Puede considerarse que esta "crítica" está llena de spoilers, pues es más una interpretación. Esta película merece ser interpretada, y eso implica que se cuenten distintos aspectos de la historia.

Antes que nada, que quede claro que “Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives” es una de las (si no la más) extrañas películas que jamás he visto. La reacción que encuentro en los usuarios de internet es una que nunca había visto. En Filmaffinity.com, la película ha recibido prácticamente la misma cantidad de 1s que de 10s. Y es que “Uncle Boonmee…” del impronunciable director tailandés Apichatpong Weerasethakul es, ante todo, una película difícil.

La ganadora este año de la Palme d’Or, el premio mayor en el festival de cine de Cannes, uno de los más prestigiosos del mundo, es, como la define Weerasethakul (a quienes los medios han bautizado, por economía de lenguaje, como “Joe”), una muestra de “open cinema”, cine abierto a todo tipo de interpretaciones, con ideas difusas y con una marea de símbolos y sucesos de la que el espectador puede sacar los elementos que considere relevantes para construir sus propios significados acerca del largometraje.

Eso hice yo. No lo relacioné, como lo han hecho ciertas personas, con la situación política de Tailandia (empezando porque no tengo conocimiento sobre el asunto) pero de eso se trata “Uncle Boonmee…”, de que cada quien enmarque en su propia mente lo que vio.

Yo vi en “Uncle Boonmee…” tres temas íntimamente ligados: la pérdida de la sacralidad que rodea las tradiciones tailandesas, una transformación en la relación con la naturaleza tan característica de quienes creen en la transmigración del alma y una desvalorización de lo propio en una sociedad que se está occidentalizando cada día más.

La pérdida de la sacralidad está impregnada en todo el largometraje e incluso podría argumentarse que la parte cómica de la película, con el mico-hombre que ha surgido de una espiritualidad de un humano que se ha encontrado con la naturaleza, se ha hecho intencionalmente para que el espectador en vez de admirar al personaje se ría de él. Pero tal vez donde se vea más claro es en una de las escenas finales, cuando un personaje que quiere ser monje entra a escondidas al cuarto de su mamá, se quita su túnica, se baña y se pone una camiseta, unos jeans y tenis, y sale a comer. El agua con el que se baña remueve su pasado, su religión, su pueblo y lo prepara para estar inmerso en otra realidad, la que está afuera del templo, donde la gente se come sus hamburguesas al lado de gasolinerías donde paran carros cada minuto.

En una Italia invernal, un asesino a sueldo y fabricante experto de armas, forzado a matar en las primeras imágenes de la película a una mujer a quien ha aprendido, si no a querer, a apreciar, decide retirarse del negocio. Sus sorprendentes habilidades en mecánica seguramente le darán para sobrevivir por la última mitad de su vida, así que, perseguido por unos enigmáticos suecos que buscan acabar por su vida, se adentrará en un pueblito en las montañas de Italia a construir una potente arma para vender a una comerciante internacional, un último trabajo en el que nadie saldrá herido, o eso cree él.

Por supuesto, nada de lo anterior es enunciado explícitamente en un largometraje que es bien llevado por diálogos cortos pero precisos y por tomas inteligentemente secuenciadas acompañadas de una de las bandas sonoras más pertinentes y memorables del año.

Después de su debut en blanco y negro con “Control” (2007), la historia del vocalista de Joy Division, el director holandés Anton Corbijn decide colorear su lente con los contrastantes tonos del invierno europeo, entre la luz del día que acerca a su protagonista a un cura que quiere redimirlo y lavarlo de una vida llena de pecados para empezar de nuevo, y una noche que le recuerda que no es más que un completo anónimo incapaz de establecer una relación que lo satisfaga.

Aunque para muchos la película de Corbijn más que entretener termina poniendo el “largo” en “largometraje”, esa aparente lentitud es necesaria para que intentemos asomarnos por las diminutas grietas de la armadura emocional de un abatido y hermético George Clooney, quien da una interpretación precisa para su personaje.

“The American” no es, como se había promocionado (ver trailer), una película de acción. Es más un acompañamiento a un hombre que se ha dado cuenta muy tarde de que su vida no le satisface. Y Anton Corbijn, quien ha evidentemente madurado desde “Control”, logra a la perfección contarnos ese trayecto, que terminará en una escena final inolvidable.

Tras el lanzamiento en EEUU de The Town, la segunda película de Ben Affleck, las críticas no podían ser mejores, muchos hablaron de que Affleck había encontrado su lugar en el cine en la silla del director e incluso algunos mencionaron posibilidades de nominaciones a los premios de la Academia. Confieso que entré a ver The Town con altas expectativas, y tal vez por eso (o seguramente porque en verdad lo sea) terminé encontrándome con una película de robos más, bien hecha, sí, pero nada excepcional.

La "town" de la que habla el título es Charlestown, un barrio en Boston en el que los asaltos y robos son el pan de cada día, y en el que, en una primera secuencia que nos instala de lleno en la trama del largometraje, un grupo de asaltantes, en un giro inesperado, terminará secuestrando por unos minutos a la gerente de un banco para usarla como rehén en caso de ser atrapados. El asunto no pasa a mayores y la mujer es liberada, pero los asaltantes deben asegurarse que ella no sepa nada sobre ellos, lo que desembocará en una relación entre uno de los asaltantes y la gerente (la misma de la que habla el título en Latinoamérica: Atracción peligrosa).

La película se mueve en dos terrenos, el de la acción, los robos, el dinero, y el de las relaciones de su protagonista (interpretado por el mismísimo director de la cinta) con la gerente, con su padre, con una drug-dealer/prostituta y con sus compañeros de crimen, que son sus únicos compañeros.

En el primero es necesario decir que las secuencias de acción, llenas de choques automovilísticos y ruidosos disparos, no alcanzan la calidad de las que hemos visto este año en películas como Salt y Kick Ass, donde la buena edición y el manejo de los cortes han permitido que se entienda lo que está sucediendo. The Town recurre a los ya familiares cortes rápidos y tomas desde múltiples ángulos que no logran más que confundir en vez de dar la sensación de rapidez que pretenden.

En cuanto a las historias del protagonista y sus relaciones con distintas personas, a veces puede parecer que se están intentando meter muchos personajes con complejos pasados en el relato, pero es un mal necesario para reforzar la motivación principal del personaje que interpreta Affleck: en últimas está buscando dejar atrás su pasado (ya ha estado sobrio por quién sabe cuántos meses, por ejemplo) pero está tan atado a él, a sus personas, a sus deudas, a sus favores, que parece imposible lograrlo.

(sigue sin spoiler)

Escondido entre las majestuosas montañas en algún lugar de Turquía hay un pueblo que en los 90s vio crecer a Yusuf, un joven que se convertiría en un luchador por el socialismo y que terminaría pasando diez años, sus veintes, en una cárcel de máxima seguridad como un prisionero político. “Otoño” cuenta la historia de su regreso a una madre que pasó días sin comer y sin dormir, y a una comunidad que pasó años preguntándose a dónde se había metido.

La historia se mueve con lentitud porque no hay otra forma en que lo haga. La cotidianidad de Yusuf en la prisión se ve reemplazada abruptamente por la de su pueblo, inmerso en una inercia que no les permite a sus habitantes ir más allá de su refugio montañoso, o pensar para ellos un destino distinto al de volverse uno más de los viejos locos que allí viven. Yusuf fue “el loco”, el de “las ideas anarquistas”, el que logró escapar de esa otra cárcel que tenía para su vida una historia escrita, pero que ahora vuelve indefenso, impotente por no poder hacer nada, por haber perdido a la fuerza sus ideales.

El primer largometraje de Özcan Alper es generoso en tomas estáticas que muestran los paisajes de Turquía y se agradece la intensidad de escenas como el contraste entre las quietas montañas heladas enfrentadas a un turbulento mar. Yusuf tuvo alguna vez la fuerza de ese oleaje pero, como el agua, ha chocado con la bahía y ha perdido su impulso para quedarse allí atascado. Quizás la película en algunos momentos se exceda en lentitud, o tal vez lo que tiene que decir se hubiera podido haber dicho en un tiempo menor a sus 110 minutos, pero logra transmitir su mensaje y a la vez dar un poco de contexto, con vagas referencias, a quienes no estamos familiarizados con la historia de Turquía.

La historia de Yusuf se enmarca en la controversia que en ese país suscitó la creación de las “prisiones tipo F”, cárceles de máxima seguridad en la que los reos eran puestos en celdas individuales, limitando considerablemente la interacción entre ellos. Los prisioneros decidieron hacer revueltas y huelgas de hambre para evitar su traslado a estas prisiones, lo que condujo a que varios de ellos murieran y muchos más, como es notable con Yusuf a lo largo de la película, terminaran con su salud irreparablemente deteriorada.

“Otoño” logra, sin muchos artificios, construir unos personajes sólidos y una historia conmovedora sobre la derrota. Las promesas extraordinarias no se podrán cumplir y la inercia que mueve con parsimonia el filme terminará inalterada. Y nosotros quedaremos con la sensación de que, en realidad, no hubiera podido haber un destino distinto a ese.

“Gestación” es la primera película costarricense que veo. La recomendaría por poder contar una historia universal a partir de una realidad local que se nos hará tremendamente familiar.

El segundo largometraje de Esteban Ramírez cuenta una historia de amor entre dos adolescentes que están próximos a empezar su último año de colegio, uno de clase alta (Teo) y otra de clase media (Jessie), y que una noche, entre canciones y juegos románticos terminan cometiendo un error que cambiará sus vidas para siempre. El embarazo de Jessie traerá consigo no sólo una tensión entre ambas familias por cuestiones sociales y de dinero, sino también una lucha política contra el colegio religioso de la futura madre, que pondrá una serie de condiciones para dejarla permanecer estudiando.

Aunque es una historia sencilla y conocida, logra, sin aburrir en ningún momento, construir unos personajes que podemos entender y con los cuales nos podemos relacionar como espectadores. La emotiva “Gestación” acierta en no limitarse a mostrar una de las tantas historias de embarazo adolescente que encontramos en nuestro continente, sino en tratar de trascender un poco más mediante el establecimiento de una lucha contra la discriminación ejercida por una institución educativa y religiosa. Las buenas actuaciones de todos los personajes y la conducción fluida de la narración logran crear un sentimiento de familiaridad y una fe en que el cine latino empiece a contar otro tipo de historias.