En "Roma" lo central del film no esta en lo que muestra, sino en lo que da a entender. Lo medular no es lo que acontece, lo que se ve. Lo nuclear es la metáfora que como un niebla cubre el film en todo su periplo.


"Roma" es un barrio de México (DF). Es un lugar de clase media-alta una familia burguesa tienen como empleada a Cleo (Yalitza Aparicio). Ella oficia de sirvienta. Esta jóven es una trabajadora de origen indígena y es con quien el film abre el antropológico trabajo.


El punto de vista de la cinta es el de Cleo. Es en con quien el metraje inter-conecta las relaciones de todas las personas con quienes se víncula. Lo ontológico es el puente con el cual Alfonso Cuarón nos baña con esta propuesta que va al fondo de temas central de la pertenencia cultural de México. Tópicos tan viejos como actuales. Hechos que no tienen tiempo. La eternidad cultural se apodero de ellos. El director de "Gravedad" coloco soga alta y tirante para ver-saber quien puede alcanzar y descolgar las prendas que allí ha puesto.


La cinta rodada en blanco y negro es una belleza que imanta la estética del soberbio film. Ese gris elegido como pintura principal ademas de una desición fotográfica es también una apuesta política pues (allí) no hay colores que celebrar. El legado español a construido una realidad que tiene en el DF su principal alegoría. La vieja ciudad de gloriosos antepasados ha sido sepultada de la manera mas ruin posible: la nueva ciudad tapo el legado ancestral. Ese anquilosado valor cultural esta quieto, anestesiado, pero no muerto.


El film anclado en los años 70 toma una sabia distancia alejándose de la actualidad candente, pero no tanto como para que de esa manera ese distanciamiento brechtiano adquiera mas espesura. Los 70 fueron años revulsivos en mas de un sentido en todo el mundo. Latinoamérica misma estuvo atravesada por todos tipo de volcanes políticos. Esa huella subyace en la cinta por momentos. En otros es mostrada literalmente.


La bisturí eligió la linea espacio-temporal de los años 70 que implosionó en México. Junto a ello el advenimiento de otro imperativo con aires de progreso: La Industria y el poderío anglosajón. El auto en ello es un actor mas de la pieza. Ese progreso vino también para pisotear y silenciar otras problemáticas. La familia mirando la TV, hipnotizados por este ente tecnológico, los tiene hechizados. El silencio de ellos habla. Ese que es mirar un entretenimiento foráneo. Ese que los ha llevado a no hablar entre ellos y contar que les pasa o deja de pasar.

Allí esta Cleo con un vínculo fluído, creíble, cercano con esa familia al tiempo que ellos mismos asisten con su mutismo ante el tsunami de problemática político-sociales, que como un magma en silencio pero sin pausa se abaten sobre ellos. Aquí la cinta eligió sabiamente un tema que en el mundo, pero en especial en México, siempre estuvo tan a la vista pero tan "invisibilazado": el machismo. Aquí las mujeres tienen que enfrentarse solas el devenir de lo que le toque en suerte.


El raccord del film posee un respeto reverencial por no hacerlo "entretenido". Cuarón se aleja sabiamente de ello. No le puso una patina artificial a ningún cuadro durante todo el metraje.


Tampoco se la hizo fácil al vínculo que le toco en suerte a Cleo. Ella se enamora. Ella va al cine con su amor. Ese amor la interpela cuando el curso de lo que creía seguro se dispare para una situación que la descoloca. Lo propio cuando la pantalla grande le muestre a la realidad de un mundo que le dispare interrogantes culturales, políticos, y metafísicos. La escena de Cleo mirando la gran pantalla es en donde el film centrifuga su cenit. Allí a Cleo le informan sobre el "progreso" que viene de Europa. Como supo decir el filósofo Jacques Rousseau: "El Progreso científico-técnico ha construido un mundo de falsas representaciones, de saberes fragmentados, un universo de profundas desigualdades de orden social...(...). Así traiciona si la naturaleza humana".


La producción logró plasmar un poderoso músculo de realización que nos tiene amarrados en cada cuadro. El neorrealismo italiano mixturado con travelling, -como el que se genera cuando Cleo va de la playa misma al mar-, es tan genial en lo técnico como embriagadora en lo poético. La construcción del relato es sublime ya que impacta pero no empalaga. No tapa la historia. No busco ser -solo- un collage de bellas imágenes.


España fue un imperio político y militar tan grande que la propia España ya no cabia en su lugar insular. Tuvo que salir a conquistar. En sus conquistas la trasculturalidad "reseteo" el disco rígido cultural de cuanta tierra piso. México fue de los países que mas debió beber de esas aguas. El intertexto del film es sobre lo que habla durante toda la cinta. La identidad. Lo que une a todos los personajes es que imperios foráneos han construido una realidad los ha alejado de su propio legado. Ese estrecruzamiento de indígena, mestizos, blancos le ha dado una nueva carnadura cultural pero la "ecualizacion" siempre ha ido en una sola dirección.


Ha logrado contar una historia profunda y no hace concesiones de ningun tipo. Tuvo un respeto inmenso por la historia pero no fue denso, solemne, ni artificial. La narrativa visual entrelazada con la propia biografía fluye de manera bestial. Sencillamente funciona.


Esa historia se centrifuga en los ojos de Cleo. En su mirar condensa capas de sentidos que la tienen aprisionada y bajo cuyo espíritu el film construye su legado. La metáfora de esta descollante realización es un mezcal que genera una sinapsis que nos llena y nos vacía al mismo tiempo. Chapeaux.


By Hugo Manu Correa