Conocida por dirigir los Fashion dramas, un formato de vídeo original de Vogue, Inés de León se estrena en el género de la gran pantalla. Tras parodiar clichés de moda en menos de diez minutos, la madrileña se pone al frente de una comedia que es extensión de lo que ha venido haciendo hasta ahora. Para ello, cuenta con Leticia Dolera y Amaia Salamanca, con quienes ya había trabajado en sus cortos.

En esta historia de amor atípica, se pueden apreciar rasgos propios de la directora como diseños elegantes, tendencias de arte y moda o maneras de ligar millennials, entre otros. En este marco fashion se van sucediendo las conversaciones divertidas, situaciones alocadas y un chiste tras otro.

A pesar de tener una moraleja acertada y algunos valores como la reconciliación familiar, el relato cuenta con algunos diálogos vulgares que hacen que la película, aunque sin escenas explícitas, no pueda ser apta para todos los públicos.

Poco más hay que decir sobre esta cinta que, con un trabajo técnico adecuado, caricaturiza temas actuales. ¿Qué te juegas? es una propuesta que entretendrá al público entre carcajadas y resaltará que la felicidad no se encuentra en el éxito laboral.

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Peret creció en uno de los guetos gitanos de Barcelona, donde la comunidad romaní se instaló por primera vez en la Península Ibérica, hace más de cuatro siglos. Empezó ganándose la vida como vendedor ambulante, sacando su talento en las celebraciones familiares.

Esta biografía parte de sus orígenes tan pobres hasta la llegada al éxito, su personalidad y valores, hasta que dejó de actuar por convertirse en pastor evangelista cuando estaba en la cima del éxito. Alrededor de su vida, que es su música, se teje la historia de los orígenes de la rumba, cuya autoría siempre ha sido cuestionada por algunos.

Peret, yo soy la rumba surge de una conversación de este, ya enfermo y anciano, con su nieta Santa, que tras su muerte decide hacer algo con todo el material audiovisual que tiene de su abuelo. Esas grabaciones de conversaciones, actuaciones musicales, entrevistas, fotografías y numerosos testimonios de personajes como Justo Molinero, componen un fresco de la vida del cantaor catalán, con su esencia, su genio y su alegría de vivir.
El documental se estructura alrededor de su familia, clan y roca, en especial las mujeres, que, junto con su nieto, viva copia de su abuelo, conducen el relato, además de actuar en las escenas recreadas.

Este es un buen homenaje a Peret y a la rumba catalana, aunque no destaque por su forma y tenga un estilo un tanto forzado a la hora de contar el relato, cumple con su objetivo. Deja de lado los temas controvertidos, que se intuyen, aunque se pase de puntillas sobre ellos y descubre a los más jóvenes un referente de una cultura, una música y una historia.

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Con Déjame salir, su primer largometraje como director, Jordan Peele consiguió el Óscar al mejor guion adatado y, casi más sorprendente aún, que su film estuviese nominado a mejor película a pesar de ser un título de terror. La combinación de ese terror y denuncia social, junto con un tratamiento de la imagen y el lenguaje elegante y cuidado, le obtuvieron la simpatía del público y de la crítica.
En Nosotros repite el mismo planteamiento para lograr un resultado similar, con algo más de confusión y una violencia desatada que se mitiga levemente debido al peso predominante de la inquietante intriga.

Peele juega con el espectador bombardeándole desde el principio con un humor constante y simpático, haciendo que entre fácilmente en la dinámica de una sencilla y típica familia media norteamericana. También fácilmente llega la confusión, ya que el terror real tarda en aparecer y solo se ofrecen algunos golpes de efecto estándar, decepcionantes para el amante del género que haya acudido a la sala.

Cuando la acción explota, y la película despega, el público agradece la perfección técnica de la propuesta, la eficacia de la planificación y la convincente interpretación de todo el elenco (con una lógica mención a Lupita Nyong'o). Sin embargo, el ritmo no es constante y decae en demasiados momentos en los que tampoco se dan pistas sobre el misterio de la trama, por lo que la mezcla de aburrimiento y desconcierto resta intensidad y apego al proyecto.

A pesar de ello, el resultado es positivo. Si se aguanta el tirón, las sorpresas no dejan de llegar y hasta el último segundo se contiene la respiración. Por otro lado, es difícil sustraerse a lo sugestivo de muchas de sus imágenes. El film está repleto de metáforas visuales (algunas incomprensibles), como las sombras de la familia sobre la playa, los conejos dentro y fuera de las jaulas o la abundancia de espejos. Del mismo modo, cierta coreografía en las encarnizadas batallas (a ritmo de ballet o de gimnasia deportiva) no dejan de fascinar y espantar al mismo tiempo.

En cuanto a la denuncia social, debido a lo excesivamente críptico del guion, no termina de funcionar. El drama sempiterno sobre “los de arriba y los de abajo” o bien queda demasiado oculto o tan evidente que resulta maniqueo.

Está claro que Jordan Peele bebe de Shyamalan, de Hitchcock e incluso se atreve con algún plano típicamente fordiano. Aún le queda mucho para alcanzarles pero, con esos referentes y la maestría demostrada, puede seguir dándonos muchas aterradoras alegrías fílmicas.

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Parece que está de moda entre los grandes directores indagar en los pliegues de su infancia que explican su obra cinematográfica. A punto estuvo Cuarón de llevarse el Óscar con el relato de su Roma infantil. En Dolor y gloria es Pedro Almodóvar (Calzada de Calatrava, Ciudad Real, 1949) el que nos conduce, en una especie de viaje onírico, a su la Mancha profunda para ir desmenuzando sus dolores y glorias de niño.

Sebastián Mallo (Antonio Banderas) es un director que no dirige, un escritor que apenas escribe debido a sus múltiples y, minuciosamente explicados, achaques (abstenerse hipocondríacos). Cuando la filmoteca de Madrid le invita a una conferencia que conmemora los treinta años de su película más exitosa, Salvador se verá obligado a enfrentarse a los traumas de su pasado que pesan demasiado en su asfixiante presente.

En Dolor y gloria se nota que Almodóvar mide las palabras, estudia escrupulosamente los diálogos. No es casualidad que haya querido rodearse de su guardia pretoriana en su largometraje más personal. Penélope Cruz interpreta magistralmente a esa madre exigente, tierna y, profundamente, religiosa que lo sacrificó todo para que él pudiera estudiar. A Antonio Banderas le pide que haga de él mismo, con cierta distancia, con elementos ficticios –como ha explicado– pero, en definitiva, con una profunda verdad sobre su alma. Y es que aquí, Almodóvar aborda los temas que le importan: la familia, la educación, la homosexualidad, el amor. Y lo hace con sinceridad, sin panfletos, ni propagandas; muestra sus heridas, sus cicatrices abiertas, con su característica estética de colores, de escenas de recibidor y personajes almodovarianos.

Dolor y gloria es una buena película que satisfará a los incondicionales del director manchego después de algunas cintas fallidas y que nos da muchas de las claves del éxito que le han llevado a ser el director español más internacional.

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Paul Weitz presenta este film basado en la novela de Ann Patchett que intenta tratar varios temas a la vez entre las cuatro paredes de una mansión.

El relato se inicia enfocado en la música y, en concreto, en la cantante de ópera, pero el argumento pronto quedará interrumpido por el segundo gran tópico: un conflicto diplomático. Sin embargo, cuando empieza a parecer que la política es el asunto central de la cinta, se introduce una historia de amor sobre la que recae gran parte de la atención.

Esta pretensión de relacionar contenido tan diverso desemboca en una consideración un tanto superficial de grandes cuestiones y un final urgido que procura cerrar sin éxito todas las materias. Por un lado, el forzado romance es muy apresurado e intranscendente, debido al marco en el que se desarrolla. Por otro, a causa de que el foco va cambiando a lo largo de la narración y no se centra en el régimen, las negociaciones políticas se ven interceptadas por el acelerado desenlace. De esta manera, el largometraje no ahonda en el dilema de los guerrilleros ni en su denuncia a la dictadura.

De todas maneras, el excelente reparto junto con la puesta en escena y la música logran, en algunos momentos, pasar por encima de la trama. Julianne Moore es impecablemente convincente como artista lírica y el elenco multicultural del que está rodeada hace un gran trabajo interpretativo. Asimismo, se puede apreciar la evolución de algunos personajes a lo largo del secuestro y, todo ello, coronado por una soberbia banda sonora.

La grandeza de la película reside, de alguna manera, en las escenas pequeñas, como las clases de inglés, las breves actuaciones de la soprano retenida o las conversaciones entre rehenes y secuestradores. Es ahí donde se aprecia la belleza de los detalles y se capta el cambio en los personajes.

Un contundente trabajo técnico se superpone a la caótica temática, que mantendrá en tensión a la audiencia hasta el final. Además, Bel canto: la última función realza el poder de la música incluso en circunstancias dificultosas.

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