Después de varias películas en su Dinamarca natal Nicolaj Arcel, se dio a conocer a nivel internacional con "Un Asunto Real". El éxito de esta película lo llevo a cruzar el charco y embarcarse en un gran proyecto internacional en Hollywood, "La Torre Oscura" no tuvo el reconocimiento esperado y Arcel no tiene un buen recuerdo de aquella experiencia. El cineasta ha elegido para celebrar su vuelta al cine europeo un género tan norteamericano como el western y basado en una historia real. "La tierra prometida formo parte de la Sección Oficial del Festival de Cine de Venecia y también formo parte de la Sección Perlas del Festival de Cine de San Sebastián.

Inspirándose en el libro "The Captain and Ann Barbara" de Ida Jessen, Nicolaj cuenta la historia de un veterano del Ejército de baja cuna (interpretado de forma sensacional por Mads Mikkelsen) que se lanza a colonizar, en nombre de la Corona, un territorio hostil en los páramos de Jutlandia. El antiguo oficial del ejército está decidido a recuperar el título nobiliario que su condición de hijo bastardo le impidió poseer. Para ello se enfrentará a violentos grupos de asaltantes, a las brutales inclemencias climáticas y, sobre todo, a un malvado aristócrata.

El director nos vuelve a demostrar su solvencia a la hora de dirigir y le saca mucho partido a un gran guion. Las aventuras son constantes, las interpretaciones muy logradas y sobre todo destacaría los impresionantes paisajes daneses. Poco tiene que envidiar a los grandes westerns, estamos ante una combinación de violencia y acción, muy entretenida y que hace que el espectador pase dos horas muy agradables. Destacar también la interpretación de Amanda Collin.

Se le ha llegado a comparar en su forma, a la gran película de John Ford " El hombre que mató a Liberty Valance", para mí la cinta de Ford son palabras mayores, pero es verdad que en algunos aspectos de la trama tienen cosas en común, sobre todo en la lucha por las tierras y en la recuperación de su territorio.

Lo mejor: Las interpretaciones, la puesta en escena y la sólida dirección de Nicolaj Arcel
Lo peor: Cuesta un poco entrar en la película

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El veterano director italiano Marco Bellocchio nos presenta su última película, basada en un caso real ocurrido en Bolonia en 1858. Bellocchio nos muestra unos de los escándalos más graves cometidos por el Vaticano en el siglo XIX. El director tiene más de veinte películas a sus espaldas y se ha convertido en un gran amante del cine, donde los secuestros son constantes. El rapto formo parte de la Sección Oficial del Festival de Cine de Cannes y aquí en nuestro país la pudimos ver antes de su estreno comercial, en la Sección Oficial del Festival de Cine de Valladolid (Seminci) donde obtuvo el premio al Mejor Guion.

La historia nos lleva a finales de 1858, en la escena inicial vemos a la sirvienta de la familia Mortara entrando en la tienda familiar. El caso Motara llamó la atención a todo el mundo, incluso internacionalmente. Estábamos en una época donde los territorios italianos que durante siglos habían estado bajo el gobierno directo de grandes papas, estaban cerca de una disolución inminente y el pueblo empezaba a revelarse. En medido de todo este alboroto la familia Mortara vivía juntos con sus nueve hijos. La joven sirvienta había bautizado a uno de ellos, cuando estaba al borde de la muerte y no había dicho nada a la familia.

Varios años más tarde, la iglesia se dio cuenta de este hecho y bajo la orden de papa Pío IX, el joven Edgardo fue arrebatado de sus padres y llevado al vaticano para crecer en una vida católica. La Familia Mortara eran todos judíos y no podían entender que estaba pasando. Durante un largo período de tiempo los padres estuvieron luchando, la madre le dijo a Edgardo en el último momento antes de su secuestro, que todas las noches susurrara en silencios las oraciones que le había enseñado.

El director no muestra la historia con una gran puesta en escena y con un ritmo atroz, que no deja que el espectador pierda detalle de todo lo que está ocurriendo. Pasa un poco por encima del tema político, pero la cinta es claramente una crítica a la iglesia católica y a sus formas de actuar. Me gusta mucho como retrata los interiores, la fotografía es muy buena. Otro de los aspectos que más llaman la atención es la evolución del joven Edgardo y como se va adoctrinando a la exigencia y costumbres del vaticano. Película muy recomendable.

Lo Mejor: La puesta en escena y su ritmo endiablado
Lo peor: La obsesión de Bellocchio en atacar a la iglesia católica.

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Matteo Garrone ya nos introdujo en el mundo de la inmigración en sus dos primeras películas, tanto "Terra di Mezzo" como "Ospiti" nos mostraban ya en los años 90, esa realidad de personas que venían a Italia de sus países de origen, para buscar una vida mejor. Ahora con su nueva película "Yo Capitán" nos muestra en la pantalla la cruda odisea de dos jóvenes que cruzan el continente africano en busca del sueño europeo. La cinta fue presenta en la Sección oficial del Festival de cine de Venecia, donde obtuvo el premio al Mejor director y el premio al Mejor actor emergente. Aquí en nuestro país, la pudimos ver antes de su estreno en cines, el Festival de Cine de San Sebastián, donde obtuvo Premio del Público (mejor film europeo).

La inmigración es un tema muy delicado, que cada vez y cada año que pasa, tiene una difícil solución. Garrone se inspiró en la increíble historia real de Amara Fofana, un chico que, en el año 2014, sin experiencia alguna en el ámbito de la navegación, fue elegido por unos traficantes para capitanear una embarcación rumbo a Europa. Los dos jóvenes protagonistas Seydou y Moussa abandonan Dakar, para buscar una nueva vida, pero llama la atención que no lo hacen por una necesidad económica, si no por aburrimiento, en una ciudad donde no hay mucho que hacer para la juventud.

Desde que abandonan su país van pasando por distinto territorios, son secuestrados, maltratados y vejados, sobre todo cuando atraviesan Libia y el desierto. La película propone poner en imágenes una parte de ese viaje, que no conocemos. Garrone intenta mostrarnos esa aventura juvenil, que es como ellos mismos definen a su viaje. Lo hace con un estupendo manejo de su cámara y juega con la épica del paisaje. El director evita en todo momento señalar ni criticar a ningún país en concreto. Lo único que hacer es mostrarnos una realidad, que no deja indiferente al espectador.

Los dos actores protagonistas están estupendos, transmiten una fuerza y unas ganas de vivir y luchar impresionantes. Otro de los aspectos fundamentales de la película es como Garrone nos muestra las escenas de violencia, lo hace a través de los ojos de Seydoy y él, en muchos casos, no es consciente de estar viviendo una realidad atroz. La película no muestra nada que no sepamos, pero merece la pena su visionado, sobre todo para no olvidar este grave problema.

Lo mejor: La dirección de Garrone y sus dos actores protagonistas
Lo peor: Tristemente lo que cuenta, seguirá ocurriendo

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Pablo Berger causó admiración con "Blancanieves", una película muda en el siglo XXI, pero ya antes nos había cautivado con su opera prima " Torremolinos 73". Luego dirigió "Abracadabra". Es un director que se toma su tiempo entre una película y otra, ahora nos presenta su cinta más biográfica, en la que apuesta por convertir los dibujos de la novela gráfica de Sara Varón en imágenes en movimiento. La película ha tenido un éxito tanto internacional como nacional, pasando por muchos festivales, desde su presentación en el Festival de Cine de Cannes.

La historia está ambientada en el Nueva York de los años 80, allí un perro vive solo en su piso, se siento solo, cada noche cena los mismos macarrones precocinados.Su vida no tiene mucha emoción y siempre hace lo mismo, hasta que un día compra un robot que se convierte en su mejor amigo. El argumento es muy sencillo, pero lleno de ilusión, ambos patinan en Central Park, bailan su música favorita y hasta se bañan en la playa de Conney Island. Un día sus vidas se separan.

El director ha dibujado a mano, en 2D a sus personajes. Los ha hecho desde la sencillez de sus trazos y la expresión de la boca y los ojos. La ciudad de Nueva York está llena de detalles que nos muestran cómo era la ciudad en aquella época. La película es tanto para niños, como para adultos, tanto a unos como a otros les cautivara. La trama transcurre en un año, desde septiembre, hasta el verano siguiente. Lo que fundamentalmente nos quiere trasmitir es, ese miedo al paso del tiempo y a la soledad que todos hemos vivido alguna vez.

En definitiva, estamos ante unas de las mejores películas del año, tierna, sensible, asombrosa y llena de imaginación. E incluso se atreve a que sea muda. La música y el montaje también son estupendos. Se agradece que de vez en cuando se estrenen este tipo de películas para disfrutar y ver que la vida puede ser maravillosa.

Lo mejor: La sencillez que transmite y la amistad que surge entre el perro y el robot.
Lo peor: Este tipo de cine suele pasar desapercibido en los premios principales.

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El maestro Ken Loach ha decidido a sus 86 años, terminar con su carrera, siempre ha sido buque insignia del cine social europeo. Es un hombre que siempre ha creído en la honestidad de las personas y lo vuelve a demostrar con "El viejo roble", donde nos regala una película sobre la solidaridad entre los desheredados. La cinta formó parte de la Sección Oficial del festival de Cine de Cannes. Aquí en nuestro país la pudimos ver antes de su estreno comercial, en la Sección Oficial del Festival de Cine de Valladolid (Seminci) donde obtuvo el premio del público y la Espiga a Mejor Actor.

La trama nos lleva al noreste de Inglaterra, el dueño de una vieja taberna lucha por salvar su negocio. A este hombre no le gustan los grandes hechos. Cuando llega a su pueblo un autobús lleno de refugiados sirios, lo único que hace es arreglar una cámara de video de una de las pasajeras, que utiliza para grabar su nueva vida. Entre TJ Ballantyne y Yara surge una bonita amistad.

Antiguamente el pueblo era un lugar completamente distinto, lleno de vida y de mineros, que llenaban a diario su pub. Loach nos muestra ese cambio de su país, comparándolo con la actualidad, donde la precariedad laboral, hace que los vecinos se sientas solos y tristes. La llega de los inmigrantes al pueblo, sirve para darle algo de esperanza y de vida a los habitantes. Pero claro, surge una gran enfrentamiento entre los vecinos, ya que algunos piensan que los inmigrantes vienen para arrebatarles sus trabajos.

Loach no siempre ha sido tan sentimental, pero aquí lo es y mucho. Mucha culpa de todo la tiene la estupenda interpretación de Dave Tarner, él solo hace la película suya. La película tiene momentos muy buenos y saber tocar la fibra sensible del espectador. No puedo decir que sea su mejor película, ni mucho menos, pero si que deja un buen sabor de boca, como despedida.
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Lo mejor: La interpretación de Dave Tarner
Lo peor: Quizás el guion no es lo mejor en esta ocasión