro, drama, intriga, misterio y road movie en una fusión de géneros donde prevalecen los excesos y ausencias de luz y los juegos y escrupulosos engaños de guión.

Lo más interesante del film es su sensación claustrofóbica de ensueño. Los contrastes de luces y sombras exagerados y esa capacidad para influenciarse del expresionismo alemán, con categórica modernidad dejan constancia de esta “rara avis”, que hace de la diferencia y la originalidad, sus signos de identidad.

El guión plantea un desasosegante viaje por la culpa, donde sus solitarios, melancólicos y desesperanzados personajes, nos llevan a su antojo por el terreno de la duda y la desconfianza. Su mayor poder narrativo es el de jugar con los pensamientos del espectador, con lo que sabe y sobre todo con lo que cree saber. Tiene la virtud del cine negro de sorprender y conseguir que nada sea lo que parece, con milimétrica habilidad para el desconcierto y sabiendo dejar en el aire esas dudas que al buen espectador le encanta resolver a su manera. En este ambiente tétrico donde las sombras y el miedo lo cubren todo, se percibe una fuerza que controla todo. En la novela de Goldsmith se cita claramente a Dios, como la fuerza que mueve a su antojo el destino de los protagonistas, pero en el guión será el propio destino el que maneje a su antojo el bien y el mal, para crear víctimas y culpables. La historia transcurre a lo largo de la travesía realizada a dedo por el pianista Al Roberts, entre N.Y.C y L.A. para encontrarse con su novia, tras la decisión de esta de intentar ganarse la vida como actriz en Hollywood.

«Many years ago... many, many years ago... I brought up a boy, and I said to him: "Son, if you ever become a writer, try to write a good part for your old man sometime". Well, by cracky, that's what he did!».

Esto es parte del encomiable discurso que Walter Houston le dedicó a su hijo tras recibir el Oscar al mejor actor secundario en 1949, también lo recibiría John por mejor guión y mejor dirección. La película también sería premiada con el Globo de Oro a la mejor película: Drama.

Se trata de una de las mejores películas de aventuras de todos los tiempos, donde tres desharrapados que buscan empleo en una ciudad de Méjico deciden emprender una expedición a Tampico en busca de oro, sin nada que perder y mucho que ganar se aventuran en un inhóspito camino para narrarnos una gran historia sobre la amistad y la ambición. El guión es de John Huston, basado en una novela de Ben Traven.

En cuanto a la dirección me parece una de las mejores obras de Huston, consigue sacar de cada personaje y cada actor sus mejores virtudes, ofrece multitud de planos espectaculares de gran belleza plástica, la colocación de la cámara aporta realismo e intensidad a las escenas de acción y en global, tiene ese estilo de los grandes clásicos.

Los tres actores principales realizan actuaciones brillantes, Bogart interpretando a Fred. C. Dobbs nos crea un mendigo avaricioso y sin escrúpulos, un tipo duro y traicionero al que le pierde su ambición, muy a su estílo pero con rasgos distintivos que consigue esa especial dirección de Huston.

Tim Holt, en su personaje de Bob Curtin representa la honradez, los valores de la amistad y la honestidad, aunque en alguna escena de la película también nos sorprenderá por su frialdad. Aún así la templanza será su mayor virtud.

El personaje de Walter Huston, es realmente divertido, un viejete aventurero que incitará a los otros dos a iniciar la aventura, con un personaje encomiable pero lleno de ambigüedad que nos sorprenderá continuamente y tendrá un desenlace delicioso. Huston aporta con gran estílo esa larga y brillante experiencia como actor y la plasma con carácter en su personaje, un viejo y experimentado buscador de oro.

La fotografía en blanco y negro de Ted McCord es plásticamente muy bella y rica en contrastes, cabe reseñar cierta oscuridad al principio de la película, en una perspectiva general, cuando están en la ciudad y como eso se transforma en luz cuando abandonan la urbe para embarcarse en la aventura, gracias sobre todo a la dirección de Huston, la fotografía marca de forma acertada los sentimientos de los personajes.

La música de Max Steiner ensalza las escenas importantes con rigor.

Deliciosa película de aventuras para ver en un ciclo junto a "La reina de África", "Moby Dick" y "El hombre que pudo reinar".

Resulta agradable disfrutar de cine negro moderno, dada la escasez de películas de este género en el cine actual, películas como ésta se convierten en pequeñas gotas de esperanza, que reavivan aquel espíritu de los años 30 y 40 del que soy un ávido admirador.

La última seducción se rodó en Irvington y New York en 1993 y 1994 y se estrenó en España el 30 de Marzo de 1995. Se trata de la primera película escrita por Steve Barancik y fué dirigida por John Dahl del que se pueden destacar sus trabajos en dirección de series como Dexter. Ganó numerosos premios entre los que destacan el premio New Generation 1994 de la Asociación de Críticos de Los Ángeles a John Dahl, Premio 1994 a la mejor actriz de la Asociación de Críticos de Nueva York y el Premio de la Crítica en Cognac 1994.

Dahl, ferviente admirador del cine negro crea una historia que supone un claro homenaje a Barbara Stanwyck y a "Perdición" de Billy Wilder. Con la inestimable interpretación de Linda Fiorentino, en el papel protagonista, crea una "femme fatal" que sostiene toda la esencia de la película. A parte de una cita propiamente dicha de la doble indemnización, título original de la película de Wilder, basa todo el argumento en este personaje y en las indemnizaciones por los seguros de vida. Fiorentino a parte de lucir palmito, crea un personaje despiadado, exento de valores, con una habilidad pasmosa para jugar con la voluntad de los hombres que se mueven a su alrededor.

La figura del marido, interpretado por Pullman es al mismo tiempo un personaje muy negro, un doctor que trafica con medicamentos que contienen cocaína. Su interpretación es lúcida y aunque corta, abre y cierra el argumento dejando una historia redonda. Pullman me parece un actor muy apropiado para este papel por su aire de actor de cine independiente, por ese tono introspectivo de su interpretación y por saber dotar al personaje de cierto aire de locura.

La idea principal de esta película es ese homenaje al cine negro. Me parece muy teórica en ese sentido, ya que muestra con habilidad casi todas sus características, posee una historia lúgubre y metropolitana, el personaje de la femme fatal y una intriga con giros inesperados muy bien entrelazada, lo que habla bien de Barancik como guionista. En contraposición a la forma clásica del género tenemos una fotografía cálida y clara, con colores suaves, que aunque se maneja bien en escenas nocturnas, es antagónica a la típica del género negro. A parte no hace ningún guiño al expresionismo alemán, que aunque complicado me habría parecido un gran acierto.

La B.S.O. de Joseph Vitarelli me parece excelente ya que utiliza con acierto el género más apropiado para el caso que es el jazz, es cálida y agradable, muy en concordancia con la fotografía.

Se agredece que de vez en cuando aparezca alguien a darse un oscuro paseo por el género más interesante a mi humilde parecer.

Mientras Melville, Truffaut, Godard, Rivette, Rohmer y Chabrol entre otros daban forma a la “Nouvelle Vague” francesa, en Inglaterra surgía un movimiento paralelo influído por ellos como respuesta de rebeldía ante la artificialidad narrativa de Hollywood y de la dramaturgia británica. Se caracterizaba por implementar una estética realista en el cine de ficción y documental ocupándose de lo cotidiano y del compromiso social ante los problemas de su tiempo. Nació en los años 50 del pasado siglo, su nombre era “Free Cinema” y su película más representativa pudo ser “La soledad del corredor de fondo” de Tony Richardson.

El joven Colin Smith es enviado a un reformatorio tras ser sorprendido robando en una panadería. Su habilidad como corredor de fondo le sitúa, dentro del reformatorio en una posición privilegiada, gracias a la cual realiza una reflexión que le lleva a considerarse como un joven afortunado.
Dentro del marco y la crítica social al que se adscribe, vista hoy resulta una película agradable de ver, entretenida y comprometida con su causa. Se acerca más al estilo de Truffaut o Godard, que a la sordidez del neorrealismo italiano. A pesar de su intención protestataria y rebelde, no deja de la idea del cine como arte o entretenimiento. Recuerda en algunos momentos al estilo de “Ascensor hacia el cadalso” (Ascenseur pour l'Echafaud, 1957) y “Banda aparte” (Bande á part, 1964).

Sus personajes se sienten vivos, realmente tienen algo que contar, su historia es importante y así nos lo hacen sentir. De esto se encarga Tony Richardson, con una dirección artesanal y una cámara vivaz y siempre en movimiento, que le aporta un ritmo dinámico y que gusta de jugar con la profundidad de campo y los sentimientos de los protagonistas.

La actuación de Tom Courtenay en el papel protagonista es memorable, por su habilidad para enfatizar estados de ánimo y las particularidades propias del personaje. Se siente identificado con su personaje de una forma muy especial.

La fotografía en blanco y negro fundida con la climatología típica inglesa, hace de la pantalla un paisaje cinematográfico tremendamente evocador, con aroma a cine clásico, en contraposición a su naturaleza vanguardista.

"Ghost in the Shell" es una buena película, ha conseguido captar mi interés e incluso mi admiración a pesar de mi vago entusiasmo por la animación y el manga. Mamoru Oshii es un director con una sensibilidad muy especial, es un tipo que busca crear historias que miran hacia el interior, hacia la subjetividad de los sentimientos y en esta ocasión nos plantea una serie de preguntas filosóficas sobre la esencia del alma humana. Mediante una comparación entre los seres humanos y los robots, trata de analizar los límites del alma y el sentido de la vida. Sería gracioso ver a Platón sentado en una butaca ante esta cinta.

Narrativamente es muy correcta, presenta bien a los personajes, tiene una trama interesante y el final sorprende y deja la historia bien cerrada. La trama es sencilla pero llena de matices, podría ser una historia policiaca más, pero no lo es. No lo es por la implementación, el ambiente, la música, los personajes y sobre todo la dirección, esa idea global que imagina el director antes de grabar la película.

Mencionar que el doblaje al español ha quedado muy bien, las voces están llenas de matices y para alguien que cree que el doblaje es un arte, como yo mismo, es algo muy positivo.

La cinta está llena de detalles, convierte una historia simple en una narración compleja, mediante personajes extraños, mediante una ambientación muy sugerente plásticamente, que recuerda bastante a la mítica "Blade Runner", al igual que una música original, bella y que se conjuga con los dibujos y la historia a la perfección. El sonido se funde muy bien con las imagenes, a veces alcanzando un tono evocador, hay sonidos exactamente iguales a algunos de "Alien" y "Blade Runner" que me provocaron una especie de hermoso "Déjà Vu", pero se complementan como digo a la perfección con la imagen. Hay alguna escena bellísima, de planos largos sobre la ciudad con una música, por decirlo de alguna manera, muy "ambient" que en mi opinión son lo más interesante visual y narrativamente.

Este es el film que le dió a Oshii la fama que tiene, de ahí que haya hecho segundas y terceras partes e incluso una película llamada "Avalon" que toma en parte la historia y sobre todo su personaje principal, escapando de su vocación como animador y rodando otra buena película esta vez con actores reales. También recomendable.

Una cinta manga, ciberpunk, futurista, introspectiva, distópica, extraña y original que merece la pena ver, aún siendo profanos del manga.