El debut cinematográfico como director de Parker Finn, también guionista y debutante en el campo del largometraje, quien se inspira en su propio corto “Laura Hasn't Slept” (2020), aunque está siendo considerada como la mejor cinta de terror del año, “Smile” (2022), está siendo sobrevalorada de forma vacua y siendo escasamente entendida. Probablemente, a quien llegue a extrapolar a la realidad la película y comprender qué es lo que realmente el director ha plasmado en imágenes, le recorrerá un escalofrío por la columna vertebral.

Los traumas, entre otros problemas, son el eje central de la película, y aquí la protagonista es una psicóloga con el trauma de haber visto morir a su madre. Después de presenciar un incidente extraño y traumático que involucra a una paciente, la Dra. Rose Cotter (Sosie Bacon) comienza a advertir acontecimientos terroríficos e inexplicables. Rose va a tener que enfrentarse a su inquietante pasado para poder sobrevivir y escapar de su nueva y horrible realidad. Todo ello con un padre inexistente, la culpabilidad por la muerte de su madre (Judy Reines),una hermana que se marchó del hogar familiar siendo muy joven (Gillian Zinser), un prometido insulso (Jessie Usher) y un amante policía (Kyle Gallner).

Poco tarda el terror psicológico en desaparecer a favor del artificio. Aquí hay dos opciones: o todo está en la mente de la protagonista o existe algo maléfico . La película no hay por dónde cogerla en este segundo aspecto. El director busca explorar todos los recovecos de la mente de la protagonista y todo queda en un mero artificio de imágenes que no puede hilvanar de mejor forma. No debemos esperar un argumento enmarañado ni una unión narrativa llena de alambiques, todo lo que ocurre sobre el papel está dentro de un tipo de película de terror, de estudio y comercial, pero realmente no es así, porque ofrece mucha información que digerir y asimilar. “Smile” (2022) es un largometraje largo, pesado a ratos, que no aprovecha ni siquiera los momentos gore para asustar, porque no puede, ya que su director sabe qué quiere contar, pero no cuenta con todos los recursos que necesitaría para poder construir la película que quiere. Quien diga que hay alguna metáfora, se engaña a sí mismo, o no, ya que no se entiende ni hay conexión entre algunas situaciones.

Al acabar la escena final, escuché en la sala: -¡Tenemos segunda parte! Si es que la hay, es un disparate, porque ya está todo contado. Igual que creo que la persona que pronunció estas palabras, no entendió quizás el final. Así que solo me queda añadir que “Cuanto más gruesa es la armadura, más frágil es el ser que la habita”, como dijo el psicólogo Don Rafael Aragón. En cualquier caso, lo que se pone en imágenes es un caso médico de los más graves.

Una película para pensar y que se nos ha vendido como un filme comercial de palomitas. El director nos conduce como a él le apetece entre la dimensión onírica y la realidad, si es que la hay. Una película engañosa. O no.

“¡Vámonos, Bárbara!” (1978) primera película de largometraje dirigida por Cecilia Bartolomé, supone un título muy original, atrevido y necesario dentro del cine español, planteado inicialmente como una adaptación de la película “Alicia ya no vive aquí “ (1974), de Martin Scorsese.

El argumento nos conduce a Ana (Amparo Soler Leal), mujer cercana a la cuarentena y madre de una niña de doce años, Bárbara (Cristina Álvarez), vive atrapada en un matrimonio infeliz con el único hombre ha conocido, Carlos (quien no aparece en toda la película). Ana desea romper con todo pero no lo tiene muy fácil, ya que desciende de una familia burguesa que le recomienda que no haga nada y siga con su matrimonio, abogados de la familia incluidos. Pero Ana, harta de todo y de todos, se marcha con su hija y van a casa de su tía Remedios (Josefina Tapias). El marido de Ana comienza a realizar coacciones como cancelar la cuenta bancaria para que esta se quede sin dinero y tenga que regresar. También le envía a su abogado, Serafín (Ernesto Martín), cuando descubre dónde está porque tía Remedios ha prestado veinte mil pesetas a Ana, ya que esta se ha quedado sin dinero al tener que pagar la reparación del coche de Carlos, que han utilizado para su viaje, sugerido por Bárbara. Cuando Ana hace nuevas amistades, va descubriendo un mundo nuevo para ella como las parejas homosexuales, los artistas bohemios… Incluso conoce a un hombre, pero nada será como antes. Ana no lo va a permitir.


La cinta posee diálogos magníficos, sobre todo en boca de sus protagonistas, como en el minuto 21:54, cuando las amigas de la infancia de Ana, la están criticando en la playa y Ana les dice que “si queréis seguir con el tema, yo me vuelvo al agua”. O cuando dice que ella es menor que las mismas que la están criticando. La niña, por su parte, es muy despierta e inteligente. Los personajes más mayores reflejan en sus diálogos y conversaciones una realidad que existía y, en parte, existe, muy conservadora. En el viaje en autobús, un grupo de mujeres increpa al conductor y una señora de pelo blanco le dice que “¡usted se pone al volante o le pongo yo a hostias”. Es una realidad que no se maquilla. Tiempos en los que se estaba cambiando un país casi desde los cimientos.

A lo largo de su metraje asistimos a los primeros compases de la Transición. Este título sitúa a Cecilia Bartolomé, esposa del director de fotografía José Luis Alcaine, como una de las autoras más transgresoras y reivindicativas del momento. Los desnudos de Amparo Soler Leal ponen una nota necesaria en mostrar el cuerpo de una mujer empezando la madurez, en plena época del destape. Con naturalidad y magistralidad.

Siempre me ha gustado la obra de Cecilia Bartolomé y este título siempre es digno de mención y visionado. Totalmente recomendable.

Un cuento moderno dirigido por una especialista en las lides de las películas para televisión, Racheld Feldmad, y que cuenta con la producción ejecutiva de su actriz principal.

El argumento gira en torno a una pareja de recién casados, Sean Shawnessy (Nathan Anderson) y Catherine Shawnessy (Michelle Jones) se dirigen a casa de los padres del chico para que conozcan a su nuera. En el camino recogen a Libby Carlyle (Tracey Gold), una joven que está huyendo tras apuñalar al hombre Cricket (Seamus Dever) que abusó de ella la noche anterior, y hermano de Jackie Furst (Jeffrey Meek), jefe de Libby, quien ha estado trabajando como camarera para él y sufriendo diferentes vejaciones, además de retrasos en el pago de su sueldo. El coche sufre un accidente, en el cual solo Libby sobrevive. Los padres del joven fallecido, Donald Shawnessy (Kevin Dobson) y Maureen Shawnessy (Dee Wallace) creen que Libby es la esposa de su hijo, a la que todavía no conocían, y la acogen en su casa. Desde este momento, Libby usurpa la personalidad de la fallecida, emprendiendo una nueva vida llena de mentiras. Blanca (Terri Hoyos), empleada de la familia Shawnessy y Jed Benton (Cameron Bancroft), amigo de la infancia de Sean, comenzarán a tirar del hilo, cuando Jackie encuentra a Libby y comienza a chantajearla

Su protagonista, Tracey Gold, casada con el cineasta Robby Marshall, se hizo mundialmente conocida en televisión por interpretar a Carol Seaver, segunda hija del matrimonio compuesto por Maggie (Joanna Kerns) y Jason (Alan Thicke), en la serie “Los problemas crecen”, de ABC (1985-1992), de la que salió también Leonardo DiCaprio (T7). El personaje de Gold era muy buena estudiante, trabajadora y viajera. El hijo mayor, Mike (Kirk Cameron); el tercero Ben (Jeremy Miller, y luego la herman pequeña que fue interpretada por tres actrices diferentes.

El trabajo de Gold tras esta serie se centra básicamente en telefilmes, películas de bajo presupuesto que, sin embargo, la han mantenido en activo tres décadas, aunque sean títulos poco conocidos. La película que nos ocupa no oculta en ningún momento su falta de medios. Este moderno cuento de hadas, se basa en los valores humanos, el amor por el semejante y la familia. ¡Qué más se puede pedir!

La película “The Guardian” (2006), también conocida como (“Guardianes de altamar”, es una título estadounidense dirigida por Andrew Davis, y está basada en la serie manda “Umizaru, de Shūhō Satō y Fukada Yasushi.

El argumento gira en torno a Ben Randal (Kevin Costner), uno de los mejores nadadores de la Guardia Costera de Estados Unidos, quien tras sufrir un fatal accidente en el que caen todos sus compañeros, es destinado en la misión que menos desearía, entrar como profesor de la Escuela “A” del ejército para comenzar a formar en un programa de entrenamiento de élite a un grupo de jóvenes como nadadores de rescate de la Guardia Costera, una profesión que ha sido su vida.

Utilizando métodos poco ortodoxos, Ben prepara a sus alumnos, entre los que destaca Jake Fischer (Ashton Kutcher), un excelente nadador a la par que un hombre arrogante y destinado a ser el primero de su promoción. Ambos se van a retroalimentar para que Fischer llegue a ser un gran profesional. Juntos van a demostrar su valía en una misión en el Mar de Bering, Alaska, en un complicado rescate.

Un reseñable drama de acción que introduce al espectador en un universo escasamente explorado en el mundo de las películas, y que realmente merece la pena disfrutar sin grandes pretensiones.

"Marqués Mendigo" (¡2004!) es una película para televisión, producida por BRB Internacional para Antena 3.

Basada en hecho reales que y con Antonio Mercero como director de producción, este telefilme está protagonizado por el siempre solvente Álvaro de Luna y cuenta en el elenco con actores como Fiorella Faltoyano, Jesús Noguero, Petra Martínez, Marián Aguilera y Luis Zahera, y está dirigido por Manuel Estudillo, acreditado por trabajos para televisión como “Historia de Estrella” (2003), protagonizada por Eva Marciel y Lolita. El rodaje transcurre durante tres semanas en exteriores de Madrid y se rueda en alta definición. La dirección de fotografía corre a cargo de Johnny Yebra.

El argumento cuenta la historia de Leandro, un aristócrata atrapado por un pasado que desde hace una década, le ha arrastrado a la mendicidad. Recuerdos, encuentros casuales y traiciones se combinan para impedir que la conciencia de este hombre descanse en paz entre los más desfavorecidos. Considerado como único culpable de su desgracia, el azar se encarga de poner las cosas en su sitio y de demostrar que no siempre somos dueños de nuestro destino.

Aunque el personaje venga marcado por el guion, el trabajador que hacen los actores y actrices de esta película para dar vida a sus personajes es una maravilla.

El año de producción es 2004 y nunca es estrenada por la cadena.