La segunda película de Aki Kaurismaki es una obra maestra. Es una película realizada en su totalidad sobre una base firme y crítica. Tiene un trasfondo teórico e ideológico clásico marxista, su estrecha relación con esta ideología no sacrifica la trama ni la puesta en escena para transmitir el mensaje político. El paisaje citadino y cotidiano de Helsinki se entremezclan muy bien con la música popular y los sonidos del día a día; su argumento y sus personajes, vuelven este film cercano y determinantemente humano.

Se nos presentan dos personajes extraños, la primera impresión es que están destruidos, y rápidamente entendemos el por qué. Cada aliento de ellos es una petición de pasión, de aventura, de vida. En el inicio nos cuentan sutilmente quien es aquel responsable de la tristeza y la quietud de sus vidas, o mejor dicho “qué”: “El mercado es una máquina, no tiene compasión”, es lo que le dice le jefe del supermercado a Ilona antes de despedirla injustificadamente, unilateralmente y egoístamente. Era el tercer trabajo en el año en que era despedida de la misma forma. Nikander, un conductor del camión de la basura que pierde a su compañero y amigo de años repentinamente, presenta una contradicción vital, pues está en constante lucha su inexpresividad, que ve como fortaleza, y su inocencia nata; esta combinación lo vuelven real y tangible, transmiten empatía y compasión ante él. Ilona muestra una determinada seriedad, un intento de ocultar el dolor y los obstáculos que ha pasado para llegar a donde está, que no es en nada, pero de una formula similar a Nikander, tiene acciones que develan algo más allá de una simple trabajadora, pues es en su sonrisa donde se siente la opresión y lo que se oculta tras la máscara del trabajador. Es allí donde se encuentra el talón de Aquiles del trabajo y capitalismo: la realización personal y espiritual del trabajador.

La creciente y espontánea relación guarda un grito de resistencia, una confidencia, un secreto. Este no es más que la búsqueda de sentirse vivos, pues en el trabajo no se ven ellos mismos, es la alienación de la que Marx habló, y Kaurismaki propositivamente muestra y enseña que es con el otro y donde sus personajes logran verse por primera vez.

En la película hay dos protagonistas: la relación de Nikander e Ilona y la relación de Nikander e Ilona con el trabajo. La segunda es la que determina la primera. Se hace manifiesta cuando Ilona deja a Nikander por la influencia de su nuevo jefe, de su nuevo trabajo con más estatus y prestigio de los que ha tenido. Tambien devela el factor corruptible del capital y del trabajo, pues su jefe la pone contra la espada y la pared para continuar en aquel lujoso local de ropa. Los lujos y la vanidad le juegan una mala pasada a Ilona y se deja llevar por ellos, sin darse cuenta que el capital va en sentido contrario al que dicta su corazón.

Una oda al amor, al amor sólido que es ciego de prejuicios sociales y económicos, es la búsqueda de la felicidad del amado. Es una película romántica hasta los huesos, ilumina el corazón e ilumina a la sociedad. Necesaria en la sociedad líquida, en dónde ha dejado de haber lugar a un amor así, una relación basada en el sentimiento, en el deseo, en las ansías, en la espera, la paciencia; en una sociedad donde lo inmediato prima, lo rentable, la oferta y demanda, dónde todo esto ha permeado en la relación amorosa, está película es utópica y peligrosa, porque muestra con una calidez y una precisión lo que conlleva amar y ser amado, desear y ser deseado, con sus consecuencias y placeres.

Luces de la ciudad o la Odisea del amor ciego, ciego porque no ve con los ojos del capitalismo y de occidente. No solo es una comedia romántica, es también una invitación política y etica a llevar como banderas la sinceridad, el amor, el cariño y la ternura.

Lo primero, es entender que está película es un experimento y se debe evaluar por cuál.
Las sensaciones que dejan la película es vaga y extraña, quizá por tratarse de una película experimental en la que Yorgos hace despliegue de unas estrategias narrativas peculiares y no tan comerciales como la extravagancia de la banalidad y cotidianidad de una vida común y simple en la que el argumento de recrear un crimen pareciera que va a traerle un drama y un misterio a la vida de sus 3 protagonistas, pero lo que pasa es lo contrario, la vida sigue igual en sus facetas, porque en la relación que tienen entre sí parece no cambiar durante la película. A estas vidas “aburridas” introduce el drama de asesinatos y la investigación de sus propias obsesiones sexuales, y es allí donde la película cobra un interés y cierta dimensión oculta que se nos muestra como prueba para que seamos espectadores y también investigadores de las profundidades de sus propios seres.
La película por sí sola no resalta, tiene significado y fuerza es como primer experimento de Yorgos Lanthimos. Creo que dejando esta película como las ultimas de ver del director es donde se puede apreciar mejor, pues el enfoque visual, las conversaciones raras y extrañas y la fotografía original está esbozada en este primer fil, pero no realizada, es en su siguiente película: Kynodantas (Canino) que logra con perfección ir a las profundidades del ser humano.

Chaplin desde un argumento simple a priori establece un guion y una narrativa marcada por la belleza, por la odisea del día a día, por la ternura y, sobre todo, por la injusticia. No deja cabos sueltos, tampoco exagera en la cotidianidad, recurre a situaciones extravagantes o rebosantes para marcar la comedia, y a las injusticias y a la crueldad del mundo para marcar el drama. Todo en ella es hermoso, toca el alma.