Cuando uno visualiza un filme como Cake teniendo como referencia otro filmes de Aniston como "Mi Novia Polly" o "Quiero Matar a Mi Jefe", lo primero que se nos viene a la mente es la duda existencial de porqué la insistencia de la ex de Pitt por protagonizar pura comedia boba cuando tiene capacidad histriónica para cargar ella sola con un personaje de alta carga dramática como en "Cake"

Y es que este filme está al servicio de la actriz de Friends, quien increíblemente logra desprenderse de su iconico personaje de Rachel y que nos asombremos de su talento Interpretarico en varias escenas. Independientemente que la película sea un vehículo para el lucimiento de Jennifer, cuenta una historia que tiene uno que otro punto encantador y que brinda algún inteligente o carismático diálogo dentro de su desarrollo, sin embargo es una Historis que en ningún momento logra despertar la emoción del público tal y como lo hace Jennifer Aniston, cuyo personaje tampoco está bien construido, algo reprochable en una película que sostiene su historia en la catarsis del personaje.

Independiente que hay escenas emocionales y destacables, están son contadas y se terminan diluyendo en una trama plana que no termina de despegar, pero que entretiene lo suficiente cuando se está visializando. A pesar de que Jennifer se luce, a su lado brilla con luz propia una encantadora Adriana Barraza (la química de su personaje con el de la protagonista es uno de los pocos puntos fuertes del filme)y una muy correcta Anna Kendrick. Lástima por el desperdiciado matrimonio conformado por Felicity Huffman y William H Macy, que poco puede hacer con tan desaprovechados personajes, por lo que su participación es meramente testimonial.

Otra duda existencial que asalta al espectador mientras ve "Cake" es qué estaba pensando La Academia al no nominar a Jennifer en la categoría de Mejor Actriz cuando se trata de una de las mejores interpretaciones del año.. Se justifica su ausencia en el sentido de que este año la categoría está muy reñida, aunque me hubiera gustado verla reconocida por dejar atrás su personaje de Rachel, tal y como lo hizo también este año Reese Whiterspoon por "Wild" quien sí logró la nominación al Oscar

A Alejandro Gonzáles Iñarritu le cuesta reírse en sus películas, eso ha quedado claro a lo largo de su filmografía. Desde Amores Perros, pasando por las desgarradoras 21 Gramos y Babel, hasta llegar a Biutiful; el cineasta ha demostrado un poderoso dominio del género dramático, puesto que los personajes de sus historias suelen estar marcados por la tragedia y la desgracia llama a la puerta en sus vidas. Por tal razón, hace unos años una comedia de la mano de este director se percibía más ficticio que un Oscar para Matthew McCounaghey (increíblemente ambas cosas se terminaron volviendo realidad).

Con "Birdman"; el director mexicano sorprende logrando un filme que invita constantemente a la carcajada, pero sin hacer a un lado este tono deprimente que caracteriza a sus películas y sin deshacerse de aquellos personajes que poseen una carga emocional que se desborda conforme avanza el metraje.

"Birdman" es una comedia, claro está, pero no es una típica comedia al uso, se trata de una mordaz sátira que critica despiadadamente el mundo de la farándula y el cine comercial que ha provocado que el público confunda la forma con el fondo. A su vez, Iñarritu aprovecha para vapulearse a sí mismo por sus anteriores filmes que claramente tenían pretensiones de ir en pos de los premios más reconocidos del cine (en parte éste también, pero la misma película no se toma en serio en varios momentos) y se deshace de ese caótico modo de contar historias en desorden, apostando por contar una historia bastante lineal, pero cargada de ricos matices.

Nada en Birdman sucede por accidente, por lo que no es casualidad que sea Michael Keaton el que interprete al protagonistas de la cinta: un veterano actor llamado Riggan, cuya carrera se viera estancada tras interpretar a un popular superhéroe (recordemos que Keaton fue el Batman de Tim Burton) y que trata de resurgir protagonizado una ambiciosa puesta en escena en los escenarios de Broadway.

El punto fuerte de la película recae en su frenético ritmo y que en todo momento el público siente que es un espía tras bambalinas de dicho espectáculo, esto debido a que el director utiliza planos-secuencia de larga duración, de modo que la audiencia perciba que todo suceda en una misma toma...como si se encontrará caminando al lado del protagonista en todo momento. Así mismo, el reparto aporta una gran gama de colores a la trama, pues cada uno de los secundarios tiene algo que aportar a la historia y ninguno sale sobrando; destacando a las geniales Naomi Watts y Emma Stone, pero sobretodo a Edward Norton y Michael Keaton, quien en este filme se sacuden las malas decisiones del pasado y demuestran que están listos para retomar su carrera en el punto más alto.

Claro que no todo es risa en el nuevo filme del mexicano, puesto que la trama disecciona de manera burlona la crisis existencial en la que se puede sumergir el ser humano una vez que ha perdido el rumbo, de modo que que se podría sugerir que Iñarritu no abandona los temas que tanto le apasionan, sino que se ríe de ellos mientras guiña el ojo maliciosamente al espectador como si quisiera decirle que ni siquiera la comedia más negra es inmune a la tragedia.

Aunque aún faltan unos cuantos días para dar inicio a la temporada de premios, hay que tener este título muy presente si es que desean que las quinielas para el Oscar sean acertadas, pues todo parece indicar que tanto Iñarritu como este filme competirán tanto para la categoría de Mejor Director y Película respectivamente. Michael Keaton ya tiene asegurada su nominación como Mejor Actor (recordemos que a La Academia le encantan los comebacks; y el regreso de Keaton es tan significativo como lo fue el resurgimiento de Mickey Rourke en 2009 por "El Luchador") y es difícil que se resistan a postular a un tan trabajado guion con el que el director se convierte en el arquitecto de una ejemplar obra de arte moderna.

Víctor López Velarde Santibáñez

"Si tu valor te rehuye, supera tu valor"

La anterior es una de las tantas frases que expresan el sentir de la protagonista al momento de decidir embarcarse en una travesía que hará del público su más íntimo y leal cómplice, al lograr una experiencia incluyente para la audiencia en donde la larga duración se percibe como un parpadeo debido a lo amena que resulta la experiencia.

"Wild" es un título que describe el espíritu de esta película que sin duda es un acierto para empezar un año cinematográfico con el pie derecho. Tras cautivarnos con "El Club de los Desahuciados" y exprimir el talento de los actores protagonistas llevándoles a ganar sendos Oscares, el director Jean-Marc Vallé vuelve a hechizarnos con su talento narrativo y vuelve a arrancar una explosiva interpretación de su protagonista, esta vez de una sublime Reese Whiterspoon que probablemente no gane el Óscar como lo hizo Matthew McCoungahey (aunque debería, sólo se justifica por el hecho de que este año compite contra Julianne Moore, a quién le deben la estatuilla desde hace varios años).

De entrada es aplaudirle la labor de Vallé al conseguir una película sumamente entretenida a pesar de que se centra básicamente en un sólo personaje y que narra una travesía que únicamente relata la caminata de la protagonista, apoyándose de flashbacks como único recurso narrativo para darnos a conocer el tormentoso pasado del personaje.

Tal y como Danny Boyle logró mantener atento a la audiencia en "127 horas"en una historia que prácticamente se trataba del monólogo de James Franco, Jean Marc tomó nota y hace que la travesía de Whiterspoon sea vibrante en vez de caer en lo lineal y repetitivo, algo en lo que pudo haber caído fácilmente de no ser por un exquisito guión que a la vez deja frases para analizar y reflexionar una vez terminada la cinta.

La película se destaca porque empieza con fuerza, abriendo la función con un estremecedor grito de la desgastada protagonista, una mujer llamada Cheryl que decide caminar varios kilómetros con el fin de superar su adicción a las drogas, un aborto y la muerte de su madre. A partir de ahí, el director deja en claro que la película es precisamente como ese desolador alarido y que las escenas desgarradoras estarán a la orden del día dado que son parte de la expiación y catarsis del personaje.

Desde el inicio hasta el desenlace, el director rompe cualquier barrera con el público y lo convierte en el compañero de viaje de Cheryl, dado que la llegamos a percibir como si fuera una íntima amiga a quien llegamos a conocer profundamente. El cansancio del personaje pasa a ser nuestro cansancio y nuestros labios se empiezan a sentir resecos cuando ella padece sed. Es loable también que a pesar de lo dura y cruda que puede resultar la historia, el guión incluye unos muy bien insertados golpes de humor que se perciben naturales y para nada forzados, logrando arrancar la sonrisa del público en medio de las lágrimas. Uno de los escasos defectos de la película es que en contados momentos se percibe algo repetitiva y que algunos aspectos del pasado del personaje de gran interés son abordados de manera bastante sutil sin ser exprimidos a pesar de que se trataba de una material sumamente atractivo.

Un párrafo aparté merece la protagonista Reese Witherspoon, quien dejando atrás su periodo de triángulos amorosos y comedias románticas, logra un trabajo excepcional superando aquella excelente actuación que le diera el Óscar en 2006 por "Walk The Line". La rubia de ojos azules se desprende de todo glamour y de su personaje de "Legally Blonde" de una vez por todas, pues es en parte responsable de la magia del filme, dado que ella es el 80% de la película. A su lado, Laura Dern realiza también una destacada interpretación como la madre de Cheryl. En lo personal, pienso que lo justo sería que se repitiera un empate tal y como en el año que Katherine Hephburn y Barbra Streissa fueran reconocidas con el Óscar a la Mejor Actriz; y aunque un empate entre Julianne Moore (también magnífica en "Still Alice") y Reese Whiterspoon se percibe complicado, esa sería la forma más justa de otorgar el premio este año.

"Wild" es una recomendable película para abrir el año, en el que una exquisita banda sonora ilustra ese caminar que, al igual que Cheryl, tenemos que atravesar a lo largo de los 365 días del año.

La historia de cómo fue llevada la novela de Mary Poppins a la gran pantalla ha sido siempre una de las anécdotas más llamativas de la historia del cine, además de seguramente haberse tratado de una de las más complicadas odiseas a las que Walt Disney tuvo que enfrentarse a lo largo de su vida.

Se dice que el creador del ratón más famoso de Hollywood estuvo suplicándole a P.L Travers (autora de Mary Poppins) durante 20 años los derecho de su más exitosa novela debido a una promesa que le hizo a su hija, de realizar una adaptación de dicho libro al cine.

"Saving Mr.Banks" no cuenta precisamente la historia de la filmación de dicho clásico, sino más bien la cruzada entre el talento creativo de Walt Disney y el estricto temperamento de P.L Travers para conseguir los derechos de la novela y poder adaptarla a la pantalla grande.

Para empezar; es acertado el hecho de que no se trata de un biopic ni de Travers ni de Disney, sino más bien un filme que relata un evento específico en la vida de ambos, aunque se añaden unos flashbacks en los que se aborda eventos de la infancia de la escritora australiana a modo que podamos comprender su "frío" comportamiento.

Esta película funciona muy bien para todo aquel que en su infancia disfrutó de ese clásico infantil (una de las pocas películas de la factoría Disney que es capaz de hechizar también a los adultos), pues lo podemos concebir como un "making-off" dramatizado, en el que somos testigos del porceso de cocción del guión y de las inmortales canciones compuestas por los "Hermanos Sherman". Las personas que disfruten de los filmes de "cine dentro del cine" igual se sentirán atraídos a esta propuesta.

El filme cojea en el aspecto de que por momentos suele ser sumamente frío e incapaz de despertar emociones o generar empatía con el personaje de Travers, a pesar de los numeros flasbacks, los cuales salvo en contadas ocasiones, apenas y consiguen penetrar en el alma del público. Realmente los momentos entreñables tienen que ver con las escenas en las que se entonan las canciones de la película, aunque esto sería en realidad más mérito de "Mary Poppins" que de "Al Encuentro del Señor Banks.". Hay que reonocer que algunas escenas que comparten Travers y Disney son verdaderamente divertidas, pero son momentos aislados dentro de todo el conjunto.

Lo que se reconoce es que el filme evita en todo momento caer en lo cursi o en la lágrima gratuita y los momentos conmovedores están muy bien llevados y muy bien distribuidos a lo largo de la cinta.

De igual modo, esta cinta no cae en lo rutinario gracias a las interpretaciones de un reparto en estaod de gracia. Tom Hanks (como Walt Disney), así como Paul Giamatti y Jason Schwartzman cumplen gratamente como secundarios, pero el alma del la cinta es la calculada y a la vez entrañable interpretación de una Emma Thompson en estado gracia. Cualquier premio o nominación para esta grandios actriz estará más que merecido por su labor en esta película. Por otra parte; en un papel menor, pero de igual forma contundente, Colin Farrel hace un estupendo labor que desafortunadamente seguro pasará indadvertido en la próxima temporada de premiaciones.

En una nota más personal; después de haber leído la novela de "Mary Poppins", entiendo a la perfección a P.L Travers su deseo de negarle a Walt Disney los derechos de las posteriores entregas de dicha novela, pues realmente el guión de la película es muy diferente a la escencia de la historia original, tomando tan sólo la base de ésta para dar pie al argumento de la película. En parte es decepcionante como por momento en "Saving Mr. Banks" se le da un trato de antogónica a P.L Travers (aunque trata de justificar sus acciones con los flashbacks) cuando en realidad ella sólo estaba tratando de defender un personaje que Disney caricaturizó al máximo. Claro está, como película, Mary Poppins es una joya del cine musical y familiar, pero como adaptación se aleja mucho de la escencia de la Mary Poppins de Traver.

Víctor López Velarde Santibáñez-
@VictorVSant

Las películas corales, o bien de historias entrecruzadas, se enfrentan al reto de ofrecer un discurso o contar una historia a partir de diferentes personajes y tramas que dan voz a ese mensaje que el filme pretende ofrecer.

Tentativamente; en un largometraje de esta naturaleza, las historias involucradas deben de retroalimentarse y sin que una sobresalga más que las demás (aunque en ocasiones hay una trama que viene funcionando como el motor), deben dar como resultado una conclusión redonda que cierre coherentemente el conjunto de argumentos desarrollados.

Han existido excelentes ejemplos de cómo entrelazar tramas que normalmente giran sobre un determinado tema; tales como 21 Gramos o Traffic, la primera ofreciendo un profundo ensayo sobre la redención y la segunda una descarada denuncia al mundo de las drogas.

También hay ejemplos de filmes corales en los que si bien no se desarrollan las historias a partir de un tema en específico, éstas se terminan impulsando unas otras, de manera que la unión de todos ellas funciona como el cimiento que construye el guión. Magnolia y Cloud Atlas son un buen referente de lo anteriormente afirmado.

360 edifica su trama a partir del tema de la infidelidad y la frustración sexual. Lo que se puede afirmar después de haber visionado el largometraje, es que si bien como producto se trata de un trabajo más que aceptable e incluso entretenido, el resultado no termina de hacer del público un cómplice de la trama.

Es un filme que se deja ver y es incluso llevadero, sin embargo, tampoco es una producción que vaya dirigida a las grandes masas. Es difícil que sea disfrutado por un espectador que espera un blockbuster y de igual manera, los que busquen un trabajo cuidadosamente elaborado y profundo, tampoco será el filme que los sacará del aburrimiento. Es a fin de cuentas un filme disfrutable, pero olvidable; y aparentemente eso lo percibían los actores involucrados, que se pasean por la pantalla sin verse totalmente convencidos de qué tan vital es su aportación para el producto.

Después de haber alcanzado el reconocimiento en Hollywood con Ciudad de Dios y El Jardinero Fiel, Fernando Meirelles tuvo un ligero tropezón con Ceguera; título que se vio un tanto vapuleado por la crítica. Desafortunadamente 360 no le permite reivindicarse ante el panorama Hollywoodenze, a pesar de la seriedad con la que firma el trabajo.

El principal problema es que a pesar de que Meireilles procura ofrecer un trabajo meramente formal; en ocasiones se nota que dirige con un estilo muy personal, pero en otras ocasiones pareciera que trata que su obra agrade al público en general tirando al cine palomitero, cuando es claro que es un producto destinado a un público con paladares más exigentes, a los cuales tampoco termina satisfaciendo al 100%.

Los guiones de películas corales deben ser los suficientemente ágiles para darle dinamismo al argumento y que éste no se quede estancada en un mismo punto. En el caso de 360 no se percibe dicha agilidad, por lo cual el guión tiende a darle vueltas y vueltas a un mismo punto sin lograr romper con la monotonía en la que se sumerge la trama en determinado punto.

A diferencia de otros filmes de historias corales, 360 consigue quizás un estilo más propio de converger sus sub-tramas. Tomemos como ejemplo a las anteriormente citadas Traffic y Magnolia. En dichas películas, todas las tramas involucradas van y vienen además de entrecruzarse en múltiples ocasiones. De ese modo, se pasa de una historia a la otra en cuestión de segundos, incluso a veces se pasa de una escena a otra en un simple parpadeo. Dicha jugada permite darle dicho dinamismo al guión, aunque ya es una estrategia un tanto trillada.

En 360 se opta por un método un tanto más creativo, pero que sumerge en una cierta lentitud al argumento. En este filme no vamos de una historia a otra, sino que el director prefiere que nos estacionemos en una sola y después de haberla desarrollado en casi toda su totalidad, pasa a la siguiente. Lo que tienen en común además de la temática de la frustración sexual es que dos historias comparten al menos a un personaje, siendo éste el tercero en discordia o el infiel de la relación. Claro que hay una o dos tramas algo sueltas, pero que terminan conectando con otra y afectando levemente el desarrollo de ambas.

Es correcto decir que la historia avanza de forma cíclica, pues el personaje de la primera historia, prácticamente viene apareciendo en la última para así cerrar el círculo abierto. El problema está en que al sumergirnos detenidamente en una historia hasta que Meireilles considere que ya es suficiente, el director aburre al público en algunas secuencias, pues algunas historias no están tan bien desarrolladas como otras.

La película arranca bien, sin embargo va sufriendo algunos altibajos con capítulos que no aportan mucho al conjunto. Tal es el caso de la parte a cargo de Jude Law y Rachel Weisz, cuya presencia es meramente testimonial al ser partes de una -o incluso podrían considerarse dos historias-bastante simples y que termina decepcionando al espectador en un precipitado desenlace.

Sorprende que al ser Jude Law y Rachel Weisz los rostros más conocidos del reparto (junto con Anthony Hopkins) se les haya ofrecido la historia más floja y corta-cuando en un inicio se hace creer al público que son los protagonistas- ya que su aparición en pantalla no excede los 15 minutos.
Sigo en spoiler por falta de espacio....