Película de anamnesis, de retrotraerse memorísticamente, ya con nostalgia entrañable ya con algo de rencor, pena o tristeza hasta la España gobernada por el mandatario Francisco Franco desde finales de los años treinta hasta mediados de los setenta (siglo XX).

Las emociones y los sentimientos brotan en las cabezas y corazones, sobre todo de aquellas personas que vivieron de algún modo en todos o en parte de aquellos años, cuando se oyen canciones que formaron parte de la infancia, juventud, enamoramiento, esperanza, ideologías, etc. de muchos, e igualmente cuando se ven imágenes que trasladan a aquellos tiempo en que la vida se veía por un agujero y éste estaba lleno de telarañas, a pesar de lo cual había talento para vivir, ser feliz y también salirse de los cánones.

Imperio Argentina, Estrellita Castro, Miguel de Molina, Lola Flores, Celia Gámez, Juanita Reina y otros muchos magníficos cantantes nos calientan la memoria con aquellas canciones tan pasionales. Y también están las canciones como “Cara al sol”, “Montañas nevadas” y otras que eran representativas de aquel régimen ideológico; ante lo cual no se comprende muy bien por qué motivo esta película pasó unos cinco-seis años sin poder exhibirse en las salas de cine.

Para mí la película no se ensaña críticamente contra la época franquista, más bien parece exaltar en no pocos momentos aquel tiempo, ideas y existencia social-política; ahora bien, supongo que a esta película le pasó como le sucede muchas veces a muchas creaciones intelectuales en este mundo, que dan con los mediocres, con los chupatintas de medio pelaje, burócratas diosecillos que tienen que hacer méritos ante los jefes y superiores y casi siempre estos secundarios son los peores, o dicho de otra manera, estos don nadie de grado bajo o mediano suelen ser los “más papitas que el Papa o más franquistas que el propio Franco o más leninistas que el propio Lenin”, de forma que si esta película de Basilio Martín Patino era bastante normalita, tanto que habría pasado sin pena ni gloria, al toparse con estos empleados de turno, de los que buscan “los cinco y más pies al gato”, se convirtió en un “filme mártir, un filme perseguido”, en una “cinta de culto”, adquiriendo así una aureola que los Patino aprovecharon de perlas para obtener frutos económicos y un halo de personas de vanguardia y progresía; no en vano uno de estos apellidados Patino, jesuita él y por tanto repetidor de misas, se enchufó en el poder de PRISA y no pocas veces fue el editorialista en las sombra de los dictámenes “progres” del periódico “EL PAÍS”.

Pueden ir en paz. Amén

Fej Delvahe

El SIDA es el tema central que engarza las tres narraciones que presenta este filme, cada una de ellas situadas en continentes diferentes.

La 1ª en Asia, China, nos cuenta el sacrificio y las trabajeras de una mujer negocionando ilegalmente con sangre, por sacar adelante a su familia y sobre todo mantener vivo a un esposo enfermo.

La 2ª en América del Norte, Canadá, nos narra el sacrificio de una madre por su hijo, actor porno, que está gravemente enfermo; hasta qué límites es capaz de llegar una madre con tal de asegurar en alguna medida el bienestar de su hijo.

Y la 3ª, en África, Sudáfrica, nos cuenta el sacrificio de unas monjas misioneras por ayudar a los más pobres, quienes en su mayoría padecen enfermenales terminales; y en concreto de la más joven de las tres religiosas, que llega a cruzar atrevidamente el umbral del pecado con tal de conseguir dinero para salvar la vida de muchos de los nativos. Sin duda, esta tercera historia, titulada "La inocencia de los paganos" es la más fuerte, vistosa, sensual y dramática, pues encima toca cuestiones muy candentes del catolicismo y de la identificación parcial, jamás total, con que los religiosos o religiosas se toman in situ los dogmas dictados desde Roma.

De todos los actores y actrices participantes en el conjunto de las tres historias, sin duda la más famosa y conocida es la que hace de madre sacrificada por su hijo actor de pornografía, es decir Stockard Channing, ya sesentona (nació en 1944), pero tan excelente actriz como cuando hizo de Betty Rizzo en aquel inmortal filme "Grease" (Brillantina), dirigido por Randal Kleiser, USA 1978, que la elevó a estrellato de las más cariñosamente recordadas.

El argumento se resume en esta frase: "Acero contra acero", en el sentido amoroso del tener amores entre un hombre y una mujer.

Una dama francesa, duquesa y un general héroe de Francia despliegan sus estratagemas de seducción amorosa en Paris de 1820. Ella es la primera que se interesa por él y le pide a una amiga que se lo presente. Él queda de una vez enamorado. Ella lo invita a que la visite en su casa a solas y a diario. Él accede y la visita día tras día durante meses. Pero ella es de ese tipo de mujer que en algunos países latinoamericanos llaman "calienta-huevos" o en idioma español universal, "calientapollas". Esto es, que con tanta invitación y deseos de tenerlo al lado lo va calentando y recalentando hasta el suplicio amoroso, son suma lentitud torturadora, de manera que cuando él con toda lógica biológica intenta meterle mano la pérfida dama lo frena, lo corta, lo frustra sin compasión, jugando continuamente al malvado juego del 'ámame pero no me ames', del dar esperanza y dejar que el hombre se ilusione, se excite, para luego de repente cuando lo está colmado de amor hacia ella, inmisericordemente impedirle que la coja, la abrace y complete su amor. ¡Qué hombre puede aguantar algo así sin volverse loco o hacer alguna locura!

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"Cadena perpetua" es un filme excelente, de máxima calificación. Que tuviese siete nominaciones a los Oscars de 1994 y no se llevara ni uno, es una injusticia de enormidad casi parecida a la que sufre el protagonista de la historia, porque resulta que esta película del entonces desconocido Frank Darabont es mejor, más contundente, más emocionante, más seria, más magistral e imperecedera en todos los sentidos cinematográficos que la exitosa y que acaparó los mayores premios ese mismo año, "Forrest Gump", a la cual le da como mínimo siete vueltas en calidad, interés, desarrollo, sorpresa y genial acabado final.

Para mí, esta película de Frank Darabont (y cada vez que la vuelvo a ver me lo confirma) se irá convirtiendo poco a poco, si es que no lo es ya, en la mejor película del género carcelario de toda la historia del cine.

Cierto que está aquel otro clásico en blanco y negro, "Un condenado a muerte se ha escapado", de Robert Bresson, Francia 1956, que sin duda es también una de las mejores y referente en este género de prisiones; pero en verdad, "Cadena perpetua" la supera con creces.

(...este trozo de análisis entre paréntesis se encuentra en la zona spoiler..)

Pero lo dicho, "Cadena perpetua" es magnífica película, es muy superior en todos los aspectos, sin duda, de las que se ven y vuelven a ver cada equis tiempo con auténtica pasión y agrado. Además es también una hermosísima historia sobre la amistad que nos emociona lo bien que la interpretan Tim Robbins y Morgan Freeman.

La historia que este filme nos presenta está evidentemente exagerada por su autora original, Amélie Northomb y por el guionista-director que la ha llevado al cine, Alain Corneau. ¿Por qué? Porque cualquier occidental que haya vivido y trabajado en Japón nos puede confirmar que lo que le ocurre a la protagonista es algo inconcebible. Es decir, resulta increíble que en una empresa japonesa radicada en Japón, al menos desde los años ochenta del siglo XX hasta hoy mismo, sometan a un occidental contratado como trabajador a las humillaciones y abusos casi de estilo militarista-degradante a que es sometida Amélie, máxime cuando en Japón son especialmente respetuosos con los occidentales, sobre todo con los europeos.

Amélie Northomb es la autora del libro autobiográfico en el que se basa esta película (“Estupor y temblores”. Anagrama. Barcelona 2004) el cual fue publicado en Francia, 1999, y galardonado con el Gran Premio de Novela de la Academia Francesa.

Amélie nació en Kobe, Japón, el año 1967. Hija del embajador de Bélgica en ese país oriental, vivió y aprendió el japonés. A la edad de cinco años se estableció con su familia en Europa. Amélie soñaba desde jovencita con volver a su tierra de nacimiento la cual añoraba y tenía idealizada desde su infancia. Con más o menos veintidós primaveras (año 1989-90) y dado su dominio del japonés consiguió ser contratada por un año como traductora en una gran corporación de Tokio. Es justamente es este momento de su vida donde comienza y se centra la película que nos ocupa, donde se nos cuenta las amarguras y desconsideraciones que ha de vivir Amélie en su oficina, debido a la sinrazón de sus jefes, compañeros y al sistema cuadriculado-dictatorial típico de la empresa japonesa, que aquí es presentado como casi militarista cuartelero, con una absolutizada cadena jerárquica de mandos, desde la cual no se tolera ni perdona al empleado que intente saltársela.

Lo llamativo y chirriante es que una mujer occidental, europea, francófona, con noción de saber exigir sus derechos o de rebelarse, soporte todos estos atropellos. Amélie aguanta las continuas cabronadas que le hacen con la clásica o muy parecida mentalidad sumisa de la cultura japonesa. ¿Por qué? Según ella, porque se ha propuesto resistir su año de contrato a pesar de las más groseras humillaciones. Pero también hay otra razón que cualquiera puede contemplar: Amélie es de temperamento temeroso, de esa clase de personas que cuando le faltan el respeto en lugar de contestar o reaccionar indignada, se muestra débil, atemorizada, da pie a que la sigan humillando más y más; o sea, lo suyo no sólo es estupor y temblores, es también la típica personalidad asustadiza, amilanada, cagueta, que hace cierto el dicho «Lo que permitimos es lo que promovemos», aunque a posteori sí tenga redaños para denunciar los hechos escribiendo una polémica y fulgurante novela.