Con el pretexto de que han añadido a la web todas las aventuras gráficas de Lucasarts justificándolas como "Videojuegos narrativos", he decidido que ya era hora de ver todas las adaptaciones oficiales de estos clásicos a la gran y a la pequeña pantalla. El viaje ha sido muy corto; primero me vi la alocada, ilógica, caótica pero divertidísima serie de animación basada en Sam & Max, donde el perro policía Sam y su psicópata conejo acompañante Max resolvían casos absurdos y vivían irreverentes aventuras. Los personajes de Steve Purcell que protagonizaron el memorable Hit the Road en 1993 aguantan sorprendentemente bien en sus 24 episodios, pues si bien sus tramas son completamente estúpidas y sin sentido derrochan un sinfín de buen rollo, carisma, buen humor, frases memorables y talento en el departamento de animación y de guionistas. No es la mejor serie del mundo ni mucho menos, pero si dominas el inglés es un rato agradable.

Finalmente, solo tenemos otra adaptación oficial de estos juegos en formato televisivo (sin contar los cortos promocionales de Tales of Monkey Island creados por Marius Fietzek): la serie de 1990 Maniac Mansion, basada en el juego homónimo de 1987 creado por el inimitable Ron Gilbert, padre de Monkey Island. Digo "basada" de forma muy ambigua, ya que los problemas de la adaptación comienzan en su premisa; en lugar de estar protagonizada por Dave y sus amigos en un desesperado intento de rescatar a Sandy de las garras del chiflado Dr. Fred Edison y su familia, la trama de la serie sigue las vivencias cotidianas de Fred, un científico algo chapuzas, y su genérica familia formada por su mujer, sus tres hijos y sus dos cuñados. Es cierto que su hijo menor y su cuñado se transformaron en gigante y mosca por un accidente experimental, pero aparte de eso se trata de una familia corriente con problemas corrientes. Nada que ver con el juego original.

Bueno, la serie no se parece en nada al producto original salvo en que salen Fred, la Mansión y el meteorito en el opening. ¿Hay algo que valga la pena para los fans del juego? Sinceramente, ese es el gran problema de la serie. Lucasfilm quería vender su serie con una marca conocida de forma que tuviera más audiencia, pero hubiera funcionado mil veces mejor si se llamara de otra forma. No hubiera sido una buena serie, pero no se sentiría como una estafa. No me esconderé y diré que Maniac Mansion no es precisamente mi juego favorito del catálogo de Lucasarts, pero se exige algo de respeto por el material que tocas; en el juego, Fred tiene a su esposa la enfermera Edna y a su hijo el militar Ed, pero ninguno de estos personajes son los miembros de su familia en la serie. ¿Qué sentido tiene hacer eso?

He dicho que si se llamara de otra forma Maniac Mansion funcionaría pero "no hubiera sido una buena serie". Dejando de lado el problema de la adaptación, la serie sigue teniendo muchos problemas que abundan en prácticamente todos los episodios. El 80% de las tramas son exactamente las mismas tramas que en cualquier otra sitcom familiar de la época, sin apenas variación (problemas de matrimonio, problemas con los vecinos, episodio navideño, peleas entre hermanos...). Sabes cómo empiezan y cómo acaban, y a menudo las resoluciones son inmediatas seguramente porque los guionistas sabían que el espectador los considera predecibles. No hay riesgo en el humor, está todo demasiado suavizado: destaco un episodio donde la madre encuentra un VHS de su juventud como cantante y resulta que era horrible cantando, pero lo que muestran no es tan malo; para hacer gracia el canto tendría que ser espantoso, pero la serie no se arriesga no sea que ofenda a alguien. Tienen a un niño de 4 años que parece un señor de 40 pero realmente no hacen mucho con eso, fuera de que lo tienen que ocultar a la sociedad salvo cuando no lo hacen, los vecinos lo saben y les da igual pero al inspector del fisco hay que decirle que es un hijo adulto retrasado que no encuentra trabajo. Peor es el caso de Harry la mosca, cuyo papel generalmente se reduce a hacer chistes tontos y a ser una mosca terriblemente implementada en el escenario. Imagino que Lucasfilm prescindió de Industrial Light & Magic para este proyecto, porque los efectos visuales dejan muchísimo que desear. Finalmente, el recurso de los sueños se sobreexplota, donde en más de la mitad de episodios la gran revelación de cómo solucionar los conflictos internos de un personaje se resuelve porque tiene una secuencia onírica. Y cansa muchísimo cuando pasa una y otra y otra vez. En resumen, en general se trata de una sitcom poco imaginativa, aburrida y que no destaca a pesar de tener muchas oportunidades de hacerlo.

¿Lo peor de todo? Que hay muchísimo talento detrás y se nota de vez en cuando. El reparto en general se nota que sabe hacer su trabajo, le dan chispa a su papel y hacen lo que pueden para sobrellevar tan genéricos guiones. Salvo cuando los guiones no son tan malos; recuerdo un episodio bastante divertido para lo que estaba acostumbrado en el que el hijo menor tiene que aprobar un trabajo o irá a la escuela de verano, arruinando las vacaciones familiares. Aunque es una trama genérica, algo les pasó a los guionistas que lo hicieron más divertido de lo habitual, incluso empleando el recurso del sueño de una forma inesperada. El final de dicho episodio está muy bien. Los guionistas de verdad son los que más talento tienen cuando les dan la oportunidad, y eso se nota en los chistes de cuarta pared; cuando la serie reconoce que es una serie se vuelve objetivamente buena, juega con tópicos, estereotipos, clichés, chistes de toda clase y realmente funciona. Destaca alguna introducción suelta a algún capítulo, el episodio en el que ruedan el capítulo en directo, y sobre todo el primer y último episodio de la temporada, los mejores con diferencia que no quiero arruinaros. Si solo el resto de la serie fuera así...

CONTINÚA EN SPOILER POR FALTA DE ESPACIO

Mi serie de críticas "Superpenosos de ayer y hoy" fue creada para reírme de todos los truños de superhéroes que me encontraba por FilmAffinity, sobre todo en la época en la que me dedicaba a hacer retos con mi familia de ver pelis y exploraba el TOPIC por el lado de las Peor Valoradas. Grandes títulos de la talla de Elektra, Howard el Pato, Steel, Spawn o Catwoman aterrizaron en mi vida dejándome varias secuelas psicológicas y algunas críticas entrañables. Aunque hubo alguna que, si bien reconozco que de lejos me pareció mala, disfruté genuinamente y llegué a aprobar, a destacar el Daredevil de Ben Affleck, el Ghost Rider de Nicholas Cage o la Linterna Verde de Ryan Reynolds. Pero ninguna me ha hecho sorprenderme tanto de su suspenso como el Hulk dirigido por Ang Lee en 2003. He decidido rescatar esta subserie de críticas, muerta desde hace 5 años, para intentar reivindicar la primera adaptación a la gran pantalla de la Masa de Marvel.

Pero sí, la incluyo en el género porque evidentemente tiene muchos problemas que la alejan de ser una buena película. El más duro seguramente sea la duración, dos interminables horas que avanzan a paso de tortuga hasta que finalmente podemos ver a Hulk en acción. Y es luchando contra caniches mutantes. El CGI de estos bichos es especialmente malillo, y la sensación general de los efectos especiales a lo largo del film es irregular, porque hay varias escenas que cantan demasiado pero en otras admito que el bicho verde se veía realmente bien. No sé, esperaba que fueran absolutamente terribles. Finalmente, como siempre alabo el doblaje castellano que en este país es una de las profesiones más nobles y maravillosas a pesar de su pobre remuneración y reconocimiento, aunque por su culpa no sé si juzgar debidamente al reparto de la película; he leído cosas terribles acerca de su actuación, pero a mí no me ha parecido tan mala... Quizá un día le dé otra oportunidad en VOSE y descubra que efectivamente ese punto es malo de remate.

Pero quitando todo esto malo, lo cierto es que he acabado la película con buen sabor de boca. Peor sabor de boca que El Increíble Hulk de 2008, otra película de la que había oído horrores y me pareció un film tremendamente disfrutable, pero en cualquier caso un buen sabor de boca que eleva a Hulk a la mejor entrega de los Superpenosos. La trama sigue una progresión interesante pese a su lentitud (SPOILER), el conflicto de Banner me resulta intrigante, el villano (aunque desaprovechado hasta más no poder) está guapo, las secuencias de acción propiamente dichas de Hulk son tremendamente alucinantes, con Hulk liándose a hostias con los tanques y saltando a lo Super Mario Bros... suena muy ridículo, pero precisamente ese sentido del ridículo le pega a este superhéroe particular, es como que funciona en el tipo de película que Ang Lee buscaba hacer. Una película de superhéroes de cómic.

Y ahí es donde el punto que seguramente más gente detesta de la película entra en escena: las "viñetas" de cómic. Un estilo inusual calificado de distractorio en el que las transiciones y algunas secuencias estáticas intentan emular con un extraño resultado las transiciones del plano secuencial de los tebeos. Los críticos y sobre todo espectadores lo odiaron porque sacaba completamente de la inmersión y no aportaban nada... Y ¿sabéis qué? No me parecen tan malos. Hay algunos más chorra y cutres, pero en general a mí no me parecieron que quedasen mal ni que sacasen de la historia, y hasta me parecieron originales dándole una estética única a la película. Pese a que podrían haberlos aprovechado más para las escenas de acción y menos para las escenas de hablar, pero a lo hecho pecho...

Con todo esto creo que no me queda nada más que decir. Me basta con reivindicar una película de superhéroes que cayó en el olvido de las adaptaciones de Marvel y que no me ha parecido tan mala ni de lejos como la pintaban. Sencillamente, para el panorama que tengo en mi catálogo de Superpenosos, Hulk se queda muy por encima de la media, sin llegar a ser un producto redondo (y me atrevería a decir que tampoco es bueno) pero cumpliendo su propósito de evasión y de traslación al mundo de los cómics.

Me gustaría ver a los críticos que decían que los efectos de Hulk "sacan de la inmersión" sufriendo al diablo de Spawn...

Si tenéis mi edad, estoy seguro de que os criasteis en los albores de Youtube. Allá por los años de 2005-2007, no existían youtubers, ni streamers, ni monetización, ni exigencias de vídeos de calidad, ni constancia... solo existía la magia de Youtube. Esos vídeos tontos de LEGO que a veces ni entendíamos por no saber inglés, como Harry Potter Lego Thing o Lego Náufragos; esos tops de videojuegos que utilizaban el motor de Loquendo para ocultar su identidad y no dar vergüenza; esos atrevidos vídeos que no queríamos que nuestros padres descubriesen, como el día que el Bananero entró en nuestras vidas... Era una época de infancia feliz, de ninguna preocupación y de ratos muertos en Internet para evadirnos de nuestra realidad.

Un buen caso eran las animaciones flash, esas "series" o cortometrajes que americanos con mucho talento y tiempo libre hacían para deleite de niños como yo obsesionados con los videojuegos. Seguramente uno de los que recuerdo con más cariño era a Mark Haynes, a quien jamás llamé de ese modo: para mí era Alvin Earthworm, el pirado animador con avatar de lombriz que nos hacía reír con sus Random Shorts y que me introdujo a la maravillosa chorrada que era Banana Bomb. Alvin Earthworm tenía mucha imaginación, y su proyecto más ambicioso fue sin duda ese intento de hacer una serie de videojuego al estilo "pixel art" seguramente influido por la (para el yo de 9 años) aterradora Rise of the Mushroom Kingdom. Ese es el origen de Super Mario Bros Z.

Quien no sepa de qué trataba, basándose en el título y en alguna imagen suelta es fácil de intuir. Tu típica parodia del anime Dragon Ball Z, en este caso protagonizada por Mario, Luigi, Yoshi y los invitados de Sega, Sonic y Shadow, erizos que traían consigo el MacGuffin de turno: las Chaos Emeralds, artefactos de sumo poder que también ansía el peligroso Metal Sonic (mil veces más peligroso que la versión real de los juegos). De este modo ambos mundos se fusionan mientras el equipo heroico busca las esmeraldas antes que Bowser, Metal Sonic, Wario y Waluigi, las parodias de los Power Rangers y las parodias de las Tortugas Ninja. El cóctel está servido en esta serie que, si no vivisteis en su momento, suena terriblemente cliché, extraño y alocado. Y sí, es que era sí.

Porque viéndola muchos años después, no puedo ni imaginarme como me dejé engatusar por un guion tan sobreexplotado y simple, que trataba de imitar la grandilocuencia de Dragon Ball fallando estrepitosamente. La trama es una excusa ridícula, con aires de épica interplanetaria, para poner juntos a los personajes de los videojuegos favoritos de un animador de internet con acceso a programas muy avanzados. La historia se queda a medias (la serie duró 8 capítulos) pero si has visto cualquier shônen popular podrías intuir por dónde pensaba dirigir la historia.

Ahora, vamos a ponernos en la piel de los jóvenes que descubríamos por primera vez que con el ordenador se podían ver vídeos creados por frikis como tú y como yo a lo largo de todo el globo. Ver a Mario y a Luigi luchar contra Sonic y Shadow, a Metal Sonic persiguiendo a Wario y Waluigi o a los cinco héroes volar contra una fortaleza aérea impenetrable era un sueño hecho realidad. Sobre todo porque, si algo no se le puede reprochar a Super Mario Bros Z, es su increíble animación. Las peleas se sostienen de maravilla a día de hoy, y la animación en general es fluida y muy carismática; los toques de humor siguen funcionando y cumpliendo su función, así como los guiños y referencias (esa parodia de Hotel Mario es oro)... En fin, que aún tiene cosas que hace bien.

¿En qué se convierte Super Mario Bros Z a día de hoy entonces? En un testimonio de años mejores y más puros. En una serie repetitiva y sosa si se estrenase a día de hoy, que ha envejecido terriblemente mal en cuestión de seriedad y que hasta me ha dado vergüenza ajena en algunos capítulos. Pero a la vez en una mágica máquina del tiempo a los inicios de Youtube, donde la novedad imperaba a la coherencia y donde Mark Haynes alias Alvin dio la vuelta a las expectativas de los niños que creían que Internet no tenía nada decente que ofrecer. A Alvin le debo miles de horas de mi infancia y el mejor regalo que se me ocurre es dedicarle este pequeño homenaje a esa serie de sprites que nos hizo creer que nosotros también podíamos aspirar a ser creadores de ilusiones.

Como último detalle, destacar que en la actualidad Mark pretende volver a traer a la vida Super Mario Bros Z con un reboot que es flipante en calidad técnica, la animación antes ya era muy buena y la de ahora es mejor que muchas series de animación con presupuesto, pero que desgraciadamente para mi gusto sigue pecando de un guion cliché, soso y predecible que parece solo destinado a complacer a los nostálgicos que crecieron con su show, una lástima.

Y por favor buscadla en inglés, que existe una traducción fan terrible que es para sacarse los ojos.

Monkey Punch, nombre artístico del mangaka Kazuhiko Katō (1937-2019), publicó por primera vez en 1967 las aventuras de Lupin the Third. Este ladrón de guante blanco saltó rápidamente a la fama en gran parte gracias a la popular serie anime que derivó del manga a partir de 1971 y que sigue en activo a día de hoy. Los divertidos atracos que lleva a cabo la banda de Lupin, formada por Jigen, Goemon y Fujiko, siempre burlando al incansable Inspector Zenigata, se convirtieron por derecho propio en todo un icono en Japón a la altura de Doraemon o Dragon Ball. En el resto del mundo también se tiene aprecio por las aventuras de estos personajes, en especial en Italia debido a la ascendencia italiana del personaje. En España, ya sea por el doblaje de Telecinco de los 90 o por el de Animax de 2008, la serie anime se ganó un lugar en los corazones de los fans, pero no fue así en el terreno del cine; como otras licencias japonesas, Lupin III dio lugar a muchas películas que ampliaban las historias de la banda de Lupin, tanto en la pantalla grande como en OVAs directos a televisión. Muy pocas de ellas llegaron a doblarse en nuestro país, pero bien que valen la pena para los fanáticos del personaje. Hagamos un repaso a todas ellas para comprender un poco más la popularidad del ladrón más elegante que se pueda imaginar.

Seguramente uno de los títulos más infravalorados de la franquicia es La Conspiración de Fuma (1987), que no llegó a España hasta 1995. Se trata de un OVA, acrónimo de "Original Video Animation", que tuvo un estreno en cines limitado en el país nipón antes de ser lanzada directamente en vídeo. Aparentemente, en su país de origen esta película fue odiada y repudiada, considerada la peor entrega de Lupin hasta la fecha. ¿Motivo? Cambio de doblaje, que se redujo a unos nuevos actores más televisivos que resultaban más baratos que contratar de nuevo a los titulares. Y aunque estoy completamente en contra de los cambios de doblaje, sustituciones injustas por motivos económicos y redoblajes innecesarios... Siento decirlo, pero menosprecian una de mis pelis favoritas del personaje.

¿Qué tiene La Conspiración de Fuma? Para empezar, una buena trama de conspiración, robos y legados al más puro estilo Lupin. Como en El Castillo de Cagliostro (1978), esto da lugar a una serie de aventuras por parajes peculiares, acción, aventura, romance... Siempre es a una escala menor, y es que se nota que este film no tenía tanto presupuesto como otras entregas del personaje, pero lo suficiente para lo que se le pide. También tiene el regreso de todos nuestros personajes favoritos, incluyendo a un Goemon casado y a un Zenigata rapado (todo tiene sentido en el contexto). Pero sobre todo, lo mejor de la película: cuenta con la mejor persecución en coche de todo Lupin the Third. Una alocada persecución con decenas de coches de policía que acaban hechos pedazos por barrancos, balnearios, vías de tren, ríos... No me he reído tanto con una persecución en mucho tiempo, sabe que es uno de los puntos fuertes del personaje y lo aprovecha al máximo.

Otro de los aspectos que más me gustan es la relación entre Goemon y su prometida, uno de los ejes centrales de la película. Ella no es especialmente destacable, es la típica chica mona de anime, pero algo hicieron que consiguieron convencerme de que la relación entre esta pareja es perfecta. Goemon siempre intentando protegerla, ella intentando ser útil de vez en cuando... y especialmente muchas más escenas de las que hubiera esperado para los escasos 75 minutos de película dedicadas a la relación romántica entre ambos, con un precioso flashback que deja claro que estaban hechos el uno para el otro desde su más tierna juventud. Un momento mágico que jamás hubiera imaginado en este sencillo telefilm.

Perfecta no es, desde luego, y puedo entender que la consideréis simple y algo genérica. ¿Mala película de Lupin? Absolutamente ni de coña, es un entretenidísimo espectáculo que apenas te consumirá una hora de tu vida y que querrás ver una y otra vez. Aunque no es la mejor del personaje, es un digno título de Lupin injustamente saboteado por los fans por culpa de una nimiedad. Tanto fans acérrimos como espectadores casuales tienen una visitada recomendada a este genial viaje por los rincones de la hacienda Fuma acompañados de la banda del mejor ladrón de guante blanco de la televisión.

Allá donde estés, gracias por todo, Monkey Punch.

DATOS DEL DOBLAJE CASTELLANO

Estudio de doblaje: Q.T. Lever (Barcelona)
Distribuidora española: Manga Films
Director de doblaje: [Desconocido]
Traductor: [Desconocido]
Ajustador: [Desconocido]

Lupin: Ricky Coello
Jigen: Jordi Ribes
Goemon: Juan Antonio Bernal
Fujiko: María Luisa Rosselló
Zenigata: Juan José Moscoso

Monkey Punch, nombre artístico del mangaka Kazuhiko Katō (1937-2019), publicó por primera vez en 1967 las aventuras de Lupin the Third. Este ladrón de guante blanco saltó rápidamente a la fama en gran parte gracias a la popular serie anime que derivó del manga a partir de 1971 y que sigue en activo a día de hoy. Los divertidos atracos que lleva a cabo la banda de Lupin, formada por Jigen, Goemon y Fujiko, siempre burlando al incansable Inspector Zenigata, se convirtieron por derecho propio en todo un icono en Japón a la altura de Doraemon o Dragon Ball. En el resto del mundo también se tiene aprecio por las aventuras de estos personajes, en especial en Italia debido a la ascendencia italiana del personaje. En España, ya sea por el doblaje de Telecinco de los 90 o por el de Animax de 2008, la serie anime se ganó un lugar en los corazones de los fans, pero no fue así en el terreno del cine; como otras licencias japonesas, Lupin III dio lugar a muchas películas que ampliaban las historias de la banda de Lupin, tanto en la pantalla grande como en OVAs directos a televisión. Muy pocas de ellas llegaron a doblarse en nuestro país, pero bien que valen la pena para los fanáticos del personaje. Hagamos un repaso a todas ellas para comprender un poco más la popularidad del ladrón más elegante que se pueda imaginar.

Pasaría un tiempo hasta que saliera a la luz la siguiente película de la franquicia. Para entonces, la serie ya iba por su tercera temporada, o Parte III, que se desmarcaba como iba siendo costumbre por el color de la chaqueta del ladrón. Esta Parte, también llamada la "serie de la chaqueta rosa", es famosa por ser la más bizarra y alocada de todas, con rediseños un poco afeados y tramas muy exageradas con resoluciones y guiones flipantes. Y qué queréis que os diga, si se parece en algo a El Oro de Babilonia (1985), no tengo mucho interés en llegar a esa temporada, la verdad.

No sé si querían parecerse un poco más al manga o afianzarse como serie para adultos, pero los rediseños y la animación me parecen un poco feos, muy deformados y raros. Los personajes principales siguen manteniendo su esencia y personalidad, pero no acaban de convencerme. Otras diferencias notables son las nuevas compañeras de Zenigata, seis féminas sexualizadas que no aportan absolutamente nada a la película, y los típicos secundarios que avanzan la historia, destacando una vieja pervertida que se pasa el film flirteando con Lupin y desnudándolo para llegar a la tercera base. Iuh.

No soy el mayor fan de esta entrega, eso está claro. Pero no puedo dejar de recomendarla para los fans acérrimos de la franquicia por lo memorable que es. Incluso si no me gustó en su momento, hay muchos momentos que recuerdo como si la hubiera visto ayer: la persecución de turno es en esta caso en moto dentro de una especie de feria que acaba con Lupin y Zenigata dentro de los ojos de un payaso gigante; hay una escena mítica en la que viajan por el tejado de un tren durante un tormenta y Goemon, con dos narices, coge su espada de meteorito y parte por la mitad UN PUTO RAYO; y luego está el final, que desde luego es inolvidable (SPOILER).

No creo que El Oro de Babilonia sea de las mejores de Lupin, y ni siquiera estoy seguro de que sea buena película. Pero en retrospectiva me alegro mucho de haberla visto porque ofrece las risas a las que nos tiene acostumbrados la banda de Lupin, si bien requiere de decisiones absurdas y muy locas para llamar nuestra atención. Conmigo lo consiguió, aunque no creo que este sea el mejor camino para atraer a las masas a las aventuras de este pícaro ladrón.

Allá donde estés, gracias por todo, Monkey Punch.

DATOS DEL DOBLAJE CASTELLANO

Estudio de doblaje: [Desconocido]
Distribuidora española: Divisa Home Video
Director de doblaje: [Desconocido]
Traductor: [Desconocido]
Ajustador: [Desconocido]

Lupin: José Carabias
Jigen: José María Cordero
Goemon: [Desconocido]
Fujiko: Laura Palacios
Zenigata: [Desconocido]