Díaz - Yanes se ha atrevido a capitanear la empresa más difícil que hasta ahora ha tenido en proyecto el cine español. Con el presupuesto más caro, con un plantel de actores (a cual mejor) y con el talento de Pérez - Reverte ¿simplificado? en los libros de Alatriste, la valentía del director quedaba claro. Tenía ante sí un proyecto difícil de encaminar hacia un final feliz, que iba a necesitar de mucho tiempo y, ante todo, de mucho talento.
Díaz - Yanes, acertado en "Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto" y absolutamente desastroso en "Sin noticias de Dios", presentaba en su tercer film el trabajo más ambicioso y, muy probablemente, el que guardará la posición de honor en su efímera filmografía.
Pero lo conseguirá a golpe de dinero y de un reparto excelente, porque la película ofrece poco en sí. La historia de este capitán en el Imperio Español (ya en decadencia) del siglo XVII es una acertada retrospectiva histórica, pero carga con un desarrollo de la historia muy insuficiente (algo que suele pasar, por desgracia, mucho en las adaptaciones.)
Lo mejor es contemplar como muchos de los mejores actores españoles se han atrevido a formar parte de este proyecto titánico que naufraga en muchas de sus incursiones.
La han vendido como la película española del año, pero tiene un olor a Hollywood rancio que no puede con él. Eso sí, no cabe duda de que si la película procediera de Norteamérica sería una de las mejores ofertas de este cine, porque, si una virtud tiene este film, es que se aparta, aunque no de forma radical (no me entiendan mal) de la estética hollywoodiense del cine épico. Es de agradecer, la verdad.

Va a ser verdad que el cine español se muestra incapaz de hacer un buen musical. Las incursiones nacionales en este género no han sido muy abundantes, desde luego. El referente anterior al film de Álvaro Begines fue "El otro lado de la cama" y su infame secuela. Quienes podíamos esperar por fin buen cine musical en esta película, nos sentimos decepcionados. Y lo estamos porque la película tiene un guión pésimo, la dirección es incompetente y los actores, en las escenas musicales, parecen reflejos perfectos de los malos play-backs musicales. Si lo fuerte hubiera de estar en las propias piezas musicales, este modesto espectador sólo salva precisamente la que abre la película ("Aserejé", en la que unos okupas bailan el tema en una azotea bajo la mirada de los policías).
Lo mejor de la película son Raúl Arévalo (¡qué gran actor!), Lola Herrera (¡¡¡qué gran actriz!!!, aunque por debajo de lo esperado en este film) y la debutante Julia García. Sus intervenciones dan algo de calidad a una película absolutamente superficial e ineficaz.
Tendremos que esperar algo más de tiempo para ver un buen musical español. La esperanza es lo último que se pierde, ¿no?.

Después de visionar “Una casa en el fin del mundo”, uno echa de menos las emociones que transmiten grandes genios como Wong Kar-Wai, Isabel Coixet o, a su modo, Pedro Almodóvar. Directores que cargan sus películas con una fuerza sentimental rebosante, que atrapa, que abofetea al espectador, lo hace zozobrar y se convierte en un títere manipulado por sus manos ingeniosas y las oscilantes emociones que inventan en la pantalla.
“Una casa en el fin del mundo” cuenta con una base muy expresa para conseguir ese mismo fin. Una historia dura, pero también dulce. Sentimental, pero también violenta en un sentido metafórico cuando del alma humano se trata. La violencia de la vida, de los sueños frustrados y de un vacío que cada vez parece más cerca de nosotros y en el que, inexorablemente, acabaremos cayendo.
Pero la película, lejos de profundizar en esa tensión emocional latente, nos cuenta la historia de un modo muy superficial, de tal modo que es imposible para el espectador identificarse con los personajes y sus situaciones. Es muy extraño que el escritor, que ha escrito el guión, no haya podido ser capaz de transmitir con la misma intensidad.
Michael Mayer no está a la altura de la capacidad emocional que transmite Daldry en "Las Horas", otra de las novelas adaptadas del escritor, por lo que la película acaba empequeñeciendo de tal modo que rebasa la indiferencia para acabar situándose en un espacio de purgatorio y de desdicha donde el espectador se pregunta qué hubiera pasado si la adaptación hubiera estado a cargo de otro director. ¿De Stephen Daldry, quizá?

La expresión de sentimientos y emociones es la esencia del cine. Pero si esos sentimientos se desprenden de una figura tan actual como emblemática como es la Reina Isabel II, esa misma esencia adquiere un nuevo matiz.
Y ese nuevo matiz es modelado de forma subjetiva, aunque correcta y sútil, por un Stephen Frears que sabe lo que quiere que el espectador intuya. Y es nada más y nada menos la frialdad casi calculadora de una mujer educada para ser así. Pero, además, Stephen Frears no deja de ahondar en un aspecto quizá más trascendental, como es la humanidad del propio personaje protagonista.
Una radiografía perfecta a un alma de sentimientos ambivalentes, atado siempre a la apariencia, cuyas acciones siempre quedan enjuiciadas por la opinión pública. Demasiado peso encima como para considerarse libre.
Y atada a deseos ajenos es como se encuentra esa misma Reina ante la muerte de su ex-nuera Diana de Gales. Frente a la sobriedad que ella precisa, el pueblo, totalmente conmocionado, espera de ella una respuesta que tardará mucho tiempo en producirse. Frears demuestra con valentía cómo la propia Reina de Inglaterra se doblega ante una fuerza mayor como es la del pueblo, en una situación digna de cualquier propaganda republicana.
Pero la película, al margen de su caracter valiente demostrado en diálogos tan espléndidos como comprometidos, se pierde en una historia ya muy trillada como es la muerte de Lady Di. Y aunque eso está preparado como excusa para interiorizan en la Reina Isabel II, la historia de Lady Di acoge en la película la fuerza comercial en la que siempre se ha visto envuelta.
A excepción de las interpretaciones de Michael Seen y de la estupenda, maravillosa, increíble Helen Mirren; así como de su gran guión, la película se pierde en la más absoluta indiferencia. Sí, hemos visto el lado oculto de la Reina Isabel II. Y eso está muy bien. ¿Pero hay algo más? Lo que hay está bien. Pero lo que no hay en el film ocupa casi un lugar mayor.

"Roma", "Lugares comunes", "Martín (Hache)"...
Hay directores a los que parece que les resulta fácil desnudar al ser humano. Interiorizar en sus pensamientos, sus emociones, sus sueños... Y Aristarain es uno de ellos. Porque más que historias, construye radiografías diferentes de un ser tan complejo como es el ser humano. Y lo hace de una forma sencilla, pero contundente.
"Martín (Hache)" no es, claro está, una excepción. En ella,Aristarain habla sobre la juventud y el duro paso hacia la vida adulta (ejemplos similares los hemos podido ver en films espléndidos como los "Soñadores" de Bertolucci o "Y tu mamá también" del gran Cuarón), sobre la carga de un padre que nunca ejerció como tal, sobre las drogas y de su efecto nostálgico pero vital para seguir caminando por una ardua vida, sobre los problemas de Argentina... (tema muy recurrente en el cine argentino)
Sobre tantas cosas...
"Martín (Hache)" es una lograda reflexión sobre la vida y lo que esperamos de ella, aún que no tengamos ideas claras sobre eso, como le ocurre al personaje de Juan Diego Botto.
Como en cualquier film argentino, todos los actores están estupendos. Desde el maestro Luppi, hasta el joven Botto. Y, entremedias, una Cecilia Roth brillante y un Eusebio Poncela en estado de gracia.
Las películas de Aristarain nunca me han marcado de forma ostensible, pero siempre pienso que algo cambia dentro de mí, algo imperceptible.
Quizá sea en mi mi visión sobre el hombre. En mi visión sobre la vida.