El curso consta de 7 pasos:

1- Ponga de protagonista a un personaje necesitado de redención.
2- Bombardee constantemente con innumerables gestos compungidos y flashback para hacernos creer que el protagonista sufre (aunque hasta bien avanzado el metraje no sepamos por qué).
3- Presentemos a personajes con problemas, pero, y esto es muy importante, todos y cada uno excelentes personas. Hay que empatizar.
4- Hágase con una banda sonora pretendidamente edulcorada.
5- Plantee un argumento en el que no haya duda sobre la abnegación del protagonista. Él es bueno porque sí, independientemente de que sea él, personalmente, el que decide quién merece o no su inestimable ayuda.
6- Subraye que el protagonista sufre cuando lleva a cabo su acto definitivo de redención.
7- Último punto y más importante, explique al personal las bondades del abnegado protagonista. Explíquese sin él mayor atisbo de duda.

Siguiendo estos 7 puntos usted habrá conseguido su objetivo. El público llorará de emoción. Sentirá empatía suficiente por el altruista protagonista como para producir un coma diabético y, pensará que el mundo sería maravilloso si existiesen muchas personas así.

Lo dicho, siguiendo estos 7 pasos, habrá conseguido una gran película. Da igual que la dirección sea absolutamente plana, errática y reiterativa. Da igual que el guión sea de telefilm de domingo por la tarde. Eso da igual, la película será recordada por lo que es; una oda al simplismo, a la estupidez, al altruismo mal entendido, al folletín moralista sin aristas ni ambigüedades que impera en Hollywood. Una oda al cansinismo, a la sobreexplicación y al tedio. Una oda a la sensiblería, a la manipulación porque sí. Porque da igual la historia, su estructura y su mensaje pretendidamente, o no, egoísta. Da igual que el protagonista  seleccione a sus benefactores como si de un Masterchef se tratase. Lo importante es hacernos llorar y conmovernos. Así que, objetivo cumplido. Gran película!.

En definitiva, la peli en su concepción es fallida. No voy a decir que sea una mierda porque las actuaciones no están mal, pero ese tufo a moralina de manual, sin matices, lastra el conjunto sobremanera.

7 almas, 7 pasos. ¿Un 7,1 de nota?. Misión cumplida!!!
¿A quién coño le importa lo demás?

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A propósito de buenas historias sobre redención y abnegación, existe por ahí una OBRA MAESTRA llamada PARIS TEXAS...jod**!!!...Gabriele Muccino, échale un ojo. O dos!.

Son incontables las virtudes de Mulholland Drive, más allá de ser una experiencia sensorial totalmente satisfactoria tras un primer visionado, y una completa gozada emocional una vez resuelto el puzzle.

En esta ocasión, en mi opinión, nos encontramos con un Lynch menos críptico comparado, por ejemplo, con Carretera Perdida. Pienso que Lynch, en este caso, quiere desarrollar una historia en la que apelar directamente a los sentimientos, para desembocar en una crítica al sueño americano, y en particular, a Hollywood.

Mulholland Drive es una historia sobre la frustración. Frustración provocada por el miedo a no conseguir tus metas y anhelos en la vida, tanto profesionales como sentimentales. Es una historia sobre cómo la mente intenta escapar del remordimiento, modelando la realidad a través del sueño. Y es una historia sobre cómo nuestros miedos y remordimientos terminan por alcanzarnos por más que nos escondamos, incluso cuando soñamos. No hay forma de escapar de uno mismo.

Como ya dije, creo que aquí la historia se cierra con los cabos bastante bien atados, y no voy a detenerme en dar una explicación a los detalles, pues creo que está muy bien expuesto en otros comentarios en esta página.

Lo que voy a tratar de exponer aquí, son las sensaciones que puede provocar este film. Lynch ya nos había tocado la patata en muchas de sus películas. El Hombre Elefante y Una Historia Verdadera son buen ejemplo de ello. Incluso Carretera Perdida, Twin Peaks y, después de ésta, Inland Empire también. Bueno, creo que la única que no jugaba en esa liga es Eraserhead. Pero eso es otra historia.

Pues bien, creo que con Mulholland Drive, Lynch consigue uno de sus trabajos más redondos en lo que emotividad se refiere. Al menos en mi caso, empatizo completamente con Diane. Entiendo su frustración por el amor no correspondido y por su, mala suerte quizás, falta de talento para alcanzar sus metas. Me parece un personaje (Diane/Betty) perfectamente construido y maravillosamente interpretado por Naomi Watts.

Las estancias y situaciones recreadas en esta película despiertan en mí un sentimiento nostálgico difícil de describir. Hasta el punto de querer soñar con transportarme a ese lugar, vivir esos momentos y, quizás, intentar deshacer aquello que Diane/Betty hizo. Y explicarle que, ahora sí, en efecto, NO HAY BANDA. Que TODO es una ilusión.

Quizás mi película favorita.
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Diane y Camilla de Angelo Badalamenti es uno de los mejores temas que he escuchado nunca.

Me cuesta creer que haya gente tan noble como la de esta película. Me cuesta creer que exista un amor tan de verdad, con tal devoción. Me cuesta creer en un mundo tan solidario y bienintencionado, sin esperar nada a cambio.

Me cuesta creerlo, no es nada realista, por lo menos en la sociedad en la que vivimos. Pero la película está contada con tal sensibilidad, que me hace soñar con un mundo así.

Si no lloras viendo esto, estás muerto por dentro.

Me rindo a esta película...11/10.

Se agradece este tipo de cine, no ya sólo por tener la posibilidad de acceder a un cine no contagiado por el bochornoso panorama de estrenos palomiteros actual (hay excepciones), sino porque, a diferencia de otros títulos de cine independiente, esta película llega a conmover por momentos.

Película bien interpretada, de ritmo lento e hipnótico acorde con lo que quiere contar. Film minimalista sobre la pérdida, el recuerdo, el olvido, la soledad, el amor y el paso del tiempo para encontrar o no la paz con uno mismo.

Uno de los motivos por los que valoro especialmente esta película es por la ambigüedad de su lectura. Lejos de vislumbrar un final optimista, yo veo un final desconcertante. Explico en spoiler mi interpretación del final.

Sería muy ingenuo pensar que el visionado de una película te pueda cambiar la vida. Sin embargo, existen películas que, más allá de entretener, evocan estados de ánimo; a mi juicio, el elemento diferenciador de las grandes obras sobre el resto. Paris, Texas consigue elevar una premisa cotidiana a un ejercicio de estilo embriagador, simbólico y metáfórico, dónde la conjunción de colores, estancias y la música representan estados de anímo y son pura emoción.

La obra, en dónde la inmensa, evocadora y ensoñadora (Documentos TV se emitía de madrugada) banda sonora de Ry Cooder se fusiona perfectamente con las imágenes y el tono de la película, y en la que se muestra la fascinación de Wenders por la iconografía estadounidense con la preciosista fotografía imperecedera de Robby Müller, consigue sustentarse como una de las mayores muestras de amor por el cine. Las miradas, los silencios, la puesta en escena...funcionan, emocionan. Sin artificios, con una sinceridad y autenticidad difícil de valorar sin subjetividad, pero que no se hubiese podido lograr sin el talento de todos aquellos que participaron en, la que es para mí, una de las mejores y más bonitas películas jamás filmadas.

Una película en la que se muestra que la dignidad es lo más importante en la persona. Dignidad que te lleva a hacer lo correcto. Travis perdió lo que más quería, pero se ganó a sí mismo.

PD: Mención especial a la escena del peep show enlazada con el final. Imprescindible!