Para algunas personas la soledad es el lujo supremo de la vida. Ellos solo pueden esperar conseguirla lejos de la sociedad, los plazos, y la tensión que caracteriza la vida de la ciudad. Ellos se deleitan con la oportunidad de ser ellos mismos y explorar los reinos interiores de las emociones y los sentimientos que guardan en su interior. Los que no tienen miedo de estar solo suelen decir que ellos son más abiertos a los misterios del mundo natural durante estos períodos de soledad. Les encanta la paz y la tranquilidad de la noche, sentados en la oscuridad o mirando hacia el cielo deslumbrante de noche, y sin embargo, admiten que su anhelo de conexión con los demás es una parte importante de sus vidas. Estos dos impulsos son como las mareas que coexisten dentro y fuera de nuestros días. Todo esto y más se explora en Nothing Personal , una película de meditación memorable, escrita y dirigida por la directora Urszula Antoniak.

Una mujer sin nombre (Lotte Verbeek) observa desde su piso vació en Holanda a la gente que busca a través de sus objetos personales y muebles situados en la calle. Se quita el anillo de boda de su dedo, y acto seguido la vemos en una carretera haciendo autostop, hecho que nos genera un sin fin de preguntas. Durante la noche ella duerme en su tienda de campaña, hasta que en Irlanda agotada de su viaje, llega a una casa aislada, habitada por su propietario Martin (Stephen Rea), un solitario de muchos recursos que ha encontrado una manera de aprovechar las virtudes de soledad. Aunque sus caracteres son diametralmente opuestos, ambos tienen una idea común: sólo la soledad garantiza la libertad. El hombre le ofrece trabajo a cambio de comida, y la chica acepta a condición de que no haya nada personal. No tardan en sentir curiosidad el uno por el otro, pero no quieren romper el trato.

Nothing Personal es un lugar tranquilo, una obra íntima sobre dos almas solitarias que forjan una relación estrictamente profesional, pero poco a poco se siente atraídos el uno al otro. En su debut cinematográfico, Urszula Antoniak muestra talento en su manejo de los actores y un estilo fílmico muy depurado e intimista.

Una de sus virtudes es que cuenta con dos actuaciones honestas y sencillas que logran un gran resultado, haciendo la pelicula atractiva y creíble: Verbeek y Rea trabajan bien juntos y por separados, capturan y muestran las heridas psíquicas de sus personajes sin ningún signo de tics interpretativos o trucos.

Otro beneficio importante es la excelente fotografía de Daniel Bouquet, tanto de las escenas más intimistas y cuidadas como las que nos muestra los alrededores de la casa y el esquisto paisaje irlandés.

Defectos al margen, Nothing Personal tiene un efecto encantador.

Bergman se sirve de esta película para adentrarse, una vez más, en los enrevesados y complejos senderos de las relaciones matrimoniales, lo hace retratando la compleja y estremecedora mente de Peter Egerman un psicópata cuyo desmoronamiento emocional y moral constituye el epicentro de esta subyugante película, que narra las carencias de un matrimonio, repleto de ofensas y humillaciones. Bergman basa el hilo conductor de la película en el antes y después de la primera escena, en modo de encuesta policial donde crea un clima sórdido y opresivo y la impregna con el toque teatral que lo caracteriza, acompañado de un sin fin de primeros planos y planos escorzo que hacen recordar su gran obra "Persona", el guion es magnifico y elocuente gracias a la fuerza con la que irrumpen los personajes secundarios aportando veracidad a esta recomendable obra.

Tony Kaye vuelve a deleitarnos con una nueva película, lamentablemente, la cinta acaba siendo un ejercicio fallido y pretencioso que no busca más que adoctrinar. Relatada gran parte en voz en off, con un tono tedioso buscando darle profundidad al mensaje ayudado de multitud de variedad en sus planos a base de cámaras rápidas y grandes angulares, el argumento pierde solidez con varias imágenes en flashbacks que hacen prever parte de la trama, pero ayudan a profundizar en las motivaciones y preocupaciones del personaje.

El primer día del resto de tu vida es una comedia dramática que examina las fracturas y debilidades de una familia, se centra en cinco días decisivos de sus últimos 12 años. El guionista y director Benzacon cuenta esta historia con mucha actitud sarcástica y un animado estilo de dirección que nos mantiene pegados a la pantalla, mientra despierta en nosotros diferentes emociones. Editada junto con el ingenio y la sensibilidad, y respaldada por una BSO fantástica, esta película demuestra la audacia real tanto en su uso del surrealismo sutil y la rugiente comedia. Y mientras, Benzacon se niega a alejarse de las emociones crudas, sin entregarse nunca al sentimentalismo ligero.

La pelicula a veces es un poco irregular y con tendencia al cliché, pero en general es una delicia. A veces es divertida, otras conmovedora, pero siempre con algo significativo que decir sobre las relaciones familiares, la interpretación de la vida familiar que hace Rémi Bezançon es cualquier cosa menos hipócrita, siempre busca desmarcarse de otros modelos que solo tienen como aliciente conmover al espectador.

Bezançon hace una estructura episódica de cinco segmentos, que por separado narran un acontecimiento aparentemente crucial en la vida de cada uno de los cinco personajes principales. La idea inicialmente parece tener algún provecho, pero se rompe hacia el final. El hecho de que la película tenga que recurrir al uso de flashbacks sugiere que Bezançon es consciente de limitaciones de esta camisa de fuerza narrativa. A pesar de esto, la película mantiene un gran interés, gracias al inteligente guión de Bezançon y a unas actuaciones impecables y honestas. Aunque la mayoría de las películas en estos días muestran familias de una manera extremadamente negativas o caricaturizadas, es gratificante encontrarse con una que ofrece una representación diferente de la vida familiar, presentándola como algo que debe ser celebrado y apreciado, no ridiculizado.

I'm Here es un cortometraje sobre una conmovedora historia de amor en entre dos robots. Se inicia con la introducción de Sheldon, un robot varón que vive la vida con abandono, él coge el autobús diariamente sin ilusiones para ir de casa al trabajo y viceversa, hasta que un robot femenino se cruza en su camino y le muestra otra forma de vida, que a pesar de ser una vida más arriesgada para unos robots tendrá sus ventajas.

Es difícil saber si esta pelicula esta bien interpretada por Andrew Garfield y Sienna Guillory, puesto que interpretan a dos autómatas y por lo tanto ambos se encuentran encerrados en carcasas de plástico, lo que les obliga a actuar con el movimiento justo y su voz. Pero la elegante narración simple y visual que Jonze emplea hace casi todo el trabajo, y el resultado es sorprendente, aunque de una forma potencialmente oscura. Los giros del argumento reflejados como los sacrificios que hace Sheldon por Francesca, podrían ser fácilmente interpretado como un comentario sobre el amor destructivo que puede recibir mucho y ofrecer poco. Pero si eres un romántico, simplemente puede ser que veas esta historia como una expresión del amor más puro imaginable. De cualquier manera, la película es mucho más que un tratado sobre la construcción de robots de mala calidad.


El ojo de Jonze para Los Angeles no ha cambiado demasiado desde sus días de "Beastie Boys", cuando utilizaba las ubicaciones de LA con un ambiente de guerrillas. Esta vez, sin embargo, Los Angeles es hermoso, gracias al director de fotografía Adam Kimmel, quien logra unos impresionantes efectos visuales, obteniendo mayores resultados cuando la cámara se centra en Sheldon, logrando una estética cercana a la teatral.