Probablemente lo mejor para hablar de Julieta sería dejar pasar un par de horas o un par de días para reflexionar mucho sobre la hora y pico en la que se cuenta la vida de Julieta. Aún así, recién salido del cine me dispongo a escupir todo lo que he sentido al ver la última película de Almodovar.

Julieta es una historia durísima, sin ninguna concesión, que no da respiro ninguno al espectador. Te obliga a estar en un continuo estado de tensión, y también de alerta: las palabras y sobre todo las imágenes van una y otra vez hacia delante y hacia atrás, y no me refiero solamente a los flashback (de los que Almodovar siempre ha sido un maestro, pero que en ocasiones como esta dirige de un modo excepcional). Me refiero también a los libros, a los cuadros, a las caras, a los paisajes (ese ciervo corriendo bajo la nieve a cámara lenta)... a todo un mundo que por heterodoxo que sea (desde una mesa camilla en la Galicia más profunda hasta las esculturas omnipresentes de Miquel Navarro) es almodovariano en estado puro. Se ha dicho que esta es una de las pelis menos almodovarianas: discrepo totalmente.Es Almodovar 110%, a pesar de (o gracias a) inspirarse en textos ajenos.

Emma Suárez y Adriana Ugarte comparten protagonismo a partes iguales. La veterana actriz dibuja una Julieta adulta destrozada, desorientada y dolorida, que va dando bandazos de un lado a otro. Le ha pasado algo dolorosísimo, y no lo entiende. Emma Suárez presta su cara a ese dolor, al dolor intenso cuando no hay respuesta. Está magnífica.

Adriana Ugarte es Julieta de joven. Y es una verdadera maravilla la variedad de registros en los que se mueve con una soltura alucinante. Hay momentos (mágicos) en los que crees estar viendo a Emma Suárez de joven. Son un tánden perfecto, que en un momento crucial de la película, cuando dejamos de ver a una para ver a la otra, Almodovar escenifica demostrando lo buen director que es y la imaginación debordante que tiene.

El resto del reparto está genial también, aunque el papel más apetecible lo tiene, sin duda, la secundaria Rossi de Palma, que se come la pantalla.

No puedo hablar de una película en la que interviene Alberto Iglesias sin hablar de su labor en la banda sonora. En este caso ha construido una música discreta que acompaña el dolor sin incidir en él. Probablemente no sea su banda sonora más memorable, pero es perfecta para Julieta, y le hace un bonito favor a la película al terminar de envolverla en esa atmósfera tan siniestra.

Julieta es una película sobre la madurez. Sobre lo doloroso que puede ser el proceso, pero también sobre todo lo que se aprende.

Toda la grandiosidad, desmesura y desproporción de la anterior película de Julio Medem (Caótica Ana, donde todo parecía querer hacer historia) queda reducida en Room in Rome (imprescindible verla en VOS) en un ejercicio donde Julio Medem parece querer decirnos que aún tiene muchas cosas que contarnos, a pesar de "adaptar" una historia, en principio ajena; o ya sea con reducidos recursos como 2 únicas actrices en el centro de 4 únicas paredes (y un gran ventanal).

Entre tales paredes, Julio Medem nos cuenta las 12 horas de 2 mujeres que, en apariencia son opuestas, pero que descubrirán que, al fin y al cabo, son más afines de lo que parece: 2 seres humanos desnudos con miedos, dudas, deseos y emociones.

Elena Anaya y Natasha Yarovenko son las dos amantes anónimas (he salido del cine sin saber sus nombres auténticos) al servicio de Julio Medem. Se percibe que lo han dado absolutamente todo. Se nota. Desde que las he visto aparecer en escena, al fondo de la calle y al comienzo de un precioso plano secuencia, me he creído "lo suyo". Es magnífico el trabajo que ambas han hecho. Y más si se tiene en cuenta que están presentes en pantalla el 99% del metraje.

Me ha sorprendido la sencillez extrema del guión armado por Medem. Un guionista muy acostumbrado a recurrir a flashbacks y tramas secundarias, se ciñe en esta ocasión a una historia contada de manera cronológica, aunque salpicada por ensoñaciones de las protagonistas. Quizás se echa en falta un climax narrativo, un punto álgido al final de la película. Pero Medem inunda las 2 horas de película de preciosas imágenes, planos, secuencias, entre las que destaca la del ángel/cupido (aunque en mi sala hubiese gente que carcaqueó al verla). La cámara de Medem, en este y otros planos, nunca fue más impertinente y atrevida. Se trata de mucho más que primerísimos primeros planos, que por sí sólos, parecen querer crear arte.

Por poner un pero a tal "orgasmo" artístico, creo que la música de Jocelyn Pook y la inserción de esta a lo largo de la película, no está a la altura del resto. En algún momento me pareció incluso música de verbena.

En fin. Maravillosa película de sexo, pasión y amor, Medem en estado puro, le guste a quien le guste.

Bastante avanzado el metraje, durante una fiesta de cumpleaños, nuestra protagonista, Adèle, baila al ritmo de I follow rivers. Desde que ayer salí del cine de ver la última ganadora de la Palma de Cannes, no he podido dejar de pensar en Adèle. Me sigue. La canción de Lykke Li, en cierto modo, resume, a su manera, la película de Kechiche: un amor a primera vista, irresistible e intenso.
La vida de Adèle es una película muy densa, que cuenta un gran periodo en la vida de sus protagonistas. Y como el buen cine, recurre a momentos de alegría, momentos de intensidad, momentos mágicos y momentos dolorosos. Sus casi 3 horas dan para que rías, te emociones, te asustes y te temas lo peor.
Magistralmente dirigida, con una delicadeza e inteligencia propia del mejor cine francés, la película cuenta la historia de amor de dos adolescentes. Y nos cuenta lo increíble que es el sexo cuando se está enamorado.
Por si fuera poco, Kechiche ha encontrado a una pareja protagonista que no parecía protagonista de nada, mas que de sus propias vidas. La crueldad y el realismo con el que las dos jóvenes actrices afrontan tan difícil reto, es algo alucinante. Léa Seydoux es la belleza de pelo azul del que una principiante Adele Exarchopoulos se enamora. Ambas están maravillosas. Pero el caso de Adèle es digno de reseñar: emocional y carnal, se come a bocados la pantalla cuando sonríe o cuando llora. De una belleza pasmosa, consigue otorgar una credibilidad a su personaje que hace pensar que la película fue escrita contando su vida, y no que fue ella la que interpretó la de otra Adèle.

Cómo duele cuando uno de tus autores favoritos te decepciona. En ocasiones me ha ocurrido porque yo he madurado y ya no me interesa lo que ese autor me puede enseñar. En otros casos, sabes claramente que es el autor el que no tiene nada que contar. Es el caso de Lars von Trier, al cual admiré con su Trilogía Corazón Dorado y que me sorprendió con su Trilogía (de por ahora 2 películas) USA Land of Opportunities. A continuación presentó la muy irregular Anticristo -que homenajea tramposamente (en el buen sentido de la palabra) en una secuencia preciosa en Nymphomaniac; la decepcionante Melancolía; y, ahora, esta película, vendida como porno, dividida en dos largos largometrajes y que cuenta más bien poco (y enseña menos, por si hubiese alguien, al menos, interesado en el porno).

Cuatro larguísimas horas en las que una mujer (inexplicablemente mal actuada Charlotte Gainsbourg) cuenta a un hombre (Skarsgard) que es ninfómana. Él la interrumpe con clases de pesca, política, religión, música, arte... que dan pie, a ella, a inventarse ridículos nombres para los capítulos de su vida. Por cierto, cada uno de esos capítulos corresponde a una forma distinta de practicar sexo: desde el despertar sexual de una niña, hasta la sodomía, hasta el lesbianismo, etc, etc... como si Lars von Trier se hubiera leído recientemente un libro con 18 perversiones sexuales, tantos como capítulos tiene su película.

Sin duda, lo que más me gustó de Nymphomaniac fue Stacy Martin. No sé nunca cómo va a reaccionar Shia LeBeouf y el capítulo de Uma Thurman es sencillamente tronchante, gracias, en parte a su intensidad.

Parece que Nicolas Winding Refn ha estado los últimos años de su vida dándole mimo a un pequeño coche de carreras, cuidando, y mucho su carrocería, puliéndola para que en ella puedan reflejarse a la perfección los neones de LA; pero también perfeccionando un motor que huele a antiguo, a retro, para que en cualquier momento no te deje tirado.

Drive, desde sus títulos de crédito iniciales que recuerdan a American Gigolo, hasta su gran banda sonora, recuerdan al mejor cine de los 80. Ryan Gosling (atabiado con una chaqueta blanca coronada con un escorpión dorado, que se convertirá en un auténtico artículo de coleccionsta) construye un personaje que no se permite ni un atisbo de humanidad, excepto uno muy, muy grande, y que será el que vertebre toda esta película. Es el piloto de este coche de carreras, que cuenta con una hierática Carey Mulligan como copiloto y unos pasajeros imprescindibles, con Bryan Cranston y Christina Hendricks a la cabeza.

La película alterna secuencias de una sensibilidad inusual, magistralmente dirigidas y acompañadas de una cámara lenta (la del ascensor, pasará a la historia) con otras de acción o persecución, como el coque de un coche, filmado desde dentro del coche pilotado por el protagonista, con una desencajada Hendricks. Y todo, bañado con una violencia brutal, que no parece insinuarse en los primeros minutos y que, según avanza el metraje, se hace omnipresente.

Preciosa película filmada con un gusto que pocas veces se ve en el cine, y que tiene, desde ya, los mejores planos del año que se acaba.