En gran cantidad de ocasiones si los títulos de crédito son acertados hacen presagiar que lo que veremos a continuación nos va como poco a gustar. En Up in the air, lo último del director de la sobrevalorada Juno, esta regla se cumple con creces. Jason Reitman nos obsequia con unas singulares perspectivas de diferentes terrenos americanos desde lo más alto con el temazo This land is your land de Sharon Jones & The Dap Kings para presentar a su equipo. Y a partir de ahí despega una obra de necesario visionado por que hay cintas que son como espejos, cualquiera se puede sentir reflejado en un determinado momento y esos fotogramas pueden llegar a ser tan crueles o satisfactorios como un espejo.
Tras Gracias por fumar y Juno, Reitman se marca su cinta más sincera, con un brillante humor durante la primera parte junto a un descafeinado desenlace. El film se alza gracias a su inteligente guión y a unas interpretaciones más que correctas. Y es que un tema social como las consecuencias de una crisis económica da para mucho, desde el lacrimógeno drama hasta la comedia más desternillante. Sin embargo aquí estamos ante una obra balanceándose entre ambos límites sin decantarse por ninguno de ellos. El acierto está en juntar una historia personal que nada tiene que ver con el eje central del film, llegando en momentos a fusionarse. Estoy hablando del criterio del personaje de Clooney sobre la vida. Un hombre de mediana edad sin compromisos al que la vida le sonríe de boca para fuera pero que él y sólo él sabe que es una fachada. Y es que no se puede tapar el sol con un dedo.
El casting es excelente, alguna cara nueva como Anna Kendrick aportan frescura y ante todo el papel más carismático. En cosa de diez minutos pasas de odiarla, ante su presentación, a enternecerte en el resto del metraje. La química que irradian las escenas entre George Clooney y Vera Farmiga traspasa la pantalla. La ironía de ambos se entrelaza con la ingenuidad y entusiasmo del personaje de Kendrick produciendo en el espectador más de una risa.
El talón de Aquiles del film está en la desproporción de la cinta, si bien su primer acto es para sentenciar que nos hayamos frente a una cinta soberbia, su llegada al final nos indica que casi es una obra maestra y se quedó en el casi. No obstante, Up in the air es lo mejor que ha filmado Reitman hasta la fecha. Una cinta divertida y realista, sencilla y profunda y ante todo muy recomendable.

Lo mejor: la inteligencia de su guión hace mella en el espectador
Lo peor: que el Nespresso de Clooney opaque su interpretación

Un gran acierto llevar a la gran pantalla los últimos años de vida del activista gay Harvey Milk; Gus Vas Sant logra realizar un notable trabajo dónde destaca una dirección artística inmejorable y unas interpretaciones soberbias. Sean Penn tendrá en sus manos su segundo Oscar, no cabe duda alguna. Consigue meterse en la piel de Harvey Milk de una manera creible, no abusa de los topicazos y en alguna que otra escena hace que el estómago se te encoja. El resto del elenco no queda eclipsado por Penn, tanto James Franco como Emile Hirsch alcanzan un notabilísimo resultado haciendo de novio y fiel seguidor de Milk respectivamente, sin embargo ni Josh Brolin ni Diego Luna consiguen despertar el carácter de sus personajes haciendo unos ridículos trabajos.
Mención especial para la banda sonora, adquiere su mayor esplendor en la mejor escena de todo el film: el resultado de las últimas elecciones.
Es posible que Gus Van Sant haya intentado realizar este biopic ya que por todos es conocido que este tipo de historias de cara a los premios se alza con muchas nominaciones. Siendo asi debe darse por satisfecho además del éxito que cosechará la cinta.

Lo mejor: el elenco.
Lo peor: lo mismo se puede argumentar en menor metraje.

La facilidad de hacer desaparecer vagones con todos sus pasajeros de un tren legendario. La forzada inocencia de la protagonista que a pesar de su oscuro pasado es incapaz de ver tres en un burro son algunos de los fallos que hacen del último film de Anderson un cúmulo de buenas intenciones sin un excelente resultado. A pesar de ello Transsiberian no deja un mal sabor de boca. Nadie diría si no fuera por los créditos iniciales que estamos ante una producción española. Al internacional elenco compuesto por Emily Mortimer (creible la interpretación de la que fuera la infeliz cornuda de Match Point), Woody Harrelson y Ben Kingsley en unos papeles no sorprendentes por su simplicidad y el toque latino por un Noriega más que aceptable tras haber salido mal parado de Lolitas Club hay que añadirle la fotografía y montaje pues son un protagonista más. Espectaculares los planos cenitales del transiberiano abriéndose paso en la gélida estepa acompañado de una banda sonora que le otorga suspense a un thriller que podría haber sorprendido y se ha quedado en un mero ejercicio fílmico bastante correcto.

Lo mejor: el ambiente claustrofóbico que respira Mortimer en los pasillos del Transiberiano.

Lo peor: un desenlace tan apresurado que podría dar para un giro de guión

Parece que a Hollywood no le basta con la violencia coreografiada del maestro Tarantino, teniendo que atraer al director de la magistral Old Boy (2003) a su seno. La industria no es precisamente ignorante y ya le había echado el ojo a Chan-wook tras la trilogía sobre la venganza que se había marcado años atrás. Pero para conquistar al coreano, ¿la mejor opción era ofrecerle un remake de sus joyas más celebradas? El cineasta estuvo sembrado al rechazar la oferta y enseñar los dientes. Si los americanos le habían llamado para realizar fotocopias, mejor quedarse en casa y seguir con lo suyo. Sin embargo, la oportunidad la pintaban de oro y Chan-wook no tardó en comprender que su estilo es único y cotizado, por lo que aceptó dirigir Stoker, una historia para las sobremesas a la que enfundaría el mejor chaqué.

Dejando el previsible guión a un lado, el director opta por convertir la fachada en una estancia más donde habitar otra historia de venganza. Dota al movimiento de cámara de un mayor protagonismo al que Hollywood nos tiene acostumbrados, relegando las interpretaciones y el texto a un segundo plano. Con este arma de doble filo, Chan-wook entra por la puerta grande de una industria que no está dispuesta a perder genios aunque para ello tenga que bajarse los pantalones. Cada escena, milimétricamente estudiada, otorga una sinfonía exquisita en el que las formas devoran un fondo de manual. Y es que tras varios minutos de metraje perdemos la cuenta de los innumerables planos que este elegante thriller nos está presentando. Desde un primerísimo plano donde un sacapuntas hace las delicias de los más detallistas hasta un efectista travelling circular que recrea el viaje de un cinturón por las trabillas de un pantalón, convierten a esta cinta, desde ya, en un exquisito ejercicio de buen gusto cinematográfico, carne de cualquier temario audiovisual.

Stoker arranca presagiando que irá sobrada de estilo. Unos soberbios créditos con imágenes congeladas acompañan a una narración enigmática, fría y puramente atractiva. Tanto como las miradas que se suceden a lo largo del metraje. Matthew Goode y Mia Wasikowska imprimen poder a sus respectivos personajes sólo con la mirada. La cámara se enamora de ellas conduciendo al espectador por los mismos derroteros. Vemos en los ojos de los protagonistas la acción que va a acontecer y aunque esto podría ser decepcionante en manos de otro cineasta, Chan-wook le resta importancia. Al contrario, se recrea en ello logrando el efecto contrario. Sabemos lo que va a pasar pero no sabemos cómo. Ahí radica el mayor atractivo de una obra que presume de poderío visual otorgando a su contenido de una fuerza imprevista.

Para creyentes en el cine sin fronteras y fieles de Chan-wook

Lo mejor: que su director no haya perdido ni un gramo de identidad.
Lo peor: su falta de poso.

Adaptar una novela como La Palabra más hermosa no sólo requiere agallas sino ser consciente de que semejante texto puede llegar a ser inadaptable. La novela abarca una retaíla de temas que tienen una cabida inagotable en sus más de quinientas páginas. Desde el drama de la infertilidad hasta temas sociales de rigurosa actualidad como la adopción subrogada y todo ello bajo el marco de la guerra de los balcanes. Cuestiones que en las páginas de Mazzantini adquieren un relevante poder emotivo mientras que en una cinta de dos horas es remotamente imposible llegar a ese puerto. Más aún cuando su director es el mayor fan de la novela (su mujer es la autora) y no ha querido dejar de homenajear todos y cada uno de los detalles que conforman esta desgarradora obra literaria.

No es de sabios abogar por la exigencia y complejidad de adaptar un texto frente a un original. La libertad en el desarrollo de ese guión tiene las alas cortadas. El talón de Aquiles de Volver a nacer radica precisamente en este punto más allá de las nefastas críticas irracionales que está cosechando. Alguien debería dejar claro a Castellitto que para emocionar hay que llegar al fondo. A diferencia de lo que gran sector de la crítica defiende, la película no carga las tintas como debiera. Y con esto no hago alusión a los planos estudiados donde la sangre es la protagonista. La emotividad, el sentimiento latente en las páginas de la autora no encuentra en la cinta su proyección. La obsesión, el amor, los miedos del personaje principal sólo se atisban desde la lejanía. El director no hurga en la herida para no perder metraje. Fiel a su ideal, a una superflua adaptación, opta por otros derroteros. Se pierde en la presentación de personajes metidos con calzador, que no aportan valor al eje central.

Asumiendo que Volver a nacer adolece de la garra que presumía el texto en el que se basa, está siendo injustamente vilipendiada por la crítica y por un público parte contaminado y parte obcecado en hacer de la actriz española más internacional pasto de las malas lenguas. No es fácil enfrentarse a un registro como éste para cualquier actriz y aunque se realce la interpretación de la madrileña, no hay que escandalizarse si pensamos que el papel de Gemma le ha superado. Vale que en la recta final está soberbia pero en esta ocasión no ha estado bien dirigida.

"Y la vida se ríe de nosotros como una puta vieja y desdentada mientras nos la follamos sin abrir los ojos y soñamos con el culo de una joven doncella" Bajo este certero y subyugante poema, que en un momento dado le escribe Gojko a su amiga Gemma cuando ésta le confiesa sus traumas, la cinta se asoma a la ventana para vislumbrar un momento memorable. Digiriendo ese poema nos adentramos en el alma de la persona a quien va escrita y ahí es donde Castellitto debía haber apostado. El personaje de Gemma es un cartucho destinado a agotar. A rozar el corazón.

Es cierto que Volver a nacer no es una obra para el recuerdo, ni conforma el trabajo más brillante de su equipo pero lejos está de ser un insulto o de generar carcajadas como se ha llegado a decir. Es una cinta que se ha visto embriagada de las intenciones de su director y que en ciertos momentos pega tumbos pero que logra salir a flote en un mar de tiburones.

Lo mejor: la escena de Cruz subiendo las escaleras para encontrarse con un pasado desconocido. El temor en su mirada es impagable.
Lo peor: querer ser sumamente fiel a la obra original sin golpear fuerte cuando hay que hacerlo.