A lo largo de un año, con el estudio Ghibli metido en plena faena de realización de las últimas películas de Hayao Miyazaki y de Isao Takahata, la directora Mami Sunada tuvo la oportunidad (y la suerte) de poder rodar con cierta libertad parte del trabajo que se realizaba por entonces en el estudio. Con todo el metraje rodado, Sunada ha montado un documental más que interesante en general y especialmente querido de forma particular. Sunada narra la historia de la realización de la última película de Miyazaki, “Kaze tachinu” (El viento se levanta, 2013) desde la admiración por la persona, la admiración por el maestro. Es este el aspecto que me es particularmente preferido de este documental, porque mi admiración por las tres personas que muestra el póster es infinita, me es imposible reflejar el agradecimiento personal por poder disfrutar y dejarme influenciar por el trabajo que han realizado a lo largo de su vida.

Aparte de la admiración, el documental resulta muy interesante porque muestra, entre opiniones personales de Miyazaki y entre detalles de su vida cotidiana, parte del proceso creador de su última y más personal película. Especialmente elaborando el storyboard de “Kaze tachinu” o la elección de Hideaki Anno (Neon Genesis Evangelion) como seiyu principal. Es importante mencionar que es muy conveniente ver este documental después de ver la película de Miyazaki, y no antes, pues se muestra algún que otro importante spoiler.

Tampoco elude el documental el estado de las relaciones entre Miyazaki y Takahata en ese preciso momento, dos genios que no habrían estado juntos mucho tiempo en Ghibli si no fuera por la grandísima labor del tercero en discordia, el productor Toshio Suzuki que desde luego se nos muestra como verdadero alma mater del estudio, que ha sabido canalizar la labor de estos dos genios hacia la producción de verdaderas obras de arte. En realidad Takahata aparece en el documental solo a partir del material de archivo porque su aparición ex profeso parece algo forzada. Eso sí, su sombra sí que está muy presente a lo largo de todo del metraje. Y es una pena, porque si Miyazaki ha realizado una película inolvidable, Takahata ha conseguido, con la que se nos muestra como su última película “Kaguya Hime”, una obra maestra.

Menudo peliculón se ha marcado Han Jun-hee en su debut como director, parece como si llevara rodando películas toda la vida y solo tiene treinta años.
Coin Locker Girl es un thriller brillante que narra con un ritmo que no decae en sus dos horas, la historia de una "familia" prestamista-mafiosa en Corea del Sur. Se sustenta en una historia brillante y sobre todo en la interpretación de sus dos protagonistas femeninas, Hye-su Kim como "Madre", la jefa del clan y una jovencísima e increible Kim Go-Eun.
Pero, además de las actrices, también se sustenta en la habilidad del director para mostrarnos los bajos fondos coreanos. Duro, sin concesiones, sin necesidad de mostrar lo más truculento pero con una violencia más que creible. Desde luego, en el terreno del thriller, el cine Coreano lleva bastantes años dando productos que están muy por encima de lo que ofrece el cine americano de masas.
Han Jun-hee pasa a ser un nuevo director al que seguir sus pasos a partir de ahora.

En el año 2006 Max Brooks escribió una gran novela sobre una imaginada guerra mundial contra zombis, Guerra Mundial Z. Tal fue su éxito que en el 2013 Marc Foster llevó su “adaptación” a la gran pantalla de la mano de Brad Pitt. No tuvieron ningún reparo en titular la película igual que la novela cuando se puede decir que casi no tienen nada que ver.
La película de Marc Foster es poco más o menos que un desastre. Su pecado: intentar abarcar todo lo que quiso escribir Brooks cuando Guerra Mundial Z es novela de imposible película, es más bien novela para adaptar en un formato seriado. Mucho más acertado ha estado Yeon Sang-ho con Train to Busan, un peliculón que te hace pensar que la adaptación de Guerra Mundial Z tenía haber tirado por este camino.
Es como si Yeon Sang-ho hubiera tomado uno de los escenarios que se cuentan en la novela (aunque en realidad no está en ella) y hubiera adaptado dicho escenario, su historia completa, a una película, sin abarcar nada más. Y el resultado ha sido muy bueno (y ya van ¡¡dos buenas películas coreanas con trenes!!).
En el apartado técnico poco se puede objetar, las transformaciones en zombis están más que bien hechas y las escenas con efectos cantan muy poco. Yeon Sang-ho rueda con buena mano y pronto entra en ritmo pues no se detiene mucho tiempo presentando los personajes, pronto pasa a la acción y la película coge un ritmo que hace que se pase volando. Peca, eso sí, de alargar algunas escenas de tensión crítica y de montarlas en paralelo de manera que, cuando finalmente resuelve una de ellas, tiene que volver a la que queda pendiente que te resulta como alejada en el tiempo. Es el problema de dividir a los personajes. No obstante Yeon Sang-ho no inventa ni se saca cosas de la manga, siempre tiene a sus personajes bien localizados sin necesidad de recurrir a la elipsis más que en algún caso que, por otra parte, no tiene otro sentido que alargar un poco más la película.
Hay que recordar que, al menos que yo sepa, es la primera película con imagen real de Yeon Sang-ho pues sus dos anteriores largometrajes, "The King of Pigs" (2011) y "The Fake" (2013) son películas animadas. Director muy pesimista en estas películas, duro y que ofrece pocas concesiones al espectador, Yeon Sang-ho está muy centrado en sacar a la luz las miserias y lo peor que hay dentro del ser humano. Y se puede decir que en Train to Busan también hay mucho de este carácter. Eso sí, las historias extremadamente crudas y violentas de sus películas animadas no se ven favorecidas por el estilo de animación que utiliza, circunstancia que se ha visto perfectamente superada en su paso a la imagen real. Ahora bien, aunque este cambio a la imagen real también ha ido acompañado con un giro radical de temática, de contar historias sobre la vida real a contar una historia de zombis, el carácter poco condescendiente del director para con sus personajes es más que patente. Y también el carácter alegórico de estos personajes y la “mala leche” que tiene el director para con el periplo vital de alguno de ellos y las consecuencias de sus acciones.
Con una animación algo más cuidada, aunque con los mismos defectos por lo que se puede ver en el tráiler, Yeon Sang-ho, también ha estrenado este año otra película de zombis que parece un complemento de Train to Busan. Viene a ser como otra historia enmarcada en esta guerra zombi que habrá que visitar.

Little Forest (2018)
Dir. Yim Soon-rye

Entre el año 2002 y el año 2005 Daisuke Igarashi publicó un pequeño manga no excesivamente renombrado por estos lares que constaba de dos volúmenes, “Little Forest” (Ritoru Foresuto). Se trataba de representar la relación de una joven con la naturaleza y con la vida autosuficiente después de ser abruptamente abandonada por su madre. Es un manga englobado en el género “recuentos de la vida” (Slice of life). El manga fue adaptado a la gran pantalla por el director japonés Junichi Mori en dos películas (Verano-Otoño, 2014 e Invierno-Primavera, 2015). Es un cine diferente, cuasi documental, recomendable.

Ahora, en 2018, el director coreano Yim Soon-rye retoma la historia y nos ofrece una única película con los mismos capítulos, empezando en invierno. Todo es mucho más corto porque incluso la película no llega a las dos horas como ocurre con cada una de las japonesas. Ciertamente hay diferencia entre ambos productos para una misma historia. Aquí hay más personajes, más diálogo, más interés en querer contar las circunstancias de la protagonista, de sus amigos y de su propia madre. Todo esto también está en las películas japonesas, pero mucho más diluido porque la pretensión es otra. Cuando se presenta la primavera, y en algunos momentos más sí que se puede ver también un poco, pero la vida autosuficiente en el medio rural no es el camino que se desea emprender aquí. La historia es igual se sencilla, pero interesa mucho más el lado humano de la misma.

Sigue siendo un cine un poco diferente, no tanto como las películas japonesas. Lo mejor es el aspecto culinario, aquí especialmente vegetariano para mi gusto, apetecible en cualquier caso.

Más de un lustro llevaba Kenji Kamiyama enfrascado en la adaptación/ampliación animada de la línea de tiempo del manga Cyborg 009 de Shōtarō Ishinomori. En el año 2012 estrenó “009 Re:Cyborg”, un largometraje que resultó interesante a secas, y después siguió con la serie de televisión “Cyborg 009: En nombre de la justicia” (2016). Un tanto disperso me ha parecido Kamiyama en sus últimos trabajos, sobre todo desde el segundo largometraje de “Eden of the East” (2010) aunque, desde luego, la calidad técnica de cualquiera de los trabajos que ha realizado Kamiyama es siempre innegable. Parece que va a volver al universo de Ghost in the Shell en este año 2018 con una serie de televisión, circunstancia que hay que celebrar por todo lo alto porque si en algo es importante el buen hacer de Kamiyama es, precisamente, en el desarrollo del universo de GITS a través de la totalmente imprescindible serie Stand Alone Complex (2002-2005) y de su cierre en Solid State Society (2006). Y, ya puestos con este repaso, no se debería dejar sin mencionar otra maravilla de serie que es “Seirei no Moribito” (Moribito, guardián del Espíritu Sagrado) que realizó en el año 2007.

El universo de Cyborg 009 queda atrás y “Ancien y el mundo mágico” (Hirune Hime: Shiranai Watashi no Monogatari, 2017) es el último largometraje de Kamiyama. Un trabajo que no solo dirige sino que también guioniza, circunstancia que viene siendo habitual en el director japonés. El resultado es otra vez, en mi opinión, solo interesante. Una película entretenida aunque de Kamiyama esperaba más sobre todo por la importancia en la dirección de sus primeros trabajos. La película vuelve a ser una muestra de la dispersión que el director viene mostrando últimamente. Es una historia que vas construyendo con lo que se va contando a través de lo que aparentemente son, al principio, dos mundos paralelos pero que luego se muestran como el mundo real y el mundo de las ensoñaciones de la protagonista, Kokone. Ensoñaciones que tienen un motivo. Envolver la historia del mundo real con el uso de la tecnología de la comunicación, algo en lo que Kamiyama se desenvuelve como pez en el agua; plantar un mundo de fantasía altamente tecnificado pero con estética del siglo XIX, además con la presencia de la magia, un kaiju, mechas,…., parece demasiado. La película tiene buenos momentos, interesa al principio por la parte de la realidad, la presentación de los personajes y sus vidas en la ciudad de Okayama. También interesa al final cuando visualmente da lo mejor, pero en su parte intermedia se llega a hacer un tanto pesada porque da la sensación de que no hay una definición clara entre los dos mundos, llega un momento en que casi da igual. Este problema también lo tuvo el trabajo anterior de Kamiyama, “009 Re:Cyborg”, donde los personajes se perdían en unas disquisiciones filosóficas que aburrían al más pintado. En “Ancien y el mundo mágico” casi no hay filosofía, pero también aburre un poco cuando está a medio camino. Es un problema de guion, o de la adaptación del mismo de la novela ligera que escribió el propio Kamiyama.

Lo que no se puede negar a “Ancien y el mundo mágico” es la calidad de la animación. El realismo de los fondos urbanos es marca de la casa, admirable especialmente cuando se ven calles, puentes o edificios reconocibles de Tokio. La animación en las espectaculares escenas finales, la concepción artística de las mismas,… son detalles importantes que compensan en cierto modo las carencias del film. Visualmente la película tiene muy pocos reproches, como tampoco los puede tener en la banda sonora a cargo de Yôko Shimomura.