Fresas salvajes de Ingmar Bergman es una de las obras más nostálgicas y accesibles del director. Un tributo a la tercera edad, a la nostalgia por los tiempos pasados, a la energía de la juventud y al propio autoconocimiento que ofrece la experiencia, mostrado a través de las 24 horas que dura el viaje del profesor de Estocolmo a la Universidad de Lund. Una vida concentrada en un día, viaje de introspección en el que Isak Borg revive grandes recuerdos de infancia y juventud, momentos que han marcado su vida y las vidas de las personas que se han cruzado en su camino. Un viaje en el que se genera proximidad y conexión con auténticos desconocidos con los que se cruza durante el camino, y en el que descubre la distancia emocional existente con familiares a los que creía próximos. Road movie existencialista con algunos de los grandes dilemas que obsesionan a Bergman presentes en los recuerdos y reflexiones del protagonista: la fragilidad de la existencia, la muerte, lo efímero de los éxitos presentes y pasados. Destaca en su inicio una terrible pesadilla sufrida por Borg en tono surrealista y expresionista, con escenarios deformados, personajes sin rostro, relojes sin manillas y carros fantasmagóricos que cargan con féretros en los que la muerte nos llama. Imágenes dignas del mejor Robert Wiene o sacadas de la mente del mismísimo Salvador Dalí. La historia consigue ser profundamente emotiva sin caer en el sentimentalismo, y eso es gracias al acertado texto del director y a la inconmensurable interpretación de Victor Sjöström, en la última actuación de su carrera, esencia de testamento vital en el propio film en el que se mezcla personaje con actor y persona de forma encomiable. Obra iniciática al universo Bergmaniano en el que las fresas salvajes se usan como símbolo de la primavera de la vida, una época desbordante de pasión, ilusión y un profundo sentimiento de ingenua inmortalidad, tiempos que se rememoran cuando se abren paso los temores e incertidumbres que genera la vejez. Nominada al Óscar al mejor guion original y ganadora del Globo de Oro y el Oso de Oro, Fresas salvajes es sin ninguna duda, una de las mayores odas a la vida y a la tercera edad que se ha realizado en el séptimo arte.

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Tal y como sucede con la adaptación de 20.000 leguas de viaje submarino, en Viaje al centro de la Tierra nos encontramos con una película que basa su éxito en el espíritu explorador y aventurero del ser humano por adentrarse en los misterios más ocultos del mundo. Una nueva adaptación de una novela de Julio Verne, esta vez de la mano de Henry Levin, quien consigue realizar un nuevo clásico del cine de aventuras. Viaje al centro de la Tierra fue una producción muy ambiciosa, que contó con un presupuesto que superaba los tres millones de dólares y tal como se explica en la propia película, fue rodado en el Parque Nacional de las Cavernas de Carlsbad, en Nuevo México, ofreciendo un gran realismo en las escenas en las que el grupo de exploradores se adentra en territorio inhóspito en búsqueda del centro de la Tierra. James Mason vuelve a convertirse en protagonista de una historia de Verne, pasando del utópico y elegante capitán Nemo, al despistado y apasionado profesor Lindenbrook, y ofreciendo de nuevo una actuación impecable marca de la casa. Los efectos especiales funcionan a lo largo de todo el film, ofreciendo escenarios y situaciones de gran intensidad, y mostrando en los personajes protagonistas las marcas del cansancio y del paso del tiempo provocados por la larga travesía a la que se enfrentan. Ese paso del tiempo no acaba de ayudar a ciertos lagartos gigantes insertados con la técnica de la retroproyección, que en la actualidad resultan bastante toscos al verse pegados de forma brusca a la acción. Divertida, entrañable y con un aura de nostalgia del cine de antaño que no decepcionará si se entra con ojos hambrientos de aventuras. La película de Disney fue todo un éxito en la época, obtuvo tres nominaciones a los premios Óscar, dirección artística, efectos especiales y sonido.

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Robert Stevenson dirige Darby O’Gill y el Rey de los duendes, una película que gira entorno a las fabulas irlandesas, en concreto alrededor del Leprechaun, un tipo de duende que pertenece al folclore y mitología irlandesa. Walt Disney concibió la película durante un viaje a Irlanda en 1947, pero no fue hasta su segundo viaje al país, en 1956, cuando anunció la película que adaptaría la novela de Herminie Templeton Kavanagh. Albert Shape y Jimmy O’Dea son los protagonistas indiscutibles del film, interpretando al anciano y al rey de los duendes respectivamente. Cada vez es menos habitual ver a personas ancianas interpretando a personajes protagonistas, y Shape se recrea en su actuación con multitud de muecas y risas exacerbadas que encajan a la perfección con el personaje. La historia está plagada de canciones, buenos sentimientos, un romance gaélico y personajes malvados estereotipados, pero no consigue brillar como otros productos de Disney de la época. Los efectos especiales se mantienen a flote durante la mayoría de la película, brillando en los momentos en los que Darby interactúa con los duendes (recordando a los viajes de Gulliver o a Gandalf con los Hobbits). El principal problema del film es que no se deja suficiente espacio al personaje de O’Dea, ya que la historia se enriquece de sus divertidos momentos con Shape, y decae cuando desaparece de escena, algo que sucede durante un largo período en el último tramo. Sean Connery ofrece una actuación testimonial, pese a contar con momentos de lucimiento en los que se involucra en peleas o aparece cantando, no parece demasiado cómodo interpretando al joven fornido de campo que acaba de llegar al pequeño pueblo irlandés. En cambio, Janet Munro, con el principal personaje protagonista, consiguió el Globo de Oro a la nueva promesa femenina.

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20.000 leguas de viaje submarino es una de las obras más reconocidas del gran Julio Verne. Eso es debido gracias al propio mérito de la magnífica obra literaria, en la que el autor vuelve a indagar en espacios desconocidos e indómitos para el ser humano, consiguiendo despertar la imaginación de los lectores y permitiéndose licencias sobre los tesoros y horrores que esconde el fondo del mar. Al rememorar el viaje submarino narrado en el libro, forman parte del imaginario colectivo las potentes imágenes mostradas en la adaptación cinematográfica de Disney a manos de Richard Fleischer. El colorido aspecto que ofrece el technicolor y el cinemascope de la época, abraza la novela de Verne para ofrecer una de las mejores adaptaciones realizadas de una de sus obras. El film cuenta con una enorme producción, unos efectos especiales que aguantan de forma notable el paso del tiempo, y un excelente reparto al frente de la historia. James Mason encabeza el elenco de actores, encarnando al misterioso Capitán Nemo, un hombre de grandes modales, hostil e inteligente, que a través del Nautilus ha conseguido seguir sus utópicos valores. Acompañando a Mason tenemos a un enérgico Kirk Douglas, como el imparable arponero Ned Land, al eficiente Paul Lukas, como el profesor Pierre Aronnax, un hombre obsesionado con estudiar los secretos del fondo del mar, y al anecdótico Peter Lorre, quien ejerce de ayudante del profesor Pierre. Las oníricas escenas acuáticas, la estética retrofuturista del submarino, el enfrentamiento con gigantes criaturas marinas, el estratosférico encanto de Douglas, la encantadora foca… todo en 20.000 leguas de viaje submarino funciona a la perfección. La película transmite esa sensación de inocencia de otra época y del inabarcable espíritu aventurero de los tiempos de grandes descubrimientos. Uno de los grandes clásicos de la historia del cine, un entretenimiento para toda la familia que fue la ganadora indiscutible de dos premios Óscar, a la mejor dirección artística y a los mejores efectos especiales.

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La historia del arquero Robin Hood es conocida por todo el mundo debido al gran número de adaptaciones realizadas para serie y televisión. Russell Crowe, Kevin Costner, Sean Connery o Errol Flyn son algunos de los míticos actores que han encarnado al justiciero que roba el oro a los ricos para entregárselo a los pobres. Disney realizó en 1952 de manos del director Ken Annakin una película que ha pasado irremediablemente al olvido, siendo incluso más recordado por todos el film de animación de la propia Disney dirigido por Wolfgang Reitherman en 1973. El tono general de Los arqueros del rey es el de una historia de aventuras desenfadada, sin demasiadas pretensiones, en el que no se pretende en ningún momento darle demasiada profundidad a algunas de las tragedias que suceden, y en que la comicidad más inocente y amable aparece en la mayoría de las escenas y situaciones menos esperadas. Un energético Richard Todd es el encargado de dar vida al famoso arquero, un enamorado e ingenuo joven que se tendrá que enfrentar a constantes peligros en búsqueda de la justicia, la mano de Lady Marian y la recuperación de la corona por parte del rey Ricardo Corazón de León. Lo predecible de la historia y su desenlace, no oscurecen un entretenimiento familiar que cumple su cometido, aunque no logre trascender sobre muchas de las otras obras que se han inspirado en el personaje que reside en el bosque de Sherwood. Pese a que el paso del tiempo ha menguado el recuerdo de la película, fue una de las más populares en Gran Bretaña en 1952 y consiguió una recaudación en taquilla de casi 5 millones de dólares en los Estados Unidos.

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