La califico como bella y exacta, por el excelente manejo de la metáfora a través de las estaciones del año, con las etapas de la vida, un filme sin muchos diálogos y dónde las acciones absorben importancia y las explicaciones sobran. La enseñanza y el aprendizaje presentes a diario durante nuestra existencia, la primera a cargo del viejo (lo tangible) y de las situaciones (lo intangible), la segunda del joven o del inexperto, el cuál colocará las piezas del rompecabezas de acuerdo a las experiencias y a lo comprendido en etapas anteriores.

El antagonista será interpretado por la adversidad, y el protagonista es el valor de cada quién para afrontar los problemas y asimilarlos. Primavera, verano, otoño, invierno… y primavera (AKA Las estaciones de la vida) de manera correcta la coloco en cine de arte, pero erróneamente se puede catalogar como una película para intelectuales, al contrario es para un público general, al que en lugar de considerarlo como inferior o masa, esta habido de una mejor apreciación del cine y que mejor ejemplar. La obra de Ki-Duk Kim no se puede ver por primera vez en casa, es una película apta para la sala de cine, en la cual los distractores están en segundo plano. No permitamos que la gente se conforme con lo brindado por la televisión y sus productos basura o todo el bombardeo de publicidad para películas olvidables y sin ningún valor.

El auge del cine surcoreano es notable y no se estanca en género alguno o temática central en sus producciones, recorre el suspenso (Two sisters), la tragedia (Old boy, Sympathy for Lady Vengeance, Bin Jip, la Samaritan Girl) el bélico (Lazos de Guerra), el thriller (Memories of Murder) o el terror (Phone, Red eye) y nos muestra una gran variedad. La curiosidad por parte del espectador en cuanto al cine surcoreano, hace salas de cine aceptablemente llenas, factor importante para las distribuidoras y la importación de cintas diferentes y de alto impacto provenientes de este país.

¿Qué sigue para el resto del 2006 y el 2007? Esperemos que siga llegando la calidad.

Digno de admiración y análisis por la audacia del director para entregar una película que lleva al espectador a sentir compasión o rencor por los integrantes de una familia de clase baja. Los roles establecidos y trillados, son expuestos de forma poco usual en un cine rosa, aquí la madre abnegada y comprensiva se muestra egoísta, manipuladora, hostil y con actitud alevosa para con sus hijos. Los cuatro hermanos Botero tienen un futuro designado por su madre pero cada uno buscará una salida la atmósfera asfixiante de su entorno.

Personajes etiquetados por la sociedad, que los hace desdichados y se burla de ellos: el delincuente, la fea, el gañan, la niña consentida, el estudioso, la señora respetable, todos expuestos a la cámara tal como son, sin prejuicios ni ataduras. El perfil psicosomático de los personajes es resuelto de manera extraordinaria, con actores debutantes en cine y otros con una experiencia desbordante. Se enfatiza el trabajo de Ernesto Laguardia (Gabriel Botero) actor de televisión, en su papel del hijo consentido de los Botero; el trabajo garantizado de la Sra. Julieta Egurrola interpretando a la madre egoísta pero a la vez sufrida; la actuación de Bruno Bichir como el hijo sumiso y dispuesto a sacrificar su felicidad por la familia.

Está película llena de tristeza, frustración e ilusiones rotas, es otro punto de vista para retratar a la familia, en donde las situaciones color de rosa están ausentes y que nos acerca a una realidad cruda y poco alentadora de una sociedad banal y superficial.

Distintos grupos sociales se entrelazarán a través de la venganza desatada por un acto de sobredosis en una noche de desenfrene sexual, en la que prostitutas y un político sucumben hasta que uno de ellos pierde el control de su consumo. Lo anterior se enmarca en un contexto histórico clerical y único —la renuncia de Benedicto XVI—, agudizado por la crisis que golpea a Europa, pero en específico a Italia.

Suburra recuerda un tanto a Gomorra, por su crudeza, donde la corrupción y barbarie embonan perfectamente, haciendo un thriller in-crescendo dado su buen sincronización de guerras a punta de pistola y donde la putrefacta diplomacia se doblega ante el poderío de quien tiene el poder adquisitivo (las mafias).

Stephano Sollima muestra un rostro de la Italia obscura, aspera y corrompida, entre fiestas, hoteles de lujo, casas de mal gusto, suburbios, en una lluvia imparable donde los personajes movidos por el dinero olvidan escrúpulos y dignidad, vendiéndose al mejor postor cuando así se requiera. Gran ejemplar donde la putrefacción es clara en sus categorías, dejando en claro que en proyectos que derrochan millones son susceptibles a cometer las infamias menos esperadas.

América Latina, déjate llevar por el frenesí impreso por Sollima en este ejemplar, donde la podredumbre hace acto protagónico.

Pareciera exagerado el título de la crítica, pero en realidad no lo es tanto ya que en pleno siglo XXI las personas con alguna diferencia sea cual fuere siguen siendo agredidas y sobajadas por algo fuera de control, donde la naturaleza asigna y el hombre “corrige” sin permitir el poder de elección de quien vive esa alteración en cromosomas.

XXY es la exposición de las vivencias de una persona que no termina por comprender por qué el aislamiento y el hermetismo de sus padres dentro de la pequeña comunidad con la que tienen contacto o aun más difícil la atracción que siente tanto por un sexo como por el otro. XXY es el retrato por el deseo de unos padres porque su vástago tuviera la oportunidad de relacionarse sin la menor desconfianza con el mundo hostil e intolerante de siempre, que contrasta terriblemente con la familia que los visita, al visualizar un padre apático, insensible y a disgusto por un hijo al que no le da oportunidades ni alicientes en la vida. Un ejercicio que demuestra la inconformidad que todos tenemos de alguna forma en cualquier situación o ámbito de nuestra existencia.

Otro acierto para Argentina para su cine en constante crecimiento y en especial para Lucía Puenzo, que no basa su historia en un panfleto para la lágrima fácil o para satisfacer morbo, sino para invitar a la reflexión y ejercer respeto hacia el que es diferente tanto por preferencia como por asignación.

Buena elección para la 49 Muestra Internacional de Cine en México.

Entrevistado por la periodista y escritora Cristina Pacheco, el director Francisco Vargas Quevedo presenta su película en México dos años después de haber sido rodada, en donde lo increíble es que ha sido apreciada en Francia, España y ha ganado más de treinta premios y su exhibición en el país de origen se había dificultado por problemas de distribución.

Se rodó en Ixtapaluca; muchos de los actores son amigos de Francisco ya que es originario de la región; los actores no son profesionales; El violín es la conclusión de un cortometraje utilizado para su trabajo de titulación en la Universidad; filmado en blanco y negro sin mayores datos en tiempo y región para evitar caer en épocas o lugares y que hacer una historia apegada a las circunstancias del México de hoy y siempre; y ha contado con apoyo de otros directores para lograr su exhibición; son tan solo algunos antecedentes que el director en el momento de la entrevista.

Película interesante sin mayor búsqueda, sencillo y eficaz, sin complacencias; en donde la represión hace acto de presencia, represores y reprimidos unidos por la lucha social ubicando a Don Plutarco en el filo de la navaja, el cual toca las fibras sensibles de los soldados dueños de nada solo de anhelos y recuerdos.

Se dice que la industria fílmica mexicana es grandiosa fuera de su frontera, y ahí se queda, por que dentro está sumamente en el atraso; se prefiere llenar hasta cuatros salas de películas de los vecinos (los gringos) que tratar de proyectar lo que otros han apreciado y valorado del talento mexicano. ¡Es una lastima!