Guillermo Vilas ha sido siempre para mí motivo de admiración. Algunos recién llegados al mundo del tenis lo consideran demasiado soberbio y fanfarrón. Para mí, su forma de hablar es propia de alguien que nació, vivió, luchó y dejó hasta las tripas por ser el mejor en lo que es su pasión, el tenis. No sólo lo hizo, sino que logró records impresionantes como aquella seguidilla de más de cincuenta partidos sin perder que sólo se cortara, maliciosamente, contra un jugador que usaba un doble encordado que luego se prohibió. Quiero decir que Vilas puede resultar soberbio pero tiene de qué jactarse. La mayor sorpresa del documental es que haya llegado a Numero 1 a fines de 1975 y comienzos de 1976. Y digo esto porque fué 1977 el año en que logró el record no superado hasta hoy de 16 torneos en un sólo año. Algunos pretenderán decir que no eran torneos tan importantes y por eso no le permitieron llegar al No.1. Les contesto: de esos 16 torneos, 2 fueron títulos de Grand Slam (US Open y Roland Garros) y otro final de Grand Slam (Australia). Frente a este palmarés que el Chino Ríos que nunca ganó un Grand Slam haya sido número 1 realmente parece una broma de mal gusto y deja muy mal parada a la ATP. Al documental noto que le cuesta arrancar. Su primera mitad es reiterativa. La segunda mitad es muy buena y me emocionó. Que su máximo rival (Bjorn Borg) diga que fué el mejor ese año y mereció el No.1 es muy importante. Felicitaciones querido Willy y espero que ahora que estás sufriendo esta triste enfermedad, la ATP se decida a enmendar su error y reconozca que lograste algo por lo que diste tu vida.

Inexplicablemente, salvo en el blog "Esculpiendo el Tiempo", no he visto nunca mencionada esta película en ningún libro o listado de las mejores películas de la historia, ni siquiera del cine norteamericano. Esto me parece increíble porque advierto que estamos ante una auténtica obra maestra. La dirección de Walsh es magistral: tiene un pulso narrativo de gran continuidad, con una precisa combinación de escenas de acción con números musicales, con secuencias semi-documentales de gran calado como las que presentan lo que fué la "Ley Seca" y la que detalla como fué la "Gran Depresión de 1929". En este rubro, considero que Walsh está casi a la altura de lo que lograría 33 años más tarde Coppola con "El Padrino". El guión es preciso, ocurrente y lleno de comentarios irónicos que permiten un lucimiento enorme de los grandes protagonistas que son esa dupla inolvidable que conformaron en pantalla Cagney y Bogart (el que coincida no se pierda "Angels with dirty faces" dirigida por Michael Curtiz). Habiendo hablado de los protagonistas es necesario destacar el rico desarrollo de los secundarios entre los que sobresalen primero Gladys George y luego Frank McHugh (Danny). El montaje es impecable. Los picados y contrapicados están introducidos casi con la misma maestría que lo hizo luego Welles en "El ciudadano". Los números musicales son tres o cuatro canciones muy pegadizas interpretadas de manera muy atractiva por una compradora Priscilla Lane. En fin, no tengo duda alguna que estamos ante una de las 15 mejores películas de gangsters de la historia.

No tenía referencia alguna sobre esta película. La encontré en Netflix y me dije: Mark Sandrich dirigió nada menos que 5 de las 10 películas de Astaire y Rogers, entre ellas dos de las mejores: "Sombrero de Copa" y "La Alegre Divorciada". Bing Crosby fué uno de los mejores cantantes del cine con una voz inconfundible. Astaire fué considerado nada menos que por Nureyev el mejor bailarín del siglo XX. Sumado a la música de Irving Berlin: esta película no puede fallar. Y, efectivamente, no falla. Astaire está en su mejor momento. Las desconocidas para mí Reynolds y Dale no desentonan. Pero lo que más disfruté fue Crosby a dúo con Reynolds cantando "White Christmas" e "Easter Parade": Imperdible. Para los seguidores de la comedia musical, no quedarán defraudados. Para los seguidores de Astaire y Crosby: Imprescindible.

Acabo de ver por segunda vez "The third man" y le subo la nota de 7 a 9. ¿ Qué ocurrió para este cambio ? Sinceramente creo que la primera vez la fama era tan grande que esperaba más y además la ví un poco cansado. Ahora la disfruté minuto a minuto. La atmósfera creada en la Viena de posguerra me pareció alucinante. Esa sensación de precariedad, de abandono, de inseguridad. Pocas películas en blanco y negro me hacen sentir como ésta que no extraño para nada el color. La música me pareció buenísima y a medida. La fotografía de las mejores que he visto en blanco y negro. El montaje, los planos oblicuos, los picados y contrapicados muy logrados. Las actuaciones de los cuatro protagonistas. El guión de Graham Greene. Por último la dirección de un Carol Reed absolutamente inspirado. En fin, no hay duda que se produjo una feliz coincidencia para que se conjugaran tantos factores de excepción que nos regalaron esta auténtica obra maestra. Nominada al Oscar como mejor director, montaje y fotografía, ganó sólo este último en el año en que "All About Eve" se llevó las principales estatuillas compitiendo palmo a palmo con la inolvidable "Sunset Boulevard".

Esta entretenida película es un claro ejemplo de cuando Hollywood decidía poner a trabajar de manera conjunta a la excelencia en cada uno de los rubros que componen una película: 1) En la dirección el siempre solvente en todos los géneros Howard Hawks (Scarface; Luna Nueva; Río Rojo; Río Bravo); en el guión dos genios que antes y después nos legarían verdaderas joyas como los guiones de Ninotchka, Días sin huella, y sobre todo Sunset Boulevard: Charles Brackett y el creador de una de las mejores comedias de la historia (Con faldas y a lo loco): Billy Wilder; en la fotografía el maestro Gregg Toland que descollaría luego en Citizen Kane; en la música Alfred Newman (9 veces ganador del Oscar); en el vestuario de Bárbara Stanwick la 8 veces ganadora del Oscar Edith Head que luego vestiría a Audrey Hepburn en Vacaciones en Roma y Sabrina y a Kim Novak en Vértigo; en la actuación el dos veces ganador del Oscar Gary Cooper acompañado por secundarios de lujo como Oskar Homolka, Henry Travers y sobre todo los siempre magnéticos Dana Andrews y Dan Duryea (el malo de películas tan famosas como Winchester 73 y Perversidad). Párrafo aparte para la que se roba la película: la injustamente olvidada por el Oscar Bárbara Stanwyck que desarrolla a lo largo del film todas las vertientes posibles de la actuación desde el desenfado, la frialdad y la mujer calculadora hasta pasar por la consternación y la sensibilidad. Como se puede advertir, estamos ante un raro caso de una confluencia de verdaderos maestros en todos los rubros lo que hizo que una comedia que podría haber desbarrancado por su indudable inverosimilitud, termina divirtiendo en todo momento y asegura una buena dosis de ese cine de antes con auténtico sabor a clásico.